El origen de Don Pelayo y la Batalla de Covadonga

Este noble Visigodo forma parte importante de la historia de España ya que está considerado como el rey que inicia la reconquista en el año 722 tras la victoria de Covadonga sobre el ejército musulmán. Pero quien es este personaje. Vamos a intentar acercarnos un poco más a su figura.

Una de las primeras cosas que debemos saber es que según la tradición visigoda el rey no transmite a sus hijos la corona por herencia sino que son los nobles los que eligen al rey. De ahí vienen los problemas con el rey Witiza que transmitió la corona a su hijo Agila, los nobles no lo aceptaron y eligieron como rey a Don Rodrigo, de manera que Agila y sus partidarios decidieron pedir ayuda a los musulmanes para poder recuperar el poder, de esa manera en el año 711 se produce la llegada de los musulmanes a España que vendrán no solo a ayudar sino a quedarse.

Una vez asentados los musulmanes un grupo de visigodos entre los que se encuentra Pelayo se refugian en la zona de las montañas de Asturias, algunos han huido antes la posibilidad de tener que pagar los nuevos impuestos a los dominadores musulmanes, a ellos se unieron personas de las tribus asturianas que tampoco querían hacer frente a estas nuevas tasas. Posiblemente Pelayo era noble, quizás tenía el título de duque y estaba unido con Don Rodrigo, es muy posible que los dos fueran primos.

Será en Cangas de Onis donde es elegido como príncipe en el año 718, se trata por tanto del líder o rey de un grupo reducido refugiado como hemos dicho en una zona de difícil acceso.

Pelayo es nombrado rey

Los musulmanes decidieron acabar con este foco de resistencia y reunieron un ejercito de 10.000 soldados para hacer frente a unos escasos 400 guerreros, era el año 722. Pero es difícil mover por un territorio con montañas superiores a los 2000 metros a un alto número de soldados. Los musulmanes pensaron en una victoria fácil, pero los antiguos visigodos atacando desde las torres de los picos y haciendo guerra de guerrillas lograron diezmar el ejército musulmán.

Se trata de la primera victoria cristiana (hay que convertir la cruz en el símbolo de la victoria) o si queremos de este antiguo grupo de visigodos sobre el ejercito musulmán, se trata del comienzo de la reconquista, la constitución de un nuevo reino que gracias a esta victoria y con su capital en Cangas de Onis, va a ir adquiriendo importancia gracias a otras personas que se sumarán a Pelayo tras el éxito obtenido en las montañas de Covadonga.

Pelayo reinará hasta el año 737, casado tendrá dos hijos, uno de ellos llegará a ser el siguiente rey, se trata de Favila, del cual lo único que sabemos es que lo mató un oso.

El pintor alemán Paul Klee para niños

Paul Klee es un artista difícil de calificar ya que a lo largo de su vida muestra influencias de varias de las corrientes que conviven en las primeras décadas del siglo XX y por las cuales, este artista nacido en Suiza, pero educado artísticamente en Alemania, no se decanta.

Así encontramos en su obra influencia del surrealismo, en una vertiente más cercana a Miró que a Salvador Dali, pero este tipo de corriente convive con el expresionismo y en muchos casos con la abstracción.

En lo que coincide la mayoría de la gente es que no existía un maestro para distribuir el color como Paul Klee ya que lo hacía de una forma genial, pasando de no tenerlo en cuenta al principio de su obra a tratarlo con verdadera pasión. Es una de las cosas que hace reconocible muchas de sus obra, el uso tan delicado y con gran cantidad de matices que otorgaba al color.

Todos estos estilos de los que hablamos y que aparecen en su obra posiblemente tienen que ver con la relación que Klee tenía con Wasili Kandinski, con el que coincidió en Munich cuando este fundó un grupo de artistas que se encontraban vinculados al expesionismo. Pero como sabemos Kandinski también evoluciona en su forma de pintar y en sus obras tanto la abstracción como el color jugarán un papel importante en su obra.

Klee también es conocido porque en alguna subasta algunas de sus obras ha adquirido un precio descomunal, aunque como sabemos estas cifras son efímeras y se superan con facilidad en cuanto pasa algo de tiempo, pero este artista se encuentra en el grupo de privilegiados que consiguen grandes cantidades por sus cuadros en las subastas.

Como vemos en la biografía de Paul Klee pese a nacer en Suiza, su padre era alemán con lo que su carrera artística se desarrolló en el país germano. Fue también profesor en la escuela de la Bauhaus  y en la Escuela de Bellas Artes de Dusseldorf, pero cuando los nazis llegaron al poder calificaron su obra como "arte degenerado", los últimos años de su vida los pasó en Suiza aquejado de una grave enfermedad los últimos cuatro, falleció en el año 1940.

El papel del catálogo dentro del sistema del arte

El catálogo sirve como elemento de representación de la institución que lo realiza. Digamos que es como una marca de representación de la institución, una carta de presentación en el exterior de las actividades o exposiciones que se han llevado a cabo en ese Museo, Centro Cultural o Galería.

Será pues la institución encargada de la edición del catálogo la que lleva cabo una labor que incluye a varios agentes culturales para que este se lleve a efecto, Desde el propio artista, pasando por las personas encargadas de escribir los textos, el contenido que debe incluir, la línea argumental, el diseño.

Es decir el catálogo marca en gran parte la línea de actuación del Centro de Arte, es el hecho diferencial respecto a su línea de actuación y a su política de exposiciones.

No es seguro hasta que punto una institución cultural busca una rentabilidad con la edición de un catálogo, indudablemente algunas lo consiguen, pero nos referimos a grandes museos y a exposiciones que generan grandes colas para acceder a ellas. La mayoría de las instituciones sirven para obtener una rentabilidad en cuanto a imagen corporativa, que sea una seña de identidad de ese lugar.

En muchos casos el coste de venta ni siquiera cubre el coste de producción ya que, como hemos dicho, no está hecho para buscar una rentabilidad. Así que en muchos casos suele venderse al coste que ha tenido, incluso en muchos casos, a un precio inferior.

Hay que decidir que es lo que se va a incluir en el catálogo. El comisario de la exposición tiene un papel importante en la elaboración, pero siempre siguiendo las directrices y al política del Museo a la hora de diseñar este tipo de libros. Hay que seguir la línea habitual del Centro de Arte.

El catálogo se edita pensando en el público que asiste a la exposición. La distribución en España suele ser nula o inexistente, aunque hay alguna editorial que se ha esforzado por que esté presente en las librerías más importantes.

Solo en Madrid se editan entre 100 y 150 catálogos anuales, una cifra que puede llegar a los 1000 si abarcamos todo el territorio nacional.

El catalogo a veces tiene una serie de esclavitudes que limitan su utilidad. En muchas ocasiones hay bastante premura para que los textos estén terminados a tiempo. La repetición de los objetos expuestos, la vanidad y la pedantería pseudo intelectual que a veces intenta justificar las obras de arte contemporáneo se dan cita en este tipo de libros

El grito obra de Edward Munch explicado a los niños

Estamos ante una de las obras más conocidas de toda la historia del arte por la repercusión mediática que tiene, uno de los cuadros más famosos que fue pintado en el año 1897 aunque se conservan cuatro copias de esta obra, tres en Museos y una en manos de un coleccionista privado. De hecho en el año 2012 fue la pintura por la que más dinero se pagó en una subasta, luego superada por otras obras en una carrera sin fin a la cual no vemos mucho sentido. El precio que alcanzó El Grito fue de 119,9 millones de dólares.

El cuadro se considera un ejemplo de pintura expresionista ya que algunas de las características de este movimiento se pueden ver en la obra, por ejemplo la temática triste que observamos en el cuadro, en segundo lugar el uso de colores con tendencia al negro, a veces utilizando blanco y negro en contraste. En tercer lugar la deformación de las figuras que podemos observar perfectamente tanto en la cara como en las manos del personaje principal.

El tema representado en El Grito es extraño, se trata de una figura que se encuentra cruzando un puente, donde como podemos observar al fondo también se encuentran otros personajes en actitud de paseo. Pero esta figura ha visto algo que le atemoriza, que le hace llevarse las manos a la cabeza y abrir la boca para expresar su rabia, dolor, incapacidad o lo que sea, de ahí el título de el cuadro. El escenario es un puente desde el que se puede apreciar una vista de la ciudad de Oslo que aparecería al fondo de la obra completamente desdibujado en un uso de la pincelada completamente suelto.

La obra como dijimos fue pintada a finales del siglo XIX por Edward Munch que fue pintor hasta que se produjo su fallecimiento en el año 1944.

Hay quien alude en su obra a la realización de otra muy parecida que después sería modificada por el autor y que lleva el nombre de La desesperación, se trataría de una serie que el artista estaba realizando sobre distintos estados de ánimo. Esta obra tiene el mismo escenario que la anterior, pero el personaje, al cual se reconoce perfectamente, muestra una cara deprimida, de un conformismo impotente ante la situación que se le plantea. Es el personaje que cambia en el grito para adquirir una actitud completamente diferente y muy activa respecto al anterior.

Ese aura de misterio que tiene la figura representada en El Grito y el no saber que es lo que le provoca ese terror nos causa una gran angustia de la que no podemos abstraernos mientras observamos el cuadro.

No queremos citar sin citar al verdadero precursor del expresionismo y los cuadros de este tipo que es el pintor español Francisco de Goya que cumple todas las reglas citadas para los cuadros expresionistas en las pinturas negras que realizó en los muros de su casa y que ahora se pueden contemplar en el Museo del Prado, esas obras fueron realizadas 80 años antes de expresionistas como Munch trabajaran en este cuadro, de ahí el gran mérito del pintor aragonés.

La desesperación. Edward Munch

Paul Gaugin y la obra mas cara de la historia del arte

Acostumbrados cada día a escuchar noticias escandalosas, no es extraño que otras actividades se unan al escándalo general, entre ellas el arte que no queda exento de esta practica. Muchas de las noticias que aparecen en los medios relacionadas con el arte o son escandalosas o rozan el escándalo, suponemos que tienen la intención con ello de generar desprecio o bien rechazo ante una incomprensión o falta de interés generalizado. Con ello nos referimos a los precios de las subastas de arte o a noticias extravagantes relacionadas con algún artista o su forma de componer una obra en concreto.

Esta pequeña introducción nos sirve para hablar un poco sobre la pintura mas cara de la historia, aquella por la que un coleccionista ha pagado más dinero y cuyo valor es tan relativo como el escándalo que genera una noticia de este tipo.

Este título va cambiando de forma constante, en los últimos años son varios los artistas que han tenido el honor de ocupar esta posición, la mayoría son pintores que han trabajado a finales del siglo XIX y principios del siglo XX y ahora mismo Gaugin acaba de desbancar a Paul Cezanne y la maravillosa obra Los jugadores de cartas, que tenía el honor de haber cosechado 219 millones de euros por ella. Anteriormente los Tres estudios de Lucian Freud o la obra El Sueño de Pablo Picasso habían pertenecido a este selecto grupo que se encuentra en una carrera sin fin que, como decimos, lo único que sirve es para generar noticias de un record que como los 100 metros lisos va cambiando cada poco tiempo.

Desde hace pocos días la obra ¿Cuando te Casas? de Paul Gaugin es la más cara de toda la historia del arte ya que un coleccionista de Qatar ha pagado por ella 263 millones de euros (300 millones de dolares). Ahora pensamos que lo mejor es no quedarnos con la cifra sino intentar conocer mejor al artista y algo sobre la obra, mas que el dinero que se ha pagado.

Gaugín es un pintor postimpresionista muy influyente en las generaciones posteriores, por ejemplo beben de sus fuentes artistas tan determinantes como Picasso, muchos de los expresionistas y su influencia será muy grande para el fauvismo, sobre todo debido a los colores que utiliza en su obra y a la distribución que hace del color. Recordemos que el fauvismo se caracteriza, entre otras cosas, por aplicar colores que no son reales a paisajes, objetos o personas que originalmente tienen uno distinto. Es decir pintar por ejemplo una cara de color azul o el cesped que cubre una colina con color morado en vez del verde que tendría originalmente. Así que como podemos comprobar Gaugin fue un pintor muy influyente en la generación posterior.

Por otro lado Gaugín vivió la mayoría de su vida arruinado, no tuvo mucha suerte con sus obras. Las más conocidas, como esta que nos ocupa, fueron realizadas en Tahití donde se estableció desde el año 1891, tengamos en cuenta que esta obra fue pintada en el año 1893. En ella como vemos se retratan dos mujeres que aparecen sentadas sobre un paisaje con colores bastante vivos, que no deben ser extraños para una persona que se encuentra en esta zona de la Polinesia Francesa.

¿Cual será el próximo? Pues pensamos que a no mucho tardar Gaugin será sustituido por otro artista. Aunque quizás lo que debamos preguntarnos es el precio que alcanzaría algún artista que no se encuentra a la venta, por ejemplo ¿cuando se pagaría por Las Meninas de Velázquez?. Quizás unas cantidades mucho mayores a las que estamos hablando en estos momentos. El arte es así sugerente y escandaloso (para los medios de comunicación).

Picasso visita el Museo del Prado de Madrid

Si estamos buscando una de las mas espectaculares exposiciones de pintura en Madrid durante el año 2015, esta que tendrá lugar en el Museo del Prado durante la primavera y el verano, será sin duda una de las más interesantes para conocer algunas de las obras del artista Malagueño y contemplar la evolución de su pintura, tratando de descubrir porqué y como llega al cubismo y se convierte en un referente para la mayoría de los artistas del siglo XX en todo el mundo.

El periodo que abarca la exposición va desde el año 1906 hasta el año 1967 dentro del cual se pueden englobar diferentes etapas de la obra de Picasso. El primero de los años es muy importante porque Picasso se encuentra a punto de dar el salto al cubismo y en su obra se pueden apreciar algunas características principales del cubismo que después observaremos en Las Señoritas de Aviñon, su primera obra cubista que fue pintada en el año 1907.

Pero no se trata solo de cubismo, ya que Picasso extendió y experimentó con el movimiento y llegó a la absracción en el año 1912, pero Picasso es mucho más que algunos cuadros cubistas sino que tiene distintas etapas en las que está influenciado por otros movimientos artísticos.

Dentro de las influencias de Picasso podemos citar por ejemplo un viaje que realiza a Roma a mediados de la segunda década del siglo XX y que le influirá en unos cuadros de temática realista y figuras muy masivas por la admiración que sentía hacia las obras del escultor Miguel Angel. A mediados de los 20, como otros muchos autores también se dejará influir por el impresionismo, con unas obras extrañas donde extrañas figuras pueblan los lienzos en escenas extrañas conectadas en mcuhas ocasiones con temática sexual.

Si hay algo que influyó mucho en la obra de Picasso fue la guerra civil española, aunque Picasso se posicionó con los republicanos y llegó a ser director del Museo del Prado en difíciles momentos, su obra gira en este momento en torno al sufrimiento que conlleva una guerra, la muerte y la tristeza que provoca entre cualquiera de las personas que les toca sufrirla, sean del bando que sean.

Ese es el mensaje del Guernica al que podemos identificar como un alegato a la paz y otras figuras que compone en ese momento y en las que nos recuerda, que pese a pequeños cambios e influencias, Picasso siempre es un pintor cubista y que algunas características del cubismo como la eliminación de la tercera dimensión, la descomposición de las figuras en distintos planos y la simplicidad en las formas son parte muy importante de sus composiciones.

A todo ello podemos enfrentarnos en una exposición que ayuda a llenar el tiempo de ocio en el Madrid de hoy siendo esta exposición unos de los eventos relevantes en Madrid para el año 2015. Son 10 obras las que forman parte de la exposición que podrá verse desde el 16 de Marzo al 13 de Septiembre de 2015 en el Museo del Prado

La Venus del espejo de Diego Velazquez

Esta obra de Velázquez debemos fecharla durante el segundo viaje que el artista realiza a Italia entre los años 1649 y 1651, un viaje extraño donde el pintor pasa más tiempo del requerido para las funciones que le habían sido encomendadas.

La Venus del espejo tiene una par de características que debemos destacar. En primer lugar el tema, ya que se trata de una historia de la mitología. Velázquez está representando a la diosa de la belleza. Eso es lo extraño, la temática. Acostumbrados como estamos en España durante esa época y las anteriores a que los temas sean religiosos o bien retratos, la aparición del tema mitológico es algo que nos llama la atención. Es cierto que Velázquez practicó el tema mitológico desde su llegada a Madrid, por ejemplo con la obra conocida como Los Borrachos o El triunfo de Baco y no dejó de hacerlo a lo largo de toda su carrera artística.

En segundo lugar el tratamiento del desnudo. Una característica que era muy común a la pintura italiana pero completamente ajena a la pintura española. Se dice que este es el primer desnudo integral de la pintura española. Tampoco es un desnudo que se recree excesivamente en las formas porque la figura que aparece se nos muestra de espaldas. Solo Velázquez protegido por el rey podía permitirse el lujo de realizar obras de este tipo sin tener que dar cuentas a la Inquisición por ello.

Por lo demás la obra representa el momento en que la diosa Venus contempla su rostro reflejado en una espejo que sostiene su hijo cupido que no aparece en la obra ataviado con sus elementos habituales, que son el arco y las flechas.

Es curioso que Cupido aparece como la figura de un niño algo gordito, que no disimula para nada su barriga. Esto tiene que ver con la inclusión de personajes populares y no idealizados en muchas de las obras del artista sevillano.

Por último debemos destacar que este es un momento en que Velázquez busca dotar a sus cuadros de gran profundidad y busca conseguirlo a través de diferentes métodos. Por ejemplo en esta obra va colocando elementos unos detrás de otros para que en nuestra mente compongamos esa idea de profundidad. Así tenemos: sabana blanca, negra, el cuerpo de la Venus, el espejo, el ángel, una cortina de color rojo y la pared del fondo.

El cuadro se conserva en la National Gallery de Londres y debemos decir que fue agredido por una feminista a principios del siglo XX que lo perforó con un cuchillo por varios lugares. La obra ha sido restaurada y prácticamente no queda ninguna señal de este ataque violento.

Una cosa mas, se ha especulado mucho con un detalle curioso. Es el rostro que se refleja en el espejo. Hay quien dice que supone una contradicción que la diosa de la belleza nos devuelva una imagen fea. No nos atreveríamos de decir que fea pero si resulta extraño que no podamos contemplar el rostro de una mujer tan bella por el hecho de que la imagen reflejada se nos muestre completamente borrosa y poco identificable.

Existen relaciones con otras muchas obras pero quizás La Maja Desnuda de Goya sea la más conocida. Picasso por ejemplo realizó varias versiones del tema al final de su vida.

El Descendimiento de la Cruz de Roger Van der Weyden

Parece que la del artista que nos ocupa hoy será una de las grandes exposiciones en Madrid programadas durante el año 2015 y sin duda este será su cuadro estrella, una obra de grandes dimensiones que se conserva en el Museo del Prado. También encontramos una copia de la misma si visitamos el Monasterio de San Lorenzo de Escorial disfrutando de sus diferentes salas.

Roger van der Weyden es un artista flamenco, concretamente de la norte de Bélgica. Su vida artística coincide con la primera mitad del siglo XV, ya que nació en el año 1400 y falleció en 1464 en la ciudad de Bruselas. Por tanto es un pintor de estilo gótico, si queremos podemos decir gótico flamenco, un estilo de gran influencia en España, no solo en pintura sino también en arquitectura a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y el reinado de los Reyes Católicos.

El cuadro se encuentra en España porque el rey Felipe II lo compró a una de sus tías en un viaje a los Países Bajos. Ya sabemos que el rey era muy aficionado al arte y poseía una excelente colección de pintura que fue ampliando a lo largo de su vida.

El tema nos muestra el momento en que Jesucristo es bajado de la cruz, ya muerto, cosa que podemos apreciar por la herida que muestra en el costado su figura que ocupa la parte central de la composición. Justo a Él aparecen una serie de personajes que estarían presentes en la muerte de Jesús acompañándole en ese momento. Entre ellos dos ancianos, Nicodemo y José de Arimatea, que sería el dueño del sepulcro donde se deposita el cuerpo de Jesús. El personaje más joven lo identificamos con Juan Evangelista, presente en la escena y al cual reconocemos porque todavía no tiene barba debido a su juventud. La Virgen María se ha desmayado, rota por el dolor al contemplar la muerte de su hijo se encuentra en la misma posición que Jesucristo está representado en el cuadro. De las tres mujeres restantes la más fácil de identificar es María Magdalena que se encuentra a la derecha ataviada con un cinturón que representa la virginidad y la pureza.

Destacamos la riqueza de los vestidos y ropajes que llevan cada uno de los personajes que llenan la obra.

Por último no podemos dejar de señalar la expresión de dolor que presentan cada una de las figuras de la obra, sus rostros desencajados y llenos de lágrimas que muestran por ejemplo las dos mujeres de los extremos y que son una de las características principales de la obra. El gótico como un aumento de la representación realista frente al hieratismo románico, un lugar donde los personajes se humanizan y gracias a la línea marcada por el maestro Giotto comienzan a mostrar que sufren y que los acontecimientos les afectan. En ese aspecto Roger van der Weyden es un gran maestro.

No podemos dejar el texto sin aludir al cráneo y hueso que se encuentran en la composición y que tradicionalmente representan los huesos de Adán, el primer hombre que con el peso de la cruz de cristo emerge de debajo de tierra y simboliza el fin de la vieja alianza y el comienzo de la nueva.
Sin duda una de las grandes exposiciones de pintura en Madrid que nos depara el año 2015.