Nuevo Testamento para niños. La traición de Judas

Una de las más interesantes representaciones en pintura y en escultura es la manera de representar a Judas momentos antes de que se produzca el Prendimiento de Jesucristo, el momento en que los apóstoles se encuentran celebrando La Última Cena. 

Se suele representar el momento en que Jesucristo comunica a los apóstoles que uno de ellos le van a entregar por eso muchos de ellos están mirando a los otros o se señalan a si mismos para preguntarse si son ellos los que van a hacerlo, todos con una cara de sorpresa bastante grande. Todos menos uno que vemos que se encuentra mirando al espectador, con una mirada un tanto sospechosa y que podemos identificar con Judas Iscariote.

Aunque es difícil identificar a todos los apóstoles ya que algunos no llevan ningún símbolo, en el caso de Juan o de Judas es más fácil, quizás también en el de Pedro que suele ser el más anciano del grupo. Juan no tiene barba y aparece con la cabeza apoyada en el hombro del maestro tal como describe en el evangelio. Por su parte Judas, que es a quien dedicamos este post, suele aparecer con una bolsa de monedas en sus manos y hace intención de levantarse porque se marcha para comunicarle a los miembros de la sinagoga donde pueden encontrar a Jesús que se dirige a rezar a Getsemani. Así es como lo apreciamos en la pintura, con sus 30 monedas de plata metidas en una bolsa y mirando sospechosamente al espectador.

Esta pintura de finales del siglo XVI se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla y es obra del pintor Alonso Sánchez

El barrio judío de Santa Cruz en Sevilla

Una de las zonas turísticas más populares de la capital andaluza es el Barrio de Santa Cruz, normalmente lleno de personas que caminan por sus estrechas calles o disfrutan de algunas de las múltiples tiendas desperdigadas por la zona. Es más pensamos que hay mucha gente que viene de visita a Sevilla y solo se queda con la imagen del Barrio de Santa Cruz como emblema de una ciudad que tiene muchas más cosas que mostrar al visitante.

Hay un par de aspectos que nos llaman la atención del Barrio de Santa Cruz de Sevilla y que nos gustaría destacar para poder explicar a los niños ya que son fáciles de recordar y nos ofrecen un idea de la forma de vivir y comportarse de los habitantes que pudieron residir en la zona.

Claro que a un lado quedan todas las historias y leyendas que dan vida a cada una de las calles y plazas del barrio, la Susona, la más conocida de todas, muy bien representada en la segunda temporada de la serie de tve Isabel o bien las placas relativas a los lugares donde tiene lugar algunos episodios de la obra de José Zorilla "Don Juan Tenorio" y que tiene como escenario algunas de las calles y edificios de la ciudad de Sevilla.

Uno de los aspectos interesantes del barrio es su única entrada, que se realiza por la gran plaza desde la que también se puede acceder a la Catedral de Sevilla o a Alcázar de la ciudad. Una sola entrada que permite tener controlados a los habitantes del barrio o que permite encerrarlos en caso de que haya algún problema y surja alguna revuelta. Algo parecido debió pasar en el año 1391 cuando el Arcediano de Ecija lanzó un encendido sermón contra los judíos, consecuencia del cual numerosos habitantes atacaron el barrio y dieron muerte a 4000 personas, quizás bloquearon la salida y de esta manera encerrados en sus casas y calles cayeron en manos de los asesinos de una forma más fácil.

La segunda cosa que nos llama la atención es el espacio, para construir sus edificios no disponían de demasiado por lo cual se apoyan unos en otros, tengamos en cuanta que ni sus edificios ni sus sinagogas podían destacar, así se eliminaban las diferencias entre ellos, es por eso que ante la escasez de terreno y una ley que aclarara como debía construirse, cada uno lo hiciera como mejor pudiera. Por tanto no es extraño encontrase calles excesivamente estrechas, donde prácticamente hay que ir en fila para poder transitar por ellas, calles que no son rectas sino que se adaptan a las formas de las casas, otorgando a la zona un perfil de laberinto desconocido para los visitantes y fácil de perderse en él para los residentes. Además la estrechez de las calles ayuda a combatir el duro calor del verano en Sevilla que como sabemos puede alcanzar muy altas temperaturas, las cuales se soportan mejor caminando en la sombra que en el sol

Historias de la Biblia para niños. La dormición de la Virgen

Caravaggio. Muerte de la Virgen

El transito de la Virgen, como también se le conoce, es uno de los temas más representados, pese a que, como en otras ocasiones, no es un tema descrito en la Biblia ni en el Nuevo testamento, sino que se trata de una tradición oral, que se ha ido transmitiendo de padres a hijos a lo largo de los siglos.

Deberíamos decir en primer lugar que nadie está libre de la muerte, ni siquiera la Santísima Virgen pese a ser la Madre de Dios. Por ello tras la muerte y resurrección de Jesucristo y sin saber exactamente cuanto tiempo transcurre desde entonces, se produce el fallecimiento de la Virgen María.

Es curioso pero se ha especulado bastante con la causa de la muerte de la Virgen, la principal conclusión a la que se llega es que la muerte no se produciría por una causa natural o una enfermedad sino que sería consecuencia de otras causas. 

Como podemos observar en la definición que se hace del tema la muerte se produciría por dormición, es decir sin dolor, la Virgen tumbada en su lecho se quedaría dormida y se produciría su transito a la otra vida. Hay quien afirma que nada más producirse el transito se produciría la resurrección de su cuerpo y en cuerpo y alma la Virgen sería trasladada al cielo para, como observamos en otras pinturas situarse a la izquierda de Jesucristo y ejercer como intercesora de las personas que llegan para ser juzgadas y así ir al cielo o al infierno y Jesucristo pueda escuchar a su madre cuando un alma llega para ser decidido donde debe ir, así lo observamos por ejemplo en el cuadro El Entierro del Conde de Orgaz de El Greco que se encuentra en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo.

Hay un curioso artículo, muy completo y documentado que se titula ¿de que murió la Virgen?, en él básicamente se viene a decir e intenta demostrar que la Virgen murió de amor, es decir llega un momento en que su amor es tan grande que ya no puede soportar más la existencia terrenal y se encuentra más unida a Dios que a los hombres, momento en que se produce su fallecimiento por dormición. Es muy interesante leer el artículo y contemplar un tema que vemos se repite en otras ocasiones como escritos y poesías de la patrona de España, Santa Teresa de Jesús y otros místicos españoles del siglo XVI.

La forma habitual de representación nos muestra una mujer tumbada en una cama y rodeada de los apóstoles de Jesucristo terriblemente apenados por el fallecimiento que acaba de producirse, en el caso de la pintura de El Greco observamos como el propio Jesucristo baja para recoger el cuerpo de su madre para llevarlo directamente al cielo.

El Greco. Tránsito de la Virgen

¿Que es un crítico de arte y cual es su labor?

El profesor Fernando Castro es uno de los críticos más reputados del país.

En el mundo actual deberíamos ver la crítica de arte como una mediación entre los objetos artísticos y el público en general. La crítica de arte surge de un juicio de valor sostenido por argumentos intelectuales que jerarquiza la obra y orienta el gusto del público.

Antiguamente la crítica era parcial, apasionada, política, pero actualmente la condiciones y la dependencia de las instituciones hacen que el elogio y la justificación artística sea el escenario en el que se mueve la crítica actualmente. En algunos medios la publicidad juega un papel importante, ya que si hay inserción de publicidad posiblemente hay crítica, en caso contrario no se realiza.

Se supone que el crítico es una persona informada y cultivada, que tiene una visión diferente de los problemas artístico-culturales, se le supone un gusto mejor que al resto de los mortales.

Son personas que han estudiado historia del arte o que provienen del mundo del pensamiento, muchos de ellos ligados de una u otra manera a la estética. Pero no es suficiente con tener ideas sino que a ello se une la capacidad de escribir y hacerlo bien, al fin y al cabo se podría comparar con cierto tipo de literatura.

Así la labor del crítico sería orientar, pero cuando se lee una crítica hay que tener en cuenta la influencia de lo literario y de los contactos que tenga con las instituciones, este sería el primer pilar en el que se apoyan, a ello se une la historia y teoría académicas.

No es extraño que el crítico deba esconder sus verdaderos pensamientos llegando a justificar la obra de un artista de la institución que le ha encargado el texto bien para un catálogo o para una revista de arte contemporáneo.

Es curioso pero en el mundo actual todo el mundo quiere ser "curator" o comisario, no es extraño que muchos críticos de arte se presenten a si mismos como "comisario independiente".

Según el profesor José Jiménez la crítica debe ser una mediación interpretativa entre las obras y el público que intente demostrar que hay de verdad y de perdurable en las obras, separar la paja del grano dotando a las verdaderas obra de un valor estético.

La obra debe ir acompañada de un discurso lingüístico e intelectual, que las contextualiza y ayuda a ubicarlas en un tiempo concreto.

Pero lo cierto es que los críticos de arte tienen poca influencia en el sistema del arte, tanto si es periodista o bien un crítico que se dirige a un público más especializado. Pero la clave de la carrera de un artista no está en la crítica sino en el coleccionista. Su principal influencia está en mover al público para visitar una exposición, pero tiene mucha más influencia un anuncio impactante o el boca a boca que un texto leído en cualquier periódico o revista.

La mayoría son colaboradores freelance que alternan este trabajo con otro como la labor docente, son comisarios o antiguos artistas que no encontraron hueco dentro del sistema del arte.

Historias del nuevo testamento. La duda de Santo Tomás

La duda de Santo Tomás es uno de los temas más representados en la historia del arte cristiano, entre otras cosas debido a la gran importancia que la Iglesia concede a la fe, en oposición a aquellos que carecen de esta virtud y que por tanto necesitan confirmar aquellas cosas que les cuentan para poder creerlas.

Desde época medieval podemos ver alusiones al tema, como ocurre por ejemplo en el Claustro de Santo Domingo de Silos, donde curiosamente la forma de representar al apóstol de Cristo es esculpiendo una cara en la que parece un simio por tener la osadía de dudar sobre la Resurrección del maestro.

La evangelio nos cuenta como estaban reunidos los apóstoles y después de la muerte y resurrección se les apareció Jesucristo, pero entre ellos no se encontraba Tomás, de manera que una vez el maestro se había ido y Tomás había regresado, sus compañeros le contaron el tiempo que habían pasado con el maestro. Tomás no les creyó, dijo que hasta que no lo viera con sus ojos no lo creería, hasta que no metiera los dedos en las llagas de sus manos y de sus pies y el puño en la herida del costado no podría creerlo. La vez siguiente que reunidos los apóstoles se presentó Jesús delante de ellos, lo primero que hizo fue llamar a Tomás y obligarle a meter los dedos en la llagas de las manos y en la herida del costado, para que de esta manera comprobara que realmente era Jesús, el cual le llamó hombre de poca fe y alabó a todos aquellos que creían sin haber visto, a todos aquellos que tienen fe en Jesús y en sus obras.

En la obra de Caravaggio que podemos ver en este post, es el propio Jesús el que lleva la mano de Tomás para que meta los dedos en la herida del costado, mientras otros dos apóstoles observan la escena y el propio Tomás tiene una cara que varía entre el arrepentimiento y la incredulidad.

Lo normal es siempre representar el momento más polémico de la escena, el más impactante que consiste en meter los dedos en la herida del costado, a veces simplemente la mano se acerca y otras, como en este caso, da impresión de que se regodea en la herida.

Gerard Van Honthorst La duda de Santo Tomás

El papel de la Galería dentro del Sistema del Arte

La Galería de arte se dedica a la promoción artística. En una doble vertiente, por un lado cultural, ya que se introduce en el circuito nuevos artistas o promociona los que ya pertenecen a la Galería. Por otro lado existe una vertiente económica porque no debemos olvidar que una Galería de arte es una empresa y como tal negocio está en esto para ganar dinero.

Lo cierto es que cualquier artista que quiera encontrarse dentro del sistema del arte debe estar representado por una galería, en caso de no tener una galería se encuentra fuera del sistema y tendrá que buscar circuitos alternativos para poder hacer circular sus obras, circuitos en los que no habrá contacto con otros agentes artísticos tan fácilmente, como críticos, comisarios, promoción pública, coleccionismo privado.

Para promocionar las obras de arte de los artistas representados los galeristas realizan exposiciones cada cierto tiempo, normalmente cada mes y medio o dos meses como máximo, exposiciones que sirven de curriculum para poder asistir a ferias de arte, bien de carácter nacional o internacional, donde exponen sus obras con intención de venderlas.

El galerista es una persona dedicada a la venta, puedes asistir a su local y es posible que te deje ver la exposición, pero si ve posibilidades de venta de dedicará a hablar contigo con interés de que adquieras la obra de un artista concreto del que cantará sus alabanzas como si fuera único y la obra se hubiera hecho solo para ti.

El galerista no tiene que tener ninguna formación, ni siquiera haber estudiado historia del arte, si dispone de un local amplio y bien situado, al mismo tiempo si dispone de buena labia y es buen vendedor, eso será suficiente para poder montar una galería de arte.

La venta en la galería es lo más importante, pero hay que dar una imagen de que eso no es así, cuanto menos se parezca a un local comercial mas cerca estaremos de una galería de gran altura.

Hay galeristas que tras mucho trabajo han consolidado una marca y una llamada suya es suficiente para que algún coleccionista acuda al local y se haga con alguna obra del nuevo artista expuesto en la misma, incluso a veces sin conocer el coleccionista de quien se trata, solo simplemente porque está representado y aparece expuesto en esa galería. Esto ocurre con grandes galerías que han consolidado su trabajo a lo largo de los años.

Una cosa que una galería nunca va a permitir es que un artista pierda valor, aunque haya una fuerte crisis y haya menos dinero y menos ventas, un galerista nunca dejará caer el valor de alguno de sus artistas porque habría decepcionado a sus compradores los cuales se sentirían engañados en caso de que el valor del artista sufra un descenso.

Una galería suele representar entre 15 y 25 artistas, los cuales consiguen una exposición individual y colectiva mas o menos cada 18 meses. Durante la exposición se promociona la obra entre otros miembros del sector como son coleccionistas, críticos de arte o comisarios de exposiciones y museos.

Historias de la Biblia para niños. La Adoración de los Pastores

Dos escenas similares se suceden en corto espacio de tiempo en la iconografía cristiana tras el nacimiento de Cristo, escenas que en realidad estarían separadas por un periodo de dos años si seguimos la tradición de las mismas, se trata de la que hoy nos ocupa y de la Adoración de los Reyes Magos, de cuyas principales características ya hemos hablado en este blog.

Decimos separadas en en tiempo porque la llegada de los Magos para adorar al niño no sería inmediata ni se produciría en el portal de Belén, como estamos acostumbrados a ver en los cuadros que representan la escena, sino que Jesús sería un niño talludito de unos dos año. Recordemos que la escena de los Magos y la huida a Egipto son momentos conectados y que el rey Herodes trató de matar a todos los niños menores de dos años, calculo que él hacía sobre la edad del niño según la descripción de los Magos y la estrella.

El caso es que la escena que si tiene lugar en el Portal de Belén es la Adoración de los Pastores, que serían los primeros que se acercan a conocer el nacimiento del nuevo niño. En una doble vertiente, en primer lugar porque eran las personas que más cerca estaban de la escena cuando esta se produce, por eso reciben el anuncio del ángel que les invita a acercarse y conocer al Salvador que acaba de venir al mundo.

La segunda vertiente, no por ello menos importante, es que las primeras personas que se acercan no son los grandes ni poderosos, sino algunas de las personas más humildes de la sociedad de la época, aquellos que menos tienen y que menos pueden ofrecer, pero también aquellos a los que va dirigido el mensaje de Jesús, a los más desfavorecidos, a los pobres, a los pequeños; es algo que no debemos dejar al azar cuando contemplamos una escena de este tipo.

El Pantocrator de la colección Varez Fisa donado al Museo del Prado

Se ha hablado bastante de las obras donadas al Museo del Prado por la familia Varez Fisa que recientemente han sido acondicionadas en una de las salas del Museo para poder ser contempladas por el gran público.

Nosotros vamos a analizar el Pantocrator o la Maiestas Domini que se encuentra entre las obras de la colección donada, que deberíamos fechar en época románica, aunque cercana al momento gótico, esto podemos apreciarlo en la posición de los pies del Cristo que tiene tendencia a la forma de letra V, una de las características del gótico, así que podemos decir que estamos a mediados del siglo XII cuando se pintaría esta obra.

El tema que se representa es un Juicio Final, Cristo aparece dentro de una mandorla, sentado, con un libro en la mano izquierda que se encuentra abierto y tiene escrita en latín la palabra PAX, en ocasiones aparece la frase EGO SUM LUX MUNDI, como ocurre por ejemplo en el Pantocrator de la Iglesia de San Clemente de Tahull, actualmente conservado en el Museo de Arte de Cataluña. La mano derecha de Cristo aparece alzada, en una posición que se encuentra entre la bendición y la amenaza, con tres dedos abiertos y dos semicerrados. El rostro es serio, es el día en que debe separar a los que van al cielo y los que van al infierno e incluye alguna de las características propias de la pintura románica, como por ejemplo las lineas de color negro que delimitan la figura o los coloretes de color rojo que adornan las mejillas de su cara.

Alrededor de la mandorla Cristo aparece acompañado del tetramorfos, los cuatro evangelistas representados con formas animales, Marcos es un león, Lucas es un buey, Juan es un águila y Mateo es un ángel.

A los lados dos escenas del Nuevo Testamento que podemos identificar a la derecha con la resurrección de Lazaro, escena contemplada por tres mujeres que podemos identificar con Marta, María (hermanas de Lázaro) y la madre de Cristo. Al otro lado la escena parece Jesús delante de la mujer adultera en el momento en que es salvada de ser apedreada.

Colores muy vivos y figuras muy bien delimitadas con hablan de un buen maestro, el Cristo tiene semejanzas con las pinturas de San Isidoro de León, aunque las escenas de los laterales tienen mucho menos sensación de movimiento que las que encontramos en el antiguo reino.