El divisionismo, una variante del estilo puntillista

El puntillismo es un estilo postimpresionista que surge en Europa a finales del siglo XIX, concretamente en 1884 de la mano de Georges Seurat que es el artista que da inicio al movimiento. Aunque será Seurat también el introductor del divisionismo en una fecha similar a la que acabamos de reseñar, donde uno y otro movimiento se mezclan y confunden en algunas ocasiones ya que las variaciones entre ellos son mínimas.

Giovanni Segantini. Vanidad. 1897

Lo primero que debemos pensar es que desde que surge el impresionismo hay un grupo de artistas que están obsesionados por dos elementos tan importantes en el cuadro como la luz y el color. ¿Como influyen estos elementos combinados en el cuadro? ¿Existe posibilidad de conseguir imágenes con colores puros? ¿Es posible captar la esencia o el reflejo de la luz en un cuadro de la manera más fiel posible? Todas estas preguntas nos llevan a la creación de diferentes estilos artísticos, entre ellos el citado impresionismo, el postimpresionismo, el neoimpresionismo, el puntillismo o el divisionismo. Todo en un momento en que los artistas se han liberado de las ataduras de los encargos y están investigando por su cuenta y realizando los cuadros que realmente les apetece pintar.

El nombre original que Seurat le puso al movimiento fue cromoluminarismo basándose en teorías del color y la visión que se habían publicado en esa época. Los divisonistas creyeron que serían capaces de conseguir la máxima luminosidad en sus cuadros y para ello una de sus principales características era la separación en puntos individuales que interactúan de manera óptica. El puntillismo utiliza puntos para la pintura pero no está enfocado a la separación de colores. Para obtener más información sobre este estilo hemos dedicado un extenso post a hablar sobre el puntillismo para niños.

Para lograr mejores efectos aplican un tipo específico de colores a determinadas representaciones, por ejemplo el cielo es azul o el cesped es de color verde, para la sombra utilizan colores rojos, verdes o morados, para crear contraste se ponen colores opuestos muy próximos.

Recordemos que en este estilo los colores no se mezclan como hacían los artistas anteriores en la paleta sino que la mezcla se produce en nuestra mente aproximando colores que producen esa mezcla en el cuadro a base de puntos, es decir para componer un color morado se aproximan puntos de color verde y azul, para componer un naranja se aproximan colores rojo y amarillo.

La obra de Givanni Segantini se acerca bastante a las ideas divisionistas con los paisajes alpinos y escenas de tipo religioso representados por este artista nacido en la ciudad italiana de Arco en 1858.

El rapto de las Sabinas

Este episodio que pertenece a la mitología romana tiene lugar unos meses después de la Fundación de la ciudad de Roma por Rómulo, un personaje del que hemos hablado en este blog al estudiar la imagen de la Loba Capitolina.

El rapto de las Sabinas. David. 1799

Tras la fundación de Roma, enseguida se dieron cuenta que la mayoría de las población eran varones y que si continuaban así todos los esfuerzos realizados no servirían para nada, ya que en una generación quedarían aniquilados por la falta de descendientes. Necesitaban mujeres para continuar con su proyecto. Enviaron emisarios a los pueblos vecinos para conseguir mujeres pero todos ellos fueron rechazados.

Entonces Rómulo pensó que la mejor forma de conseguirlas sería organizar unos juegos en honor al dios Neptuno donde estaban invitados los pueblos de alrededor. A esta llamada en cambio si acudieron para celebrar los juegos, entre los pueblos invitados se encontraban los sabinos, que debido al ambiente festivo habían acudido acompañados de sus esposas e hijas.

Los romanos mientras estaban teniendo lugar estos juegos raptaron a las hijas de los sabinos y se las llevaron para que fueran sus esposas. Ellas al principio estaban reacias, pero viendo que los chicos no eran malos (asi lo dicen los historiadores romanos) accedieron a quedarse con unas condiciones especiales sobre las labores que deberían realizar en la casa. 

Los Sabinos estaban muy enfadados y la acción provocó que no solo los sabinos sino otros pueblos declararan la guerra a los romanos por la afrenta recibida. Romulo luchó en primer lugar contra Agron, rey de los ceninetes, al que venció y traslado su población a la ciudad de Roma. Al tiempo y mientras lo sabinos continuaban preparándose para el combate atacaron los romanos otras ciudades consiguiendo la victoria sobre todas ellas y ampliando así el territorio.

Cuando los sabinos por fin atacaron contaban con la complicidad de una mujer romana que les dijo por donde deberían pasar, en pago por su traición fue asesinada por los propios sabinos. Cuando iban a enfrentarse a los romanos las mujeres sabinas se pusieron en medio para parar la batalla, ya que no querían perder a sus padres y hermanos en ellas y por otro lado tampoco querían perder a sus maridos romanos.

De esta manera la batalla no se celebró y Romulo y el rey de los Sabinos Tacio, firmaron la paz y comenzaron una diarquía, donde los dos eran reyes, hasta que Tacio murió y Romulo se quedó como único rey ampliando de nuevo su influencia y territorio.

Rapto de las Sabinas Nicolas Poussin. 1637

Video con las principales características del dadaismo

Dentro de la serie de vídeos que hemos dedicado a las vanguardias históricas, hoy nos toca explicar el dadaismo, uno de los movimientos artísticos con más influencia a lo largo del siglo XX y diríamos que con una excesiva significación en el arte contemporáneo, por lo que tiene el arte de desafío y provocación, elementos sin duda heredados de este estilo tan simple y a la vez de gran profundidad conceptual.

Desde el manifiesto de los dadaistas a algunas de sus representaciones podemos observar en este vídeo de apenas tres minutos que nos informa de las principales elementos que componen el estilo y los principales artistas que lo practican.

Si estas interesado en algún vídeo más de esta sería uno de los más populares es como explicar el impresionismo a los niños, que repasamos la semana pasada.

Esperamos que lo disfruten.

Principales características de la arquitectura mozarabe

Dentro de los creaciones prerrománicas encontramos en España tres movimientos que se suceden de forma cronológica y de los cuales conservamos algunas de sus manifestaciones arquitectónicas, de las cuales hemos hablado en este blog con las características de la arquitectura visigoda y exactamente igual para la arquitectura asturiana.

Santiago de Peñalba. Arcos Mozarabes enmarcados en alfiz

Quizás lo primero que debemos hacer es aclarar que es una persona mozárabe. Los mozárabes son católicos que viven en territorio musulmán. El caso contrario también existía, los musulmanes que viven en territorio católico son los mudéjares, los cuales también tienen su propio estilo y su forma particular de construir sus edificios.

Las iglesias mozárabes que se conservan se encuentran todas en territorio católico y podemos fecharlas todas ellas en la primera mitad del siglo X, entre el 913 que es cuando se construye la iglesia de San Miguel de Escalada y el 935 cuando deben iniciarse las obras de San Baudilio de Berlanga en Soria.

Casi todas estas iglesias vuelven los ojos al arte visigodo como una manera de afirmar su identidad, recordemos que el origen de los diferentes reinos españoles tiene su origen en la monarquía visigoda que se refugió en Asturias tras la entrada de los musulmanes en España en el año 711. Así pues hay algunos elementos que coinciden en los dos estilos, combinándose elementos hispanomusulmanes, paleocristianos, visigodos y asturianos.

Algunas de las características del arte mozárabe son las siguientes:

• Usan diferentes tipos de planta para sus edificios, aunque las más comunes son las plantas centrales y las basilicales.
• El arco que usan normalmente es el arco de herradura, pero bastante más cerrado en la parte inferior que el que usaban en el arte visigodo.
• Los arcos al igual que muchos edificios musulmanes tienen un marco que llamamos alfiz, se trata de una moldura que decora el arco como si estuviera enmarcado.
• Algunas de las bóvedas tienen forma gallonada y tienen nervios igual que las bóvedas cordobesas que encontramos en la Quibla o el Mihrab de la Mezquita de Córdoba.
• Para recoger el peso de las bóvedas utilizan el pilar compuesto y cuando usan las columnas estas suelen ser con capitel coríntio con un collarino con decoración de soga.
• En vez de cornisas los edificios tienen modillones de lóbulos, se trata de la parte de la cornisa que sirve como adorno simulando que la sostiene, son de piedra, tienen forma alargada y sobresalen mucho del muro.
• La decoración huye de lo animado, siendo temas visigodos los que más se representan, por ejemplo esvásticas o roleos.

Modillones en la Iglesia de Santa María de Lebeña

El puntillismo para niños

El puntillismo es un estilo artístico que surge a finales del siglo XIX y que tiene gran influencia del impresionismo, tanto en la forma de pintar como en la temática que los principales autores de este movimiento van a utilizar.

Paul Signac

La técnica del puntillismo consiste en realizar un dibujo o pintura con puntos de diferentes colores, que serán los que componen la figura, objeto o paisaje que el autor ha decidido representar. El primer cuadro puntillista que conservamos fue realizado en el año 1880 por el pintor francés Georges Seurat.

Así como el impresionismo utilizaba la pincelada para componer sus cuadros, el puntillismo utiliza solo puntos de colores, los cuales mirados a cierta distancia hacen que la retina del ojo componga la figura deseada por el autor. Pensemos que en eso coinciden ambos movimientos, si miramos un cuadro de estos estilo muy cerca lo único que podremos apreciar serán manchas o puntos de colores, mientras que si nos vamos alejando del lienzo las formas irán ganando peso para componer aquello que el artista ha querido representar.

El movimiento puntillista se encuentra muy cercano al impresionismo y al postimpresionismo sobre todo en la realización de cierto tipo de temas que obsesionaban a estos artistas, entre ellos el más importante será el paisaje y sobre todo la representación de la naturaleza, con la influencia que la luz tiene sobre ella a diferentes horas del día. Recordemos que se trata también de una liberación del artista, quizás la verdadera revolución del impresionismo, ya que el autor no se siente atado a un encargo concreto y va a dar rienda suelta a su imaginación pictórica. Es decir el artista pinta lo que quiere desde mediados del siglo XIX no lo que le mandan, si vende sus obras obtendrá éxito y si no las vende, como Van Gogh por ejemplo, será muy poco conocido en vida.

En el puntillismo tanto el dibujo como la óptica juegan un papel esencial, el uso del color para componer la figura en la retina del espectador requiere un estudio precio realizado por el artista, para saber concretamente que color se debe utilizar en cada parte de esa figura. La separación de colores producida en el cuadro vuelve a unirse de nuevo en la retina del espectador.

El puntillismo es uno de los estilos que mas puede servir para que los niños practique arte, para enseñar la técnica del puntillismo a los niños tendríamos que enseñarle lo que son colores primarios y secundarios, por ejemplo rojo y naranja (como se forma este) y como interactuan si los colocamos juntos, por ejemplo puntos en color rojo y amarillo juntos, engañan al ojo formando naranja. También es bueno que vean como son los dibujos puntillistas de cerca y como son de lejos, para que aprecien las diferencias de composición, sobre todo que vean que no existen líneas sino que se han realizado solo con puntos. Es la hora de dibujar, solo con colores primarios como rojo, amarillo, azul y con ellos enseñar o descubrir como conseguir los colores secundarios como el amarillo comentado o el verde colocando juntos el azul y el amarillo o el morado juntando rojo y azul.

Algunos de los autores mas conocidos del movimiento puntillista aparte del citado Georges Seurat son Paul Signac que será quizás el más conocido junto al fundador del movimiento, Camille Pisarro, al cual se considera uno de los padres del impresionismo pero que como vemos también practicó el puntillismo o Vicent Van Gogh que también utilizó la técnica para alguno de sus cuadros, por ejemplo en un autorretrato realizado en el año 1887. Y es que la linea que a veces separa el impresionismo, postimpresionismo, puntillismo y divisionismo es bastante delgada.

Georges Seurat. Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. 1884

Video con las principales características del impresionismo

El impresionismo es un movimiento revolucionario, los pintores se libran de los encargos realizados por mecenas e instituciones y son capaces de salir a las calles y los campos para realizar la pintura que realmente quieren hacer. La mayoría de ellos se decidieron por el paisaje, bien urbano o campestre, ya que estaban obsesionados por el paso del tiempo y la influencia de la luz sobre ese paisaje. De hecho conservamos obras de algunos artistas con el mismo monumento realizado a diferentes horas del día, con el fin de comprobar el campo lumínico sobre cada una de las vistas representadas.

Todo ello tratamos de resumirlo en este vídeo parte de una serie que dedicamos a las vanguardias históricas y del que ya hemos publicado las principales características del futurismo. Quizás podemos decir que el impresionismo fue la primera de las vanguardias y la que abrió camino al resto de las que tendrán su gran desarrollo en los primeros años del siglo XX

Luperca la loba capitolina amamanta a Romulo y Remo

Esta famosa escultura representa uno de los mitos sobre la fundación de la ciudad de Roma, donde el animal jugó un papel muy importante, siendo el lobo un animal de culto para las civilizaciones pastoriles y con representaciones habituales tanto en la mitología griega como etrusca.

La imagen de la loba, realizada en bronce, en principio estaría sola y siempre se dijo que era una obra de época etrusca, aunque según las últimas investigaciones la imagen habría sido realizada en la Edad Media, cosa que ha sido demostrada. Las dos figuras que intentan mamar del cuerpo de la loba representan a Romulo y Remo y fueron añadidas en 1471 y realizadas por el escultor Antonio Pollaiuolo.

La imagen alude al origen divino del fundador de la ciudad de Roma, Romulo, que había sido engendrado por el dios Marte.

Eneas, al salir huyendo de la ciudad de Troya, en su huida cargó con su padre Anquises y con su hijo Ascanio, debemos situarnos en el siglo XII antes de cristo. Asacanio sería el encargado de fundar la ciudad de Alba Longa tres décadas después y allí fue el primer rey. Cuatro siglos después el rey de la ciudad sería Numitor. Este rey fue depuesto por su hermano Amulio que mató a todos los hijos varones del rey y a su sobrina, única hija de nombre Rea Silvia, la convirtió en Virgen Vestal, cuya principal condición es que debía guardar castidad y así no tendría descendencia. Pero el dios Marte se enamoró de ella, la sedujo y quedó embarazada dando a luz dos niños gemelos a los que puso por nombre Romulo y Remo.

Peter Paul Rubens. Romulo y Remo

Amulio ordenó el asesinato de los niños, pero el hombre encargado de hacerlo no pudo y los puso en una cesta en el río Tiber ( es curiosa la analogía de la Biblia en relación a la historia de Moises cuando el Faraón ordena arrojar al agua a todos los niños hebreos y Moises es depositado en una cesta de mimbre en el río Nilo para que la hija del Faraón lo encuentre, de ahí su nombre "salvado de las aguas")

Los niños avanzaron por el Tiber y según cuenta la leyenda fueron cuidados y alimentados por una loba y un pájaro carpintero. Poco después fueron encontrados por un porquero del rey Amulio que se llamaba Faustolo, que decidió criar en secreto a los niños junto a su esposa.

Solo cuando se hicieron mayores conocieron su origen y entonces mataron a Amulio y liberaron a su abuelo Numitor que fue repuesto en el trono de Alba Longa.

Habrá otras historias relativas a los hermanos, como la fundación de la ciudad de Roma, la temprana muerte de Remo, el rapto de las Sabinas, las primeras guerras y conquistas romanas y finalmente el posible asesinato de Romulo debido a su carácter despótico durante los últimos años de su reinado.

Las portadas románicas de San Isidoro de León

Dos son las portadas que se conservan en esta iglesia que alberga los restos de uno de los santos con mayor importancia en la Alta Edad Media dentro del occidente cristiano, nos referimos a San Isidoro de Sevilla, puente y transmisor del saber clásico a todo el Occidente Europeo desde el siglo VI después de Cristo. Tras la conquista musulmana de la ciudad de Sevilla, los cristianos llegaron a un acuerdo y recuperaron el cuerpo del Santo que fue depositado en esta iglesia románica de la ciudad de León.

La iglesia de San Isidoro tiene diferentes partes para analizar, tanto en arquitectura, en escultura que es lo que hoy vamos a estudiar y en pintura, con una cripta que guarda restos de los reyes de León cuyas bóvedas se encuentran decoradas con diferentes temas alusivos al evangelio.

La primera portada que vamos a comentar es la Portada del Cordero, muchos de los temas que se representan en estas portadas tratan de ser catequéticos, es decir formar con imágenes a la gente que en el siglo XII acude a la iglesia, así que aluden a temas bíblicos, a veces centrados en la Pasión o bien aludiendo a diferentes pecados donde quizás los más representados sean la lujuria o la avaricia.

La Portada del Cordero representa un tema del Antiguo Testamento, se trata del sacrificio de Isaac. Dios pidió a Abraham que sacrificara a su único hijo Isaac que había tenido en su vejez. Abraham no dudo y se llevó a su hijo a un monte para realizar la ofrenda, pero cuando estaba levantando el cuchillo una mano le impidió continuar y se oyó una voz en el cielo que le indicaba que parara, que era suficiente, que Dios estaba satisfecho con su fe y que en vez de sacrificar a su hijo podía sacrificar un cordero que en ese momento apareció entre unas zarzas. Existe una analogía entre el Sacrificio de Isaac y la muerte de Jesucristo, ya que en este caso Dios entrega en sacrificio a su único hijo con el fin de que todos los hombres se puedan salvar. Las puertas del cielo que estaban cerradas se abren tras la muerte de Jesús a todos lo hombres. Vemos en la imagen todos estos elementos, cuchillo, la gran mano, el cordero ofrecido por un angel, incluso en los extremos hay representaciones del Rey David acompañado por diferentes músicos, era muy conocido la afición del rey David a la música. En la parte superior dos ángeles sujetan la figura del cordero con una cruz que representa la figura de Jesucristo como sacrificio a Dios.

Por otro lado existe otra pequeña portada que conocemos con el nombre de la Portada del Perdón, en ella podemos observar una característica de la escultura románica y es que les figuras se adaptan como pueden al marco que tienen, sin salirse de él, bien adoptando la posición o cambiando de tamaño.

Tres son las escenas que podemos ver en la Portada del Perdón. En la parte central se representa el Descendimiento de Jesucristo de la Cruz, están descolgando al Cristo para darle sepultura, reconocemos la figura de Juan y de su madre María. En la parte derecha tenemos la llegada de las tres Marías ante el sepulcro y el momento en que se encuentran un  ángel que les dice que Jesucristo ha resucitado y como vemos les muestra un  sepulcro vacío. Es curioso como las alas del ángel tratan de adaptarse al merco semicircular cosa que también observamos en los distintos tamaños de las mujeres que acompañan la escena. Por último en la izquierda resuelto de forma muy tosca tenemos una representación de la Ascensión de Jesucristo a los cielos, donde como vemos dos figuras de apóstoles tratan de sujetar a otra más elevada que representa a Jesucristo que parecen estar subiendo o ascendiendo tras su Resurrección.

Video con las principales características del futurismo

Las vanguardias históricas son sin lugar a duda uno de los momentos más interesantes de la historia del arte, recordemos que será a lo largo del siglo XX cuando se desarrollan la mayoría de ellas.

Desde el blog hemos dedicado algunos vídeos a hablar sobre algunas de las vanguardias más conocidas, como por ejemplo el cubismo, el expresionismo o las principales características del surrealismo.

En las próximas semanas vamos a completar esta serie con el resto de vanguardias históricas de las primeras décadas del siglo XX, hoy le toca el turno al futurismo, uno de los movimientos más interesantes, en primer lugar por su carácter revolucionario y después por su planteamiento basado en la velocidad y la rapidez de ejecución de la máquina frente al componente humano, algo bastante complicado de expresar en pintura, pero que diferentes artistas intentarán plasmar en sus cuadros es tipo de sensaciones.

Vamos pues con el vídeo que incluye como y donde surge el movimiento futurista, quienes son sus principales representantes y cuales son sus principales características

Andy Warhol para niños

Warhol es una de las figuras plásticas más importantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX dentro del ámbito artístico que se desarrolla desde los años 60 en adelante. Se le considera el padre del arte pop, es conocido por ello, aunque desarrolló otras facetas fuera del ámbito de la pintura que tienen que ver con el diseño, la ilustración, la música, el cine o el teatro experimental.

Si tenemos que hacer una pequeña biografía de Andy Warhol, diremos que nació en Pittsburgh (USA) en 1928, tuvo varios problemas médicos cuando era niño y eso le convirtió en algo hipocondriaco y tenía cierto temor a los médicos y a los hospitales. Comenzó su carrera como ilustrador en los años 50 aunque realizó su primera exposición en el año 1962, donde con sus latas de sopa Campbells consiguió el éxito y también bastantes críticas de personas que no querían aceptar su estilo. Esas críticas le sirvieron para consolidar su fama a lo largo de los años.

Preocupado por la cultura fundó un estudio conocido como The Factory donde se dieron cita, artistas, escritores, modelos, músicos y algunas de las personas famosas del momento. Sirvió como centro de creación y de reflexión acerca del papel del arte en el mundo contemporáneo.

Sus obras más conocidas se desarrollan en esa década y en la de los años 70, el estilo de las obras de Warhol combina figuras que representan iconos de la sociedad estadounidense de la época como Marilyn Monroe o Elisabeth Taylor (algunas de ellas con las típicas salpicaduras propias del expresionismo abstracto) con elementos típicos de la cultura americana como las latas de sopa o la botella de Coca Cola que para Warhol tenían una fuerza como iconos de la cultura americana, tan grande como las celebrities que acabamos de citar. Algo de influencia dadaísta podemos reconocer en este planteamiento.
Cuando estaba en The Factory colaboró con una banda musical The Velvet Underground, liderada por Lou Reed, que comenzaba su carrera allá por el año 1965. El propio Warhol diseñó la portada del disco que incluye un plátano con manchas negras del cual se conservan varias versiones. También impuso al grupo la presencia de la cantante Nico que colaboró con ellos en el disco y que fue motivo de discusión y ruptura de relaciones entre la banda y el artista. Este disco “The Velvet Underground+Nico” está considerado por la crítica como el mejor disco de rock de todos los tiempos. La portada del disco es sus diferentes versiones (plátano sin pelar, pelado, con diferentes colores) es una de las más cotizados por los coleccionistas de vinilos en la actualidad.

Andy Warhol falleció prematuramente en el año 1987, cuando se recuperaba de una operación de vesícula, sufrió una arritmia cardiaca mientras estaba dormido y ya no despertó.

Es muy famosa una frase que podemos aplicar perfectamente a la sociedad contemporánea. Warhol dijo que todo el mundo merece y tendrá sus 15 minutos de fama. Se trata de una crítica a la sociedad de consumo y al desarrollo de los medios de comunicación de masas. Pero podemos comprobar que es cierto, incluso la fama se ha reducido a menos tiempo en algunos casos, pero las noticias absurdas y los reality shows convierten en famosos (digamos mejor conocidos para no degastar la palabra) a personas que ni siquiera lo merecen por su bajo nivel cultural e intelectual.

Si os resulta más fácil podéis verlo en vídeo con numerosas obras y anécdotas sobre la vida de Andy Warhol

 

Vicent Van Gogh para niños

El pintor holandés es uno de los máximos representantes del postimpresionismo, movimiento por el cual se le identifica, aunque practicó otros estilos, como el impresionismo. También servirá de influencia a otros artistas tanto fauvistas por su decidido uso del color o expresionistas por su forma de concebir la pintura y la violencia con las que están resueltos algunos de sus trabajos.

Pero si tratamos de realizar primero una biografía de Van Gogh para niños tendremos que decir que aunque es conocido por su faceta como pintor, no fue esto lo único a lo que se dedicó durante su vida, ya que comenzó como dibujante y su primer trabajo fue en una galería de arte. Si inclinación religiosa le llevó a convertirse en misionero y fue enviado a una zona donde había bastantes minas en la zona norte de Bélgica, allí ejerció su trabajo de forma enérgica y decidida, siendo extremadamente estricto en el desarrollo de su labor pastoral. Fue en este destino donde empezó a realizar dibujos de la gente que vivía en la zona y sobre todo de las condiciones miserables en las que desarrollaban su trabajo o su vida social. Aunque empezó tarde a pintar, ya que su primera obra conocida es del año 1885, tuvo una gran producción artística, sobre todo en los últimos años de su vida, pensemos que en los últimos 70 días realizó 72 cuadros, prácticamente un lienzo cada día, algo que no está al alcance de todos los artistas.

En su pintura vemos como el artista sufre una evolución, desde sus primeros cuadros que tendrán unos colores oscuros y terrosos al descubrimiento de la luz y el uso del color tan típico de este artista como consecuencia de su traslado al sur de Francia y el contacto con los días despejados y soleados de la zona mediterránea.

Van Gogh es un artista que no tuvo éxito durante su vida, ni tampoco fue un pintor reconocido, será después de su muerte cuando se empiece a recuperar su figura y se hable de su influencia en artistas de la vanguardias históricas. Es decir si nuestro artista no tenía dinero, ¿quien le financiaba? Pues su hermano Theo fue el encargado de mes a mes pasarle dinero para su supervivencia. Gracias a ello conservamos una amplísima correspondencia entre los dos hermanos, con multitud de cartas que Vicent envió a su hermano contándoles tanto sus progresos con la pintura, como los problemas que le iban surgiendo en el día a día.

Dicen que las facultades mentales de Van Gogh no estaban muy bien, uno de los episodios más conocidos es cuando en Arles se cortó su oreja izquierda, que parece que no fue tanto sino solamente parte del lóbulo, pero este episodio sirvió para romper su relación con Gaugin, con el que conviví en esa ciudad.
También parece que su fallecimiento tiene que ver con su depresivo estado de ánimo ya que dicen que se pegó un tiro en el pecho cuando estaba en el campo y lo ocultó volviendo a la casa en vez de ir al médico y falleciendo dos días más tarde. Hay investigaciones que apuntan a que ese tiro no fuera un suicidio sino realizado accidentalmente por unos jóvenes en el campo de los que Van Gogh quería guardar su identidad y por eso no acudió a ningún lugar para curarselo, falleciendo como consecuencia del mismo a la temprana edad de 37 años.

En cuanto al estilo de Van Gogh hemos dicho que es el mayor representante del postimpresionismo, un estilo que tiene lugar tras el impresionismo y que abarca los años 1885-1915, frente a la percepción de la luz y el color, el nuevo movimiento está también preocupado por la vida cotidiana, sin abandonar la referencias anteriores en cuanto al paisaje y la incidencia de la luz en el mismo.

Van Gogh se acercó a la naturaleza en muchas de sus obras pero también es capaz de pintar y mostrarnos los secretos de su habitación o naturalezas muertas, todo ello con una pincelada gruesa, a veces violenta, llegando a extender la pintura con la yema de los dedos, para así mostrarnos sus emociones internas, donde el color juega uno de los papeles más importantes.

Los comedores de patatas. 1885

Lo tenemos en vídeo por si te apetece verlo: