El pintor Francis Bacon para niños

Francis Bacon es una de las personalidades mas interesantes que ha dado la pintura del siglo XX, siendo sus cuadros algunos de los mas conocidos de años pasados, llegando incluso a situarse en los puestos más importantes en las subastas celebradas durante los últimos años, uniendo su nombre a los de Picasso, Giacometti, Cezanne y otras grandes figuras que ocupan el top en este tipo de eventos.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Francis Bacon diremos que el pintor era de origen irlandés nació en Dublin en 1909 aunque su familia se trasladó en numerosas ocasiones y desde la primera guerra mundial estuvo en Londres. El mismo se consideraba como un pintor inglés. Su condición sexual le llevará a tener una vida tormentosa. Bacon era homosexual y tuvo numerosos amantes y una vida excesivamente promiscua, dos de sus amantes llegaron a suicidarse y le causaron numerosos problemas.

Su vocación por la pintura llegó tas conocer un cuadro de Nicolas Poussin que representaba la matanza de los inocentes donde el grito de la madre le obsesionaba de forma especial, estamos en el año 1927-1928 y tras visitar una exposición de formas antropomorfas realizada por Pablo Picasso decidió hacerse pintor.

Sus pinturas nos hablan de la vida y la muerte, de como es posible estar vivo pero al mismo tiempo ser un muerto andante o pasar por la vida percibido como un muerto o un ser completamente monstruoso. El monstruo es un elemento recurrente en la obra de Bacon, todo aquello que nos resulta siniestro y diferente, expresado a través de un rostro deformado o de la imposibilidad de contemplación de un ser porque la cara se encuentra borrada o semiborrada. Lo siniestro es algo que nos da miedo, nos transmite inquietud porque es diferente, no es normal, es una situación que escapa a nuestro control, pero al mismo tiempo el morbo nos anima a descubrir cosas nuevas a buscar en la diferencia la virtud. En ello reside el interés por las obras de este artista, el misterio de aquello que parece tan siniestro nos produce rechazo y atracción al mismo tiempo.

En ello reside la originalidad de su pintura, una obra realista y figurativa, realizada en un momento en que el expresionismo abstracto o bien el informalismo tienen una fuerte pegada en Europa y Estados Unidos, pero que a Bacon no le sirven para expresar aquello que quiere transmitir con sus cuadros.

Visitó muchas veces España (debido en parte a su relación con un español llamado José Capelo, fue en esta ciudad donde falleció en el año 1992) y cada vez que lo hacía veía el Museo del Prado. Velázquez era uno de sus pintores favoritos y estamos seguros que admiraría la obra de Goya y sobre todo sus pinturas negras, donde la deformación forma parte de la representación de los personajes en estas pinturas. Bacon siempre estuvo interesado en situaciones extremas, obsesionado por la representación del grito y la figura humana gritando, buscaba de forma obsesiva este tipo de modelos, bien en cuadros, retratos o en el cine. La angustia es parte esencial en la obra de este artista.

Podríamos calificar su obra como expresionista, debido a las deformaciones, aunque el artista también tuvo influencia del surrealismo. Para los expertos la obra encaja dentro de la nueva figuración, que se centra en la figura humana después de la segunda guerra mundial, distorsionando la representación de la misma.

Francis Bacon realizó de forma obsesiva diferentes obras del retrato de Inocencio X de Velázquez

Si quieres ver este post en vídeo con más imágenes de Francis Bacon aquí lo tienes:

El mito de la caja de Pandora

Los mitos al igual que la religión tratan de dar una explicación al origen del hombre y a las cosas que le han sucedido a lo largo de los años en la tierra. Algunos son parecidos en distintas culturas y otros en cambio resultan de los más original, pero para muchos existen coincidencias que nos llevan a concluir que había formas de pensar similares en distintas culturas, alejadas en ese momento.

Pandora es considerada la primera mujer, fue creada por Efesto por orden de Zeus. El origen de Pandora está conectado con el engaño en el que Prometeo hizo caer a Zeus cuando tenía que repartir un buey entre dioses y humanos y Prometeo envolvió la peor parte con la grasa del animal para que este con el brillo pensara que era la mejor y mas apetitosa. Zeus enfadado le quitó el fuego a los hombres pero Prometeo se lo robó para devolverselo y que se pudieran calentar y también cocinar.

Como venganza Zeus encargó a Efesto la creación de una mujer de belleza incomparable con la cual llegarían las desgracias, tanto para Prometeo como para los humanos. La mujer fue realizada con tierra y agua y una vez hecha los cuatro vientos fueron los que le dieron vida. Cada uno le los dioses le aportó una característica especial, entre ellos Hera que le dió la curiosidad, muy importante para la historia que vamos a contar a partir de ahora. Afrodita le dio la belleza, Hermes la astucia, Atnenea la vistió y le enseñó a ser hábil con las manos, Apolo le enseñó a cantar, Zeus le aportó cosas malas, la insensatez, vagancia y picaresca.

Zeus presentó a Pandora a Epimeteo (hermano de Prometeo) con el cual se casó, como regalo de bodas recibió una caja de Zeus que no debía abrir bajo ninguna circunstancia, pero la curiosidad pudo con ella y abrió la caja (que en algunos casos aparece citada como un ánfora). Al abrirla escaparon todos los males que hay sobre la tierra, cuando Pandora se dió cuenta de su error cerró rápidamente pero ya habían escapado todos los males, quedando solo dentro la esperanza llamada Elphis.

Resulta curioso la analogía con el Antiguo Testamento donde también es una mujer, la primera creada Eva, la portadora de los males del mundo, cuando tentada por la curiosidad se atrevió a comer del arbol prohibido para luego invitar a su marido Adán a hacerlo también. Ello provocó la expulsión del paraíso y la perdida de todos los privilegios que ello acarreaba.

Abrir la caja de Pandora es una expresión que usamos cuando el resultado de una situación puede ser de lo más incierto y con unas consecuencias imprevisibles.

Prometeo le roba el fuego a Zeus para dárselo a los humanos

La Gioconda o Mona Lisa para niños

Nos encontramos ante la obra más famosa de toda la historia del arte. No tenemos más que pensar en su ubicación en el Museo del Louvre de París y en la dificultad para acercarse a una obra pequeña a la que todo el mundo quiere tomar fotos o selfies, no se sabe si porque conocen la obra o porque quieren indicar a sus amigos que han estado allí. El caso es que si queremos contemplar la obra original tendremos que ir a Francia, ya que allí se encuentra desde que el rey Francisco I la adquirió en una fecha cercana al fallecimiento del artista en 1519.

En cuanto al autor, hablamos de palabras mayores, Leonardo da Vinci es uno de los grandes, de familia humilde fue uno de los pintores y científicos más destacados de su época, para hacernos una idea de la clase que tenía como pintor diremos que fue alumno de Andrea Verrochio en la ciudad de Florencia  y coincidió en el mismo taller con Sandro Boticelli y Perugino, casi nada para la época, allí se estaban dando cita los más grandes artistas del cuatrochento italiano. Vivió entre 1452 y 1519.

En cuanto al retrato de la Mona (Señora) Lisa, hay bastantes enigmas en torno al cuadro, en primer lugar porque no sabemos quien puede ser la persona representada, hay quien habla de la esposa de un noble y otras personas se inclinan porque sería una vecina de Leonardo. Lo cierto es que Leonardo pintó el retrato y estuvo retocándolo durante varios años.

Aquí podemos observar una de las técnicas que usaba nuestro artista, se trata del sfumato, una técnica que consiste en aumentar varias capas de pintura en algunas zonas para que de esta manera sean más difíciles de componer en la mente utilizándolo para crear efectos de antigüedad y lejanía, sobre todo para dar impresión de profundidad, es como un humo o niebla que observamos detrás de la línea de enfoque del cuadro en las líneas del paisaje.

En cuanto a la obra no se sabe que es más conocido, si la mujer con su enigmática sonrisa o tal vez amargura en la cara o el paisaje que se representa al fondo y que tampoco se sabe exactamente de donde es, aunque algunos quieren atribuirlo a la ciudad de Bobbio en Italia.

La obra ha sufrido varias restauraciones a lo largo de la historia, una de ellas nos ha llevado a que haya perdido las cejas y los pelos de los parpados que si estarían incluidos en la obra original, quizás podamos hacernos una idea de los mismos con una de las obras más fieles que conservamos realizada en la misma época, se trata de la copia que se conserva en el Museo del Prado de Madrid, una obra que gana bastante en colorido y brillantez respecto a la original y que pudo ser realizada por alguno de los discípulos de Leonardo.

Muchas son las parodias que se han hecho sobre el cuadro, aquí incluimos alguna fotografía imitando al guitarrista Slash de Guns and Roses pero se pueden encontrar miles.

El Nacimiento de Venus de Sandro Boticelli

Con esta obra nos encontramos ante una de las pinturas más famosas de toda la historia del arte. La obra representa el ideal de belleza, una palabra que se encuentra muy unida a todo aquello que consideramos arte con anterioridad al siglo XX, donde las reglas cambiaran por completo con las vanguardias históricas.

La obra fue pintada por Sandro Boticelli en el año 1484 y se conserva actualmente en la Galería de los Uffizi en Florencia. Boticelli está considerado como uno de los grandes artistas del cuatrochento italiano, una verdadera explosión artística que se produce en Italia durante la segunda mitad del siglo XV en la que la ciudad de Florencia y los artistas florentinos tendrán mucho que ver.

La historia es un tanto extraña, pero para ella hay que remontarse a la mitología romana, en concreto al libro La Metamorfosis obra del autor clásico Ovidio. Recordemos que el renacimiento se trata en parte en rememorar los grandes momentos de la antigüedad clásica.

Venus, la diosa del amor, a la cual en representaciones iconográficas se le atribuye un papel negativo en la historia del arte, como fuente de pecado, habría nacido de los testículos del dios Urano que fueron cortados por su hijo Saturno y después arrojados al mar. Así que lo que podemos ver aquí no es el momento exacto del nacimiento de la diosa, que ya se ha producido, sino su llegada sobre una concha a una playa que podemos situar en la costa de la isla de Chipre, empujada como podemos ver por el soplo de algunos dioses que la acercan a la orilla, de ese soplo parecen surgen algunas flores que se dirigen hacia el cuerpo de la diosa. En ese lugar le está esperando una representación de la primavera que se dispone a cubrir su desnudez con un mando de color rojo pálido con decoraciones de flores. La ninfa que representa la primavera, lleva también un traje de color blanco decorado con flores.

Hay quien quiere ver en esta alegoría una representación de la pureza de la Virgen y a la representación de la inteligencia y el saber supremo frente a una visión del desnudo puramente sexual.

Las mujeres de Argel de Picasso subasta record (por ahora)

El mundo de las subastas es algo atípico respecto al ámbito artístico. El frenesí comprador se ve superado en muchas ocasiones por el nombre del artista mas que por la calidad de los cuadros que se subastan, girando casi siempre los mismos nombres en una carrera sin fin, que sucede nombres de artistas principalmente de finales del siglo XIX y principios del siglo XX que se sustituyen unos a otros para conseguir un trono completamente efímero, ya que solo será ocupado durante unos pocos meses.

Las mujeres de Argel es una obra pintada por Pablo Picasso en el año 1955, estamos en un momento en el que se ha superado la segunda guerra mundial y Picasso recupera la alegría en muchos de sus cuadros, tras las experiencias trágicas de obras realizadas durante la Guerra Civil Española como el archiconocido Gernica que se pintó en el año 1937 para la exposición universal que tenía lugar en París en esa fecha.

Una de las cosas buenas acerca de Picasso en ese momento es el uso que hace del color y como es posible (puesto que parece muy complicado) que consiga cuadros muy expresionistas pese a contar con colores que no suelen usarse en ese estilo, nos referimos al Guernica, cuyo color general se encuentra en las diferentes tonalidades del gris y el azul o por ejemplo en Mujer Llorando, una obra que Picasso pinta en 1937 y que tiene bastantes conexiones (en lo que al colorido se refiere) con esta obra que se acaba de subastar, aunque este pintada unos años después.

Mujer Llorando. Pablo Picasso 1937

Lo que si está claro es que durante toda su vida (mejor dicho desde el año 1907) Picasso es un pintor cubista. Es decir hay una serie de características comunes a sus cuadros que se repiten de forma constante con pequeñas variaciones. Podríamos decir que son tres principalmente las características del cubismo: la primera es la eliminación de la tercera dimensión (solamente tendremos alto y ancho pero no profundo porque como vemos en la obra Picasso se encarga de eliminar esa dimensión), la segunda es la utilización de formas simples ( no existen formas complejas en el cuadro, lineas rectas componen el dibujo de las figuras u objetos, líneas que después se rellenan de diferentes colores como apreciamos en el cuadro) y en tercer lugar descomposición de las figuras para obtener diferentes puntos de vista (esta es una novedad frente al nacimiento y difusión de la fotografía que ofrecía solo un punto de vista. Picasso jugará con la posición y con la luz para ofrecer una imagen diferente de aquello que tenemos delannte, para ofrecer algo que la fotografía no podía ofrecer). 

Estas son las características principales del cubismo que perfectamente podemos observar en la obra subastada hace unos días. También es interesante compararlo con a obra que incluimos del año 1937, porque el colorido es muy parecido, aunque es cierto que la temática y el momento que vive Picasso en cada una de las obras es completamente distinto.

Bacon, Giacometti, Gaugin, Van Gogh, Picasso, son algunos de los nombres que nos encontramos en las últimas subastas, no pensamos que puedan variar demasiado en los próximos años, lo que si podemos decir es que se irán sustituyendo unos a otros y Picasso ocupará el trono por poco tiempo.

La muerte de la Virgen de Caravaggio

Michelangelo Mesiri es uno de los grandes maestros de la pintura barroca y uno de los introductores del claroscuro en la pintura barroca europea de comienzos del siglo XVII. Sus pinturas sirvieron como modelo a otos muchos artistas que trabajan en la época y que consideraban a Caravaggio como un maestro aventajado en el arte de la pintura.

La muerte de la Virgen es un tema bastante polémico, entre otras razones porque en ese momento la iglesia no tenía definido claramente la manera en que la Virgen muere, existe un tema iconográfico que se llama la dormición de la Virgen  que nos indica que la Virgen , libre de pecado moriría sin dolor, simplemente quedándose dormida y que instantes después Dios la volvería a la vida para llevarla al cielo en cuerpo y alama. Aunque también podemos encontrar escritos que nos indican que la virgen no murió sino que simplemente ascendió a los cielos. Esa indefinición plantea problemas a los pintores a la hora de representar este tema.

He hecho la obra de Caravaggio no fue aceptada, entre otras cosas porque era evidente que la persona representada había fallecido y ese, como hemos visto, era un tema no resuelto por la Iglesia Católica en ese momento.

Quizás una segunda razón para no aceptarlo fue que para representar a la Virgen Caravaggio habría usado la imagen de una joven prostituta que se había ahogado en el río Tiber, lo cual planteaba ciertos problemas éticos, acrecentados por la representación de los pies hinchados y el vientre hinchado, como consecuencia del ahogo. Todo ello unido a la evidencia de la muerte.

El uso del claroscuro es fantástico y sobre todo la representación de los personajes, porque, como vemos, Caravaggio se aleja por completo de la representación de figuras idealizadas, para tomar modelos de la calle, compañeros, amigos de taberna, prostitutas que son los personajes que le sirven para componer la obra, alejándose del idealismo generalizado de la pintura italiana para explorar una vena realista que se encontraba alejada del gusto de los mecenas que vivían en las ciudades de aquel país.

Pero esa vena realista será de gran influencia y será recogida por otros pintores como por ejemplo Velázquez o Rubens, gracias al cual conservamos esta obra, ya que al ser rechazada fue comprada por el Duque de Mantua por no poder ser expuesta en la Capilla de Santa María de Scala, su destino original.

María Magdalena se encuentra desolada en primer plano, mientras los apóstoles contemplan atónitos las escena, no con rostros de dolor, sino más bien de pesadumbre.

Historias del Nuevo Testamento. La cena de Emaus para niños

Para situar el episodio que vamos a narrar debemos situarnos después de la Resurrección de Jesucristo, cuando este va a realizar una serie de apariciones a diferentes personas durante 40 días antes de que se produzca su ascensión a los cielos.

Hay un dato que nos parece interesante y que Jesucristo repite en alguna ocasión y es que su presencia después de la Resurrección no es la misma que cuando contaba con su cuerpo mortal, por eso en alguna ocasión no es tan fácil que le reconozcan como ocurría en el pasado. Esa es una de las razones por las que lo discipulos de Emaus no lo reconocen cuando se encuentran y están hablando con él.

La historia nos dice que Jesús comenzó a caminar con dos de sus seguidores camino de la ciudad de Emaus a los tres días de que se produjera su muerte y ellos comenzaron a hablarle de los hechos que habían sucedido en Jerusalem, de su condena, muerte y de como unas mujeres y algunos apóstoles habían encontrado el sepulcro vacío esa misma mañana. Pero ellos no sabían que creer. Jesús mientras tanto les explicaba las escrituras y como estaba escrito acerca de su resurrección. Cuando llegaron a Emaus y Jesús hacía ademán de continuar, los discípulos le invitaron a quedarse porque se hacía tarde. Cenando juntos, en el momento en que Jesús bendijo el pan y lo partió para dárselo le reconocieron y en ese momento la figura de Cristo desapareció de su vista, quedándose ellos extrañados y recordando como les palpitaba el corazón cada vez que El les hablaba.

El momento elegido por muchos artistas para representar es el crucial instante de la cena en el que Jesucisto parte el pan y los discípulos le reconocen, con lo que como vemos en alguna de las pinturas que acompañan esta entrada, hacen ademán de levantarse porque se han dado cuenta de quien está con ellos en ese momento.

Conservamos dos fantásticas pinturas de Caravaggio sobre el tema donde observamos su concepto del barroco, con la utilización del claroscuro y también de personajes populares, nada idealizados que nos muestran un magistral uso de la luz y el color de este maestro nacido cerca de Milán en el año 1572 y muerto prematuramente en 1610 como consecuencia de la malaria. Un autentico referente de la pintura universal que supo retratar como nadie este tema.

La siguiente obra, con la misma temática es obra del artista flamenco Mathias Stom y fue realizada en torno al año 1600. El momento elegido es el mismo, vemos como Jesucristo se encuentra partiendo el pan cuando a los discípulos se les abren los ojos. Fantástica obra también y un excelente uso del claroscuro.

Los toros de Guisando y otras representaciones tribales en la España prerromana

Antes de las llegada de los romanos a España, debemos distinguir entre dos zonas del país con diferentes niveles culturales y por supuesto representaciones artísticas. Por un lado encontramos la zona de Andalucía y todo el Mar Mediterráneo con un mayor grado de desarrollo en todos los niveles, cultural, comercial, organización social y expresiones artísticas como por ejemplo La Dama de Elche, la Dama de Baza o la Dama de Ibiza.

Por otro lado se encuentran las zonas del interior del país, mucho menos culturizadas que las anteriores, que no tienen un desarrollo de la escritura o la justicia tan grande como las anteriores, con una organización social en tribus dirigidas por un jefe al que su pueblo le debe lealtad y con representaciones artísticas mucho más toscas que las anteriores.

Un buen ejemplo de ello son las imágenes de los Toros de Guisando, que se encuentran en la provincia de Ávila. Guisando es un lugar conocido históricamente porque allí el rey Enrique IV de Castilla en el año 1468 nombró a su hermanastra Isabel como Princesa de Asturias y heredera del trono de Castilla renunciando a los derechos que tenía su hija Juana la Beltraneja sobre la que existían dudas acerca de su paternidad por su conocida impotencia.

Los Toros de Guisando son un grupo de esculturas halladas en este lugar de la provincia de Ávila que podemos fechar en el siglo II o siglo I antes de Cristo. Realizadas en granito, no sabemos muy bien lo que representas, algunas personas se inclinan porque sean toros mientras que hay otras que aluden a que pueden ser cerdos. La razón para pensar en toros es que muchas de ellas tienen dos espacios en la cabeza que podían acoger los cuernos del animal. Todas estas figuras deben asociarse con la ganadería, muy importante en ese momento en la zona norte de España y con la creencia de que estas representaciones podrían ser imágenes protectoras de los animales.

Quizás sean los Toros de Guisando los más conocidos pero encontramos figuras de este tipo repartidas por toda Castilla y León, otra de las más conocidas se encuentra en el Puente Romano de Salamanca, ya que forma parte de un episodio que le sucedió al Lazarillo de Tormes cuando sirviendo a un ciego, este le invita a colocar su cabeza sobre el lomo del Toro para escuchar cierto tipo de ruido y cuando Lázaro acerca la cabeza el ciego se la estampa contra la piedra, intentándole enseñar que debe ser más precavido y menos crédulo, sobre todo si la escultura que tiene delante es de piedra como esta.

Toro situado en el Puente Romano de Salamanca

La vida de Pablo Picasso obra de la etapa azul

Picasso al igual que otros artistas de su época sufre una fuerte evolución que le lleva desde los estilos tradicionales, en su caso el costumbrismo, hasta el descubrimiento de un nuevo estilo, el cubismo, que en poco tiempo le conducirá a la abstracción, aunque nunca abandonará la seña de identidad de su pintura que comienza en el año 1907 tras múltiples investigaciones.

En esa evolución hacia el cubismo nos encontramos con la etapa azul de Pablo Picasso, un momento artístico del autor que tiene lugar entre los años 1901-1903 y que nace como consecuencia de la muerte del poeta, amigo de Picasso, Carlos Casagemas, que se suicidó muy joven tras un desengaño amoroso, en el que dicen que Picasso estuvo implicado, ya que tuvo algo que ver en la ruptura de la pareja.

Esta obra refleja bastante bien e incluso de forma autobiográfica en algún caso, algunas de las características de la etapa azul de Picasso, nos referimos a aquella en la que el artista siente identificación con los seres más pobres e humildes de la sociedad. Mendigos, alcahuetas, desarrapados, en una palabra lo que el mismo pintor está sufriendo en un momento en el que sus obras no son suficientemente conocidas y se las ve y se las desea para poder vender su trabajo, afortunadamente para él las cosas cambiaran en poco tiempo.

Es por ello que el cuadro se desarrolla en el estudio de un artista, que puede ser el propio Picasso, porque vemos algunas obras en las que está trabajando al fondo. Se trata al parecer de una pareja, tan pobres que ni siquiera tienen dinero para comprar ropa con la que vestirse, esa el la razón por la que aparecen desnudos. La pareja tiene un niño pequeño, pero incapaces de poder mantenerlo de forma digna deciden entregarlo a una mujer que pueda hacerse cargo de él y por lo menos asegurarle la comida. El desgarrador momento de la entrega es lo que se representa en este cuadro, por eso las dos figuras que forman la pareja se encuentran con esos rostros consternados ante la decisión tan trágica que han tenido que tomar respecto a su hijo.

Ahí tendríamos la segunda característica de esta etapa azul, junto a la identificación por los humildes (que llevará al artista a la militancia en el Partido Comunista) a la tristeza que presentan los cuadros de esta época, los temas representados siempre nos conducen a este tipo de situación que enlaza, como deciamos con el fallecimiento de su amigo Casagemas.

Junto a ello la presencia del color azul dominando toda la escena del cuadro, un azul en diferentes tonalidades que inunda cada una de las partes que componen el cuadro y que conforma la tercera característica de este momento artístico en los inicios del trabajo del artista malagueño.