El pintor Eduardo Arroyo para niños

Eduardo Arroyo es uno de los pintores más importantes que ha dado el arte español en la segunda mitad del siglo XX y el siglo XXI. Frente a la moda imperante en España dominada principalmente por el informalismo que tiene su desarrollo en la década de los cincuenta y sesenta del siglo pasado, Arroyo, siempre remando en contra, se decanta por la pintura figurativa para expresar mejor sus ideas y críticas contra la sociedad española de la eṕoca.

Mientras esos pintores informalistas se les acusó en varias ocasiones de colaborar con el régimen de Franco e incluso aprovechar la estructura del régimen, que les permitía ciertas licencias, para su promoción interior y exterior, apoyándose mutuamente para conseguir esos objetivos de promoción, la figura de Eduardo Arroyo representa todo lo contrario. Debemos señalar que gran parte de su vida la pasó exiliado en Francia, donde huye de la presión franquista, contra el que estaba abiertamente en contra.

En una pequeña biografía de Eduardo Arroyo podríamos decir que nació en Madrid, estudió peridismo y practicó la caricatura antes de decantarse definitivamente por la pintura a partir del año 1957, cuando se traslada a París asfixiado por la presión del régimen franquista.

Fue muy crítico, pero no solo contra la dictadura de Franco sino con cualquier tipo de dictadura, por ejemplo dedicó una obra titulada Los Cuatro Dictadores dedicada a Hitler, Mussolini, Franco y el portugués Salazar, un trabajo del año 1963 que no gustó nada en España que realizó una protesta formal a Francia.

Podemos decir que la pintura de Eduardo Arroyo se encuentra mas cerca del pop art que de cualquier otro estilo, aunque también observamos en su trabajo una fuerte influencia del surrealismo. Se trata en ocasiones de figuras y objetos típicos, fáciles de asociar con España, nos referimos a botellas de vino fino, bailarinas de flamenco, personajes históricos, todos ellos representados desde una vertiente bastante crítica con la sociedad y el momento político que en ese momento se está viviendo en España. Los colores de sus obras serán bastante vivos y llamativos, muy cercanos a la misma idea de obras del arte pop norteamericano e inglés.

Resulta curioso que Eduardo Arroyo siempre ha defendido el papel del mercado del arte como el símbolo más importante para el reconocimiento del artista, frente a la presencia del Museo y la promoción museística en muchos casos patrocinada con dinero público. Es cierto que es la venta de obra la que sostiene al artista, pero el sistema del arte está integrado por diferentes agentes, dentro del cual el Museo cumple un papel esencial como sancionador de la obra de arte y promotor de la misma por su capacidad para llegar al gran público. Indudablemente como ya sabemos el Museo no se dedica a la venta de obras de arte, sino que se integra como un elemento más, tan importante como pueda ser la Galería, la subasta o la crítica de arte.

Arshile Gorky y el inicio del expresionismo abstracto en USA

Este artista de origen armenio es una de las figuras más importantes de la primera mitad del siglo XX en Estados Unidos y uno de los artistas más influyentes en el origen y el desarrollo del expresionismo abstracto en ese país, cuyo máximo representante será Jackson Pollock.

Si queremos trazar una pequeña biografía de Arshile Gorky lo primero que debemos decir es que ese no era su nombre original que ya en una fecha indeterminada entre 1902 y 1905 nació en Armenia como Voostanik Manoog Adoyan. Su padre emigró a Estados Unidos cuando Arshile Gorky tenía tan solo cinco años y su madre y hermanas tuvieron que pasar diferentes penurias cuando se produjo el genocidio armenio por la ocupación de Turquía durante la Primera Guerra Mundial, lo que les obligó a trasladarse a Rusia para más tarde llegar a Estados Unidos.

Estudió pintura en Nueva York, aunque podemos decir que su formación es esencialmente autodidacta, asistiendo a múltiples exposiciones y museos, acudiendo a revistas de arte o bien a libros de historia. Gracias a ello entró en contacto con la pintura de vanguardia que en ese momento estaba de moda en Europa y sobre todo la influencia de algunos artistas muy importantes para el desarrollo de la pintura del siglo XX, como por ejemplo Cezanne, Picasso o la vertiente surrealista de Joan Miró que será una de la que más podemos apreciar  en su forma de pintar y en su estilo más personal.

Así que constatamos en diferentes etapas en su pintura, desde unos inicios influenciados por el impresionismo, después de sintió atraído por el cubismo, mas que nada en su versión analítica. Pero será el surrealismo el estilo que más hondo cala en el artista y en sus obras. Ello le llevará a ponerse en contacto con integrantes del grupo surrealista, entre ellos llegará a conocer a Andre Breton que con su arrolladora personalidad atrajo su forma de pintar al grupo sin grandes problemas.

Otro pintor el chileno Roberto Matta le influirá bastante a la hora de decantarse por la pintura automática, es decir abandonar el pincel a los dictados aleatorios de la mano sobre el lienzo. Algunas de las formas de Gorky tienen conexiones con lo natural, otras con lo orgánico, se basan en sus recuerdos infantiles de su tierra armenia cargados de una tremenda fuerza que explora vertientes diferentes para conectar con la naturaleza.

Los últimos años de su vida fueron bastante trágicos, lo cual terminó en su suicidio en el año 1948, padecía un cáncer, su esposa le abandonó y tuvo un accidente que le afectó directamente a la mano con la que pintaba, se ahorcó cuando solo tenía 44 años y un prometedor futuro por delante.

Pero su obra pervive y es uno de los artistas más influyentes del arte americano y, como hemos dicho, uno de los pioneros del expresionismo abstracto en ese país.

Pintura de Historia. La muerte de Séneca

Esta magnífica obra que describe los últimos momentos de vida del filósofo cordobés al cual se le había encargado la educación del emperador Nerón, se conserva actualmente en el Museo del Prado y fue pintado en el año 1871 por el artista Manuel Domínguez y Sánchez.

Séneca, que había nacido en España, se trasladó a Roma donde como hemos dicho se le encarga la educación de Nerón (que debemos decir aprendió bastante poco de él). Cuando fue nombrado emperador permaneció junto a él en puestos de responsabilidad que le propiciaron diversos disgustos, ya que como sabemos la política es completamente distinta a la educación y las traiciones se encuentran a la orden del día en la primera.

Así pues Séneca decidió retirarse de la vida política y pasar tiempo junto a su segunda esposa, pero el emperador mantenía un recelo contra él desde tiempo atrás y aprovecho la primera oportunidad para quitarse de en medio a Séneca y otros destacados personajes de la vida romana en cuanto tuvo la primera oportunidad.

Rubens. La muerte de Séneca

Descubierta una conjura contra Nerón por parte de Pisón, el emperador vio su ocasión de deshacerse de muchos de los que le molestaban, muy mal aconsejado por una corte de aduladores que no ayudaban más que a sus propios intereses. Con ello Séneca fue condenado a muerte y se acercaron a su casa para comunicarle la noticia.

Era costumbre que la condena no se llevara a efecto ya que el reo se quitaba la vida al recibir la noticia. Seneca después de reflexionar e intentar hacer testamento (opción que le fue negada) decidió quitarse la vida. Para ello se cortó las venas de las manos y los pies, pero parece que la cosa no funcionaba e indicó a su médico, que le diera veneno (concretamente cicuta el mismo veneno que Sócrates había tomado cuando fue injustamente condenado a muerte acusado de pervertir a la juventud de Atenas en una analogía que parecía repetirse con nuestro protagonista)  Pero el veneno tampoco hizo efecto y finalmente Séneca decidió tomar un baño al lado del cual había un brasero encendido, el vapor del agua y el humo del brasero combinado con el asma que padecía finalmente le provocaron la muerte por asfixia.

Así lo observamos en la obra, donde sus discípulos contemplan la escena, alguno rasgado por el dolor y otros más impasibles, mientras observamos los restos del brasero colocados de forma simétrica al espectador.

Existen distintas influencias para la obra, Rubens había realizado un cuadro con la misma temática, aunque menos descriptivo que la obra que nos ocupa. Tenemos también dentro de la pintura de historia la obra del gran maestro francés del género, que representa La Muerte de Sócrates con una estructura similar a la obra que describimos, aunque el personaje y la forma de morir no son iguales, pero la idea de los discípulos rodeando al maestro e intentando en este caso disuadirle para que no realice el acto, es bastante similar.

Ello no quita mérito a una obra fantástica que encuadramos dentro de uno de los géneros pictóricos que más éxito y desarrollo tuvo en España a mediados y finales del siglo XIX, nos referimos a la pintura de historia.

JL David. La muerte de Sócrates

El mundo polémico de las subastas de arte

Las noticias de los precios que han alcanzado algunas obras de arte en los últimos tiempos han servido para generar discusión acerca del valor de algunas obras, principalmente pinturas, que han dado la vuelta al mundo gracias a que han alcanzado el precio más alto por el que se ha vendido un objeto artístico.

Los jugadores de Cartas de Cezanne es actualmente el cuadro más caro de la historia. Pagaron 250.000.000$

Pero que una obra adquiera el precio más elevado no quiere decir que sea la mejor obra del mundo o la de mayor calidad artística, simplemente es la más cara por un periodo limitado de tiempo, porque como en una carrera de 100 metros, los records se baten cada poco tiempo. Por supuesto que estas obras pertenecen a buenos artistas, pero eso no quiere decir que comparados con otros que no entran en la subastas habitualmente, fueran a mantener ese record por la venta de una de sus obras. No tenemos más que pensar en algunas obras de artistas clásicos muy conocidos como las Meninas de Velázquez o El Caballero de la Mano en el Pecho de El Greco, ¿que precio alcanzarían estas obras en una subasta de arte?.

Giacometti esta en el top de los más cotizados

Van Gogh, Renoir, Manet, Picasso, Matisse, Cezanne son los que se encuentran en los primeros puestos, aunque no hemos leído que ningún historiador haya calificado a ninguno de ellos como el mejor artista de todos los tiempos. Así que es bueno separar lo que piensan los especialistas del capricho de algún millonario que quiere decorar el salón de su casa con alguna de las obras de estos artistas.

Tendríamos que ver aquí como reaccionarían los coleccionistas si algunos museos pusieran a la venta alguna de sus obras más emblemáticas, ¿cuanto estarían dispuestos a pagar por La Gioconda de Leonardo si el Louvre decidiera venderla? ¿Porqué algunos artistas, esenciales en el desarrollo del arte del siglo XX como Marcel Duchamp, no aparecen en las lista de los más cotizados?

Hay en la subasta ciertas normas estandarizadas que debemos tener en cuenta: la mayoría de los nombres suelen ser los mismos y es uno u otro el que ocupa el top de la última subasta. Los artistas deben parecer modernos sin que existan grandes estridencias en sus obras. Las obras deben ser agradables para los coleccionistas rivales.

Joseph Beuys decía que el arte era esencialmente capital, según esta teoría bastará pagar una gran cantidad de dinero para que un artista u obra pase a ser reconocido o adquiera valor de cara a los diferentes agentes que forman parte del sistema del arte, entre ellos críticos, marchantes, coleccionistas y finalmente el público en general.

Aunque los pintores españoles no están entre los mas cotizados en las subastas deberíamos incluir artistas como Antonio Tapies, Antonio López, Benjamín Palencia, Eduardo Naranjo, Mikel Barceló o Manuel Millares. En España el postimpresionismo se ve sustituido por la generación informalista que tiene su m´maximo desarrollo a lo largo de la década de los 50 del siglo pasado.

El sueño de Picasso segundo cuadro mas caro de la historia

La fotografía como arte. August Sander

Sander es uno de los mejores fotógrafos que utiliza el retrato como un nuevo modo de expresión para mostrar gente de diferentes clases sociales. Frente a la obra de Eugene Atget que prestaba atención a lugares, calles, performers o escaparates, Sander comienza a utilizar el retrato desde un nuevo punto de vista.

Tratando de crear un pequeña biografía de August Sander diremos que nació en Herdorf en el año 1876. Trabajó en una mina. Allí aprendió los primeros rudimentos de fotografía ya que ayudaba al fotógrafo de la compañía minera. En el año 1920 abrió un estudio en la ciudad alemana de Colonia donde comenzó a realizar un catálogo de la sociedad alemana contemporánea realizando retratos de diferentes personas correspondientes a distintas profesiones y clases sociales.

Cuando los nazis llegaron al poder su trabajo y sus retratos fueron prohibidos y gran parte de su obra se destruyó. Incluso uno de sus hijos fue detenido en el año 1934 y enviado a prisión donde moriría diez años mas tarde. Es en esa fecha cuando los nazis incautaron su trabajo titulado Face of our Time y las placas que había realizado fueron destruidas. De hecho no volvió a trabajar en este tema hasta su muerte y se dedicó a realizar fotografías bastante insulsas de paisajes y escenas de naturaleza, que nada tenían que ver con lo que había hecho hasta ese momento. En el año 1944 perdió también su estudio ya que fue bombardeado como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial

Sander es famoso por los retratos de su serie Hombres del Siglo XX (people of XX century) donde trata de mostrar como se compone la sociedad alemana durante la república de Weimar. Esta serie esta dividida en nueve secciones que abarcan: agricultores, comerciantes, mujeres, profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, gente sin hogar y veteranos de guerra.

Sander decía que no existe nada mejor que la fotografía para dar una imagen histórica lo más real posible sobre la realidad de su tiempo. Creó con ello una filosofía propia que situaba a cada persona dentro del espacio que ocupaba en la sociedad, en esa distribución los campesinos estaban en la base, seguido por los artesanos, mujeres, obreros cualificados (dentro de los cuales podríamos incluir abogados, soldados, políticos, banqueros los cuales eran la base de la vida cívica) intelectuales, artistas, músicos y poetas, la gran ciudad y el ciclo finaliza con los locos, gitanos, mendigos, hombres agonizantes y gente muerta. 

Como podemos comprobar es una nueva manera de entender el mundo. Pero aún así todos sus retratos tienen la misma unidad formal y estética, con independencia de la clase social o la condición a la que la gente representada pertenezca, todos ellos se muestran con la misma dignidad y respeto, tan solo un pequeño detalle será el que nos ayude a identificar la profesión en la que el sujeto trabaja, quizás con un objeto, tal vez sea por su forma de vestir o simplemente porque está realizando un pequeño gesto.

Esos pequeños detalles son los que hacen que cada foto sea distinta de la anterior y ello nos permite hacer un estudio o una observación individual de cada una de ellas.

August Sander falleció en el año 1964.

Arte pop para niños

El arte pop es uno de los últimos movimientos artísticos del siglo XX, quizás sea junto al minimalismo el último estilo antes de entrar en la posmodernidad, un término y estilo que abarca diferentes aspectos de la sociedad y que es difícil de definir. Actualmente estaríamos inmersos en la posmodernidad.

Bandera de Jasper Johns

El arte pop surge como reacción a otro estilo artístico muy de moda en Estados Unidos y por extensión en otros países europeos durante la década de los 50, nos referimos al expresionismo abstracto que puede tener en Jackson Pollock a uno de sus máximos representantes. 

Los artistas dadaistas tuvieron gran influencia en todo el arte del siglo XX, su forma de despersonalizar el arte y dotar a cualquier objeto de un aura artística son algunas de las características recogidas por el arte pop. La descontextualización de las obras y la utilización de la ironía también son características del movimiento dada, del cual Marcel Duchamp es uno de sus máximos representantes, creadores y fuente de influencia para muchos artistas del siglo XX.

El arte pop se basa en la utilización de imágenes fáciles de reconocer por todo el mundo, ya que forman parte del día a día, son personas u objetos icónicos que están presentes en el devenir de la sociedad y se han hecho conocidos gracias a los medios de comunicación o la publicidad. Nos referimos a anuncios, comics, actores de cine, objetos de decoración, elementos utilizados en el día a día para comer o lavar la ropa, iconos mediáticos. Se trata de acercar a la gente objetos ampliamente reconocidos y aceptados en una repetición sin fin, todo ello frente a un arte abstracto más complicado y complejo de entender para la mayoría del público.

Aunque tuvo repercusión en muchos países, quizás sea Estados Unidos el país de donde nos vienen más referencias, nosotros hemos dedicado un post a la figura de Andy Warhol para niños, que puede ser el autor más significativo del movimiento, aunque en este país debemos citar como introductores a Jasper Johns y Robert Rauschenberg, cada uno con sus pequeños matices.

En España el arte pop tuvo un gran número de seguidores, uno de los pintores más conocidos es Eduardo Arroyo, es un movimiento asociado a un arte figurativo que reacciona frente a lo abstracto que tiene el informalismo, que parece inundarlo todo en ese momento. La ironía y la crítica social serán elementos que acompañen a las obras de Arroyo, tratando de que las obras tengan un significado además de ser apreciadas por su belleza estética. Alfredo Alcain o la utilización del comic por el Equipo Crónica también encajan dentro del movimiento pop español.

El Equipo Crónica realiza una versión personal del Entierro del Señor de Orgaz

Juan Gris para niños

Reconocemos a Juan Gris como uno de los grandes representantes del cubismo, aunque su trayectoria estuvo siempre empañada por la fuerte presencia de Pablo Picasso con el que comparte movimiento artístico y muchas de sus ideas, aunque como veremos Juan Gris también realizó alguna aportación al proyecto cubista.

Si tenemos que describir una pequeña biografía de Juan Gris lo primero es aclarar la época en la que trabaja, su nacimiento fue en 1887, por tanto era más joven que Picasso, quizás esa sea una de las razones de entrar más tarde que el genio malagueño en contacto con el movimiento cubista. Gris no pasó puros económicos pues era de familia acomodada, lo cual le sirvió para establecer buenas relaciones con gente pudiente.

Pero una de las cosas que quería evitar era realizar el servicio militar, largo y peligroso en aquella época, por lo que nuestro artista se traslado a París con apenas 19 años. Allí entrará en contacto con los artistas que estaban trabajando en el proyecto cubista, entre ellos los más conocidos y los que llegaron a una conclusión similar en la misma época, nos referimos a Picasso y Braque.

Pero si consideramos 1907 la primera fecha en la que Picasso pinta un cuadro cubista con la realización de Las Señoritas de Aviñón, las primeras obras de este estilo de nuestro autor no llegarán hasta 1910, tres años después, cuando el estilo cubista esta avanzando y da pasos hacía la abstracción que no veremos hasta el año 1912 en las obras de Picasso. Será ese el año de las verdaderas obras cubistas de Juan Gris.

En ese momento se produce el principal aporte de Juan Gris al cubismo, con el añadido de recortes realizados en cartón y papel, muchos de ellos tomados de periódicos, que, en forma de collage, pasan a a formar parte del cuadro. Una idea que será recogida por otros artistas que practicaron este estilo pictórico.

Debemos destacar que Juan Gris permaneció fiel al estilo cubista durante toda su vida, ello le llevó a alejarse de Picasso, el cual hacia el año 1917 abandona el cubismo para centrarse en movimientos más cercanos al clasicismo y naturalismo italiano, muy influenciado sobre todo por la escultura. El choque con la personalidad del malagueño y el ego personal le llevo a perder uno de sus grandes valedores. 

Juan gris será el máximo defensor del cubismo analítico donde la unidad estructural del cuadro es más importante que la realidad que aparece en el mismo.

Juan Gris falleció bastante joven, en el año 1927, con tan solo 40 años y estuvo olvidando durante bastante tiempo, quizás por el empuje de otros artistas, hasta que fue recuperado en los año 80 del siglo pasado y reconocido por su trabajo y aportación al estilo, del cual hemos desarrollado un post dedicado a como explicar el cubismo a los niños. 

Gian Lorenzo Bernini para niños

Bernini es uno de los artistas barrocos más conocidos y afamados de su tiempo. Era un artista completo, eso quiere decir que practicaba las tres artes mayores entre otras destrezas, por tanto fue arquitecto, escultor y pintor, destacando en las dos primeras materias por las que fue más conocido.

Para trazar una pequeña biografía de Bernini, debemos decir que nació en Napoles en el año 1598, por tanto es un artista que debemos situar dentro del barroco,  estilo en el que se mueven sus obras. Su padre, el escultor Pietro Bernini,  se encontraba circunstancialmente trabajando en la ciudad y por eso nació allí, aunque pronto, cuando Bernini tenía 6 años su familia se traslada a Roma donde pasará en el resto de su vida. 

Pronto comenzó a trabajar con la escultura, su padre le enseñaría a tallar y Bernini mostró mucha habilidad para realizar obras en mármol, tanto que fue comparado con el gran Miguel Angel y nombrado su digno sucesor. Fue un hombre de hondas convicciones religiosas que se pueden apreciar en muchos de los estudios realizados antes de realizar sus obras.

El ambiente artístico en la ciudad de Roma era excelente, los Papas y diferentes cargos de la iglesia y nobles hacen confluir en la ciudad a los grandes artistas europeos del momento, que intercambian ideas en la ciudad eterna, centro del arte a principios del siglo XVII.

Bernini trabajó para diferentes Papas, Urbano VIII, Inocencio X y Alejandro VII y de él conservamos multitud de obras ya que tuvo una vida larga que se extendió hasta los 82 años. Falleció en la ciudad de Roma en el año 1680.

Como arquitecto hay que destacar algunos de sus trabajos que se encuentran a la altura de los mejores artistas del momento, como por ejemplo Francesco Borromini o Pietro da Cortona. Algunas de sus obras son muy conocidas, por ejemplo quien no ha visto alguna vez la Plaza de San Pedro y su diseño de la galería porticada como unos brazos que abrazan al mundo. Otro ejemplo es el Baldaquino que se encuentra en el interior de la Basílica de San Pedro, La Cátedra de San Pedro en el mismo edificio o la Fuente de los Cuatro Ríos también en Roma. Una de las iglesias más destacadas es la de San Andrea al Quirinal.

Como escultor tenía una gran habilidad para mostrar los sentimientos de las personas que representaba, sobre todo en aspectos que tenían que ver con lo dramático, llegando a penetrar psicológicamente en los sentimientos de los personajes. Tenía gran maestría para realizar esculturas de grupos. Sus obras suelen representar el momento culminante de la escena, el de mayor tensión dramática, jugando con los efectos de claroscuro y jamás descuidando el ambiente del lugar donde la obra iba a estar situada.

Hay multitud de obras destacadas, vamos a señalar algunas, pero cualquiera de ellas nos parece bellísima, así tenemos Apolo y Dafne, David, El Extasis de Santa Teresa o el busto del rey Luis XIV.

Los inicios de la fotografía. Eugene Atget

Este fotógrafo francés está considerado como el primer artista fotográfico que ha dado la historia del arte, pero vivió siempre fuera del sistema del arte y su reconocimiento llegó posteriormente, cuando ya había fallecido, cosa que ocurrió en la ciudad de París en 1927

Si tenemos que trazar un pequeña biografía de Euegene Atget veremos que la mayoría de las actividades que realizó durante su vida están marcadas por el fracaso. Nacido en el año 1857, quiso ser actor e inició estudios en la escuela de arte dramático, trabajo viajando durante diez años donde solo consiguió papeles secundarios hasta que se estableció en París con idea de iniciar una carrera como pintor, pero su trabajo no tuvo ningún impacto, con lo que volvió a cambiar e inclinó sus esfuerzos a ser fotógrafo, en este momento tenía 40 años y un pequeño estudio en París.

En esa ciudad vivió el resto de su vida pobre e ignorado, vendía sus fotos por unas monedas a gente tan extraña y excéntrica como él. Cuando murió dejo realizadas más de 4000 fotografías que representan la vida diaria en el París de principios del siglo XX, lo mismo retrata lugares, profesiones, modos de vida, monumentos, parques, vendedores, prostitutas, se trata de un modo de vida que va a desperecer con la llegada del nuevo siglo en la ciudad del amor.

Los marchantes y agentes de publicidad nada supieron de este hombre que vendía sus fotografías por algo mas que el precio de una postal. Es uno de los artistas que mas influye en el surrealismo, le gustaba representar gente que se reflejaba en los escaparates de la calle, una visión que tenía algo de fantasmal. A los surrealistas les gustaba como representaba objetos familiares y los aislaba de su relación con el entorno desactivándolos de su función o dándoles una nueva.

Atget nunca presto atención a la representación de grandes paisajes sino pequeños detalles, donde en muchos casos la imagen está vacía, por ejemplo lugares completamente vacíos de gente. Pero muchas de sus fotografías tienen algo especial, aunque solo sea un documento de una ciudad y un momento concreto de su desarrollo histórico. La efervescencia del Paris de principios del siglo XX, una ciudad que vio nacer casi todos los movimientos conocidos de vanguardia que cambiaran la historia de la pintura y también la historia del arte.

El Eclipse, 1912. La imagen fue portada de la revista nº 7 de El Surrealista