La historia de David y Goliat

Este episodio del antiguo testamento es uno de los más representados en toda la historia del arte. No existe solo un  significado religioso sino también una lectura moral acerca de esta historia que se puede aplicar desde los tiempos pasados hasta nuestros días.

Y es que David contra Goliat o mas bien deberíamos decir la victoria de David supone la derrota de la fuerza bruta, una fuerza sin ningún tipo de control, donde lo único que cuenta en lo físico y donde la inteligencia no juega ningún papel. Pero es David el encargado de aportar la inteligencia y el que sale vencedor de la batalla, en el duelo entre la fuerza y la inteligencia es la segunda la que sale victoriosa de ese empeño.

Mil años antes de la venida al mundo de Jesucristo sucede la historia en la que hoy nos centramos, cuando hay luchas constantes entre los israelistas y los filisteos, en uno de esos enfrentamientos uno de los guerreros de los filisteos de nombre Goliat desafió al ejercito israelita, al mando del rey Saul. Y lo hizo durante 40 días, el mismo desafío, un enfrentamiento hombre a hombre y el que venciera se quedaría con el ejercito del vencido como esclavo. 

Ninguno de los soldados del rey Saul se atrevía a batirse con el gigante Goliat, al que se describe como un ser de una dimensiones descomunales, no solo para la época de la que estamos hablando sino también para el momento actual. Aunque no sería cierto a veces se le presenta como un ser de un solo ojo en el centro de la frente, pero esto no sería cierto.

Una escena parecida podemos ver al comienzo de la película Troya, donde Aquiles se enfrenta a uno de los soldados del enemigo en vez de batirse los dos ejércitos. En el caso de la película, gracias a su rapidez y su astucia y no a a su fuerza física, Aquiles es capaz de vencer al gigante del otro ejercito.

Charlie White. Chamion de la serie Everything is American

David se ofreció voluntario para enfrentarse a Goliat, pese a que no era militar sino que se le define como un pastor de cabras, pero debía contar con la ayuda de Dios ya que había sido ungido por el profeta Samuel.

Cuando las dos figura se enfrentan, David sabe perfectamente que no tiene nada que hacer en un enfrentamiento cuerpo a cuerpo, contra un ser descomunal y físicamente muy superior, por ello se mantiene alejado del gigante porque si en algún momento está cerca le puede destrozar. Parece ser que David era muy hábil con la honda, la cual le servía para controlar a sus rebaños y a sus perros y ese será su intrumento utilizado para intentar derrotar a Goliat.

Según cuenta la Biblia para su enfrentamiento recogió cinco piedras del suelo y armado con su honda disparó al gigante desde la distancia, hundiendo una de sus piedras en el centro de la frente de su adversario que, como consecuencia del golpe, cayó y murió. De esta manera David salió vencedor y acto seguido se encargó de cortar la cabeza de su adversario para que sirviera como trofeo y como símbolo de victoria contra los filisteos a los cuales llevaban sin derrotar mucho tiempo.

Por eso es normal encontrar este tipo de representación artística, más que el enfrentamiento se representa a David victorioso con la cabeza de Goliat en sus manos, una cabeza que tiene una gran herida en la zona de la frente como consecuencia del golpe de la piedra.

Acerca de la honda utilizada hay un interesante artículo de personas que han analizado el instrumento que porta en sus manos en David de Miguel Angel, enlazamos el texto que nos habla del arma secreta del David de Miguel Angel 

David y Goliat. Tiziano

La Joven de la Perla del pintor Johannes Vermeer

Esta obra, también conocida como la joven del turbante, es una de las más famosas del pintor barroco holandés al cual también podemos encontrar con el nombre de Vermeer de Delft ciudad donde nació y desarrolló su carrera artística hasta su fallecimiento ocurrido en el año 1632.

Vermeer, como le ocurre a otros artistas barrocos de la época, tiene una tendencia general a la representación de personajes populares, ya pudimos contemplarlo cuando analizábamos el cuadro de La Lechera. Se trata de la representación de situaciones cotidianas en las que intervienen personajes que cada día realizan esa labor. Como decimos otros artistas educados en la representación del costumbrismo, como Velázquez, no son ajenos a este estilo y lo van a practicar a lo largo de su vida, alejados de representaciones idealizadas, más cercanas a la pintura italiana y en algunos casos francesa de esa época.

Y es que  hay una corriente realista que invade Europa, quizás por influencia de Caravaggio, que no solo va a extender el claroscuro, como podemos apreciar en esta obra que analizamos el día de hoy, sino también en un realismo que en ocasiones se lleva hasta el extremos. Con ello estamos pensando no solo en las obras de Velázquez sino también en las de Ribera, donde lo real adquiere en ocasiones una crudeza hiriente.

Como decimos no será este una ejemplo aislado de Vermeer, ya que podemos pensar en uno de los cadros favoritos de Salvador Dalí, que aparece en la película, Un Perro Andaluz, que rodó junto a Luis Buñuel en el año 1929, allí podemos observar una representación de La Encajera, otra situación cotidiana de una joven que aparece tejiendo y que tiene conexiones con las obras del artista antes citadas.

El cuadro que analizamos tiene una gran belleza, tanto es así que se le ha dado en llamar la Mona Lisa del norte de Europa, por lo delicado del rostro de la muchacha representada. Como podemos apreciar una de las cosas que más destaca es el pendiente que lleva en su oreja izquierda que tiene una gran perla, hacia cuya vista se dirigen nuestros ojos cuando contemplamos la obra y que, por supuesto, da nombre al título del cuadro.

Pero, aparte de la situación cotidiana y la belleza juvenil de la muchacha, también son destacables los colores que usa el artista, esa combinación de color azul y amarillo que tanto llaman la atención y que Vermmer trata de una manera tan delicada y en distintas tonalidades dependiendo de las zonas de luz y de sombra, un autentico mago en el uso del color.

La escritora norteamericana Tracy Chevallier escribió una novela inspirada en la joven del cuadro que fue llevada al cine en el año 2003 siendo protagonizada por la actriz Scarlett Johansson donde se puede apreciar perfectamente el proceso de composición y pintura de la obra.

El pintor Raoul Dufy para niños

Dufy no es solo conocido como pintor ya que desarrollo otras facetas como el diseño de moda, actividad que comenzó a desarrollar en el año 1909 y también como ilustrador. La alegría que transmite el cálido colorido de sus obras son dos de las señas de identidad de este artista francés.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Raoul Dufy debemos decir que nació en Le Havre en el año 1877, una fecha cercana a otros conocidos artistas como por ejemplo Pablo Picasso. Su familia no tenía muchos recursos y el número de hermanos era bastante grande por lo que Dufy tuvo que dejar la escuela para ponerse a trabajar en una compañía que se dedicaba a la importación de café.

Pero a los 18 año tiene la oportunidad de asistir a la escuela de Bellas Artes de su ciudad donde recibe sus primeras nociones artísticas una formación que completó en París gracias a una beca que recibió tras realizar un largo año de servicio militar.

El estilo de Raoul Dufy comienza con influencia de el impresionismo y el postimpresionismo, movimiento que estaban de moda en el París de finales del siglo XIX, realizó su primera exposición con esta temática en el año 1902 en París. Pero para nuestro artista fue definitorio el encuentro que tuvo con Herny Matisse y la influencia del fauvismo, esto sucedió en el año 1905. Dufy adoptará el fauvismo como forma de representación, ya sabemos que entre las características del fauvismo se encuentra el uso de colores irreales que dan al cuadro un carácter irreal y lo llenan de cuestiones que el espectador debe resolver sobre cada una de las formas representadas.

Si algo tiene la pintura de Raoul Dufy es que es muy alegre, tanto sus paisajes como sus vistas, o bien las fiestas y conciertos transmiten esa alegría de vivir.

Hacia el año 1920 también recibe la influencia del cubismo, con lo cual podemos apreciar que en unos cuadros similares a su temática y colorido habitual, se elimina la tercera dimensión, componiendo obras muy originales que mezclan el estilo cubista y el estilo fauvista. Puede que conocer y haber tratado a Cezzanne influyera también en este tipo de obras.

Dufy falleció en el año 1953.

Sin duda esta será una de las exposiciones de pintura más destacadas en Madrid durante el año 2015 ya que el Museo Thyssen Bormemisza mostrará la obra del artista francés desde el 17 de Febrero al 17 de Mayo. Uno de los centro del paseo del arte de Madrid que este año vienen cargados de grandes eventos, tanto en este museo como en el Prado con Picasso y Van der Weiden o en el Reina Sofía con Daniel García Andujar y la colección del Kunstmuseum de Basel.

La Catedral de Burgos para niños

La Catedral de Burgos es una de las tres catedrales góticas clásicas junto a las de Toledo y León. Por tanto debemos situarnos a principios del siglo XIII para fechar el comienzo de la obra, concretamente en la Catedral de Burgos en el año 1221, que sería cuando se coloca la primera piedra, con asistencia del rey Fernando III "el Santo" y Don Mauricio, que sería el obispo de la ciudad de Burgos en ese momento. Su primer maestro se llamaría Ricardo según los documentos que se conservan.

La planta del templo como podemos apreciar presenta tres naves, cubiertas en principio con bóvedas de crucería, aunque alteradas después sobre todo en el centro de la iglesia y en las capillas de la cabecera por las transformaciones sufridas en el siglo XV y que nos permiten apreciar las bóvedas estrelladas típicas de ese momento.

El crucero de la Catedral es amplio y sobrepasa las naves, es decir está marcado en planta, aunque las capillas laterales lo igualan con el resto de la iglesia.

En la cabecera de la Catedral encontramos una amplia girola en la que se abren cinco capillas poligonales (algunas de gran tamaño), estas cinco capillas están precedidas por dos capillas rectangulares a cada lado.

Si miramos el alzado de la Catedral de Burgos podemos apreciar al interior la estructura de una catedral gótica clásica, es decir arcos apuntados, encima una tribuna y por último un cuerpo de ventanas que aporta luz al interior del edificio. En el caso de Burgos la tribuna se encuentra unificada a lo largo del todo el edificio, convirtiéndose en un estrecho pasillo por el que se puede deambular, se encuentra decorada con un arcos escarzanos que ya serían del siglo XIV que cobija cinco arquillos con decoraciones, como decimos, posteriores al siglo XIII.

Al exterior la fachada estaba prevista en principio sin torres pero en el año 1296 un maestro llamado Juan Pérez se las añade creando una forma de letra H como era típico de las catedrales góticas clásicas, es decir se alzan las torres laterales que luego fueron rematadas por esas formas picudas realizadas en el siglo XV y que dan todavía mayor altura a esas torres laterales.

Iconografía de la Presentación del Niño en el Templo

La fiesta de la presentación del niño Jesús en el templo es muy tradicional y se suele celebrar cuarenta días después del 25 de Diciembre. Se conoce popularmente con el nombre de la Fiesta de la Candelaria y cierra el ciclo eclesiástico correspondiente a la Navidad.

Según nos cuenta la historia y según la tradición judía, cuando se producía el nacimiento de un niño, sus padres debían acudir al templo para consagrarlo a Dios. Las mujeres acudían para ser purificadas de la mancha que les había quedado después del parto (la fiesta de las candelas) mientras que los niños debían ser presentados cuando ya se les había practicado la circuncisión, cosa que a Jesús le hicieron a los siete días de su nacimiento. 

Así mas o menos podemos decir que la circuncisión tuvo lugar el 1 de Enero mientras que la presentación en el templo tendría lugar el 1 de Frebero, siempre de manera aproximada.

María no necesitaba ir a purificarse porque al ser no tenía ninguna mancha, aún así tanto José como María decidieron cumplir con lo establecido y consagrar a Dios a su propio hijo que había nacido unos cuarenta días antes. Así que justo en ese momento tomaron al niño y se dirigieron al templo de Jerusalem para realizar la ofrenda correspondiente, que consistía en unas monedas y dos tórtolas que José compró antes de entrar en el templo.

Contamos toda la historia porque la escena que suele representarse en la mayoría de las pinturas es el encuentro que José y María tienen con un anciano de nombre Simeón, que justo se produciría cuando estaban a punto de salir del templo.

Se nos cuenta que Simeón era muy mayor y que Dios le había prometido que no moriría sin ver al Salvador. Cuando José y María se acercaron al templo, Simeón que había consagrado su vida a Dios, se dió cuenta de que el niño que llevaban era la promesa cumplida de Dios y profetizó sobre él.

Simeón anunció que el niño sería motivo de conflicto en Israel pero que gracias a Él muchos se salvarían. También dió las gracias y le dijo a Dios que podía dejarle partir en paz porque ya había conocido al Salvador. Por último anunció a María que una espada se clavaría en su pecho porque su hijo le haría sufrir en sus momentos finales, como así fue durante las escenas de la pasión en la cuales María estuvo presente.

En algunos casos se suele representar junto a Simeón a la anciana Ana, que como él estaba esperado la llegada del Salvador. Ana era una mujer que había estado casada siete años y que enviudó dedicando desde entonces su vida al templo cargada de ayunos y oraciones, junto con Simeón tuvo la oportunidad de conocer al niño en el templo de Jerusalem.

Perspectivas de la Feria ARCO 2015

La mejor de todas las ferias de arte contemporáneo que se celebran en España vuelve un año más a celebrar su edición en IFEMA. Las fechas elegidas para este año 2015 son del 25 de Febrero al 1 de Marzo. Allí se darán cita lo que se supone más selecto del arte contemporáneo español, intentado no solo colocar sus obras sino ejercer como lugar de reunión de los distintos agentes artísticos que forman el sistema del arte contemporáneo.

Durante la edición de 2015 el país invitado será Colombia, un lugar de grandes contrastes, pero como todo país con contrastes eso implica que hay gente con mucho dinero y muchos de ellos dispuestos a acrecentar sus colecciones con objetos y obras de arte contemporáneo. Decía un galerista cuando empezó la crisis en España que estos países iberoamericanos eran una salida natural para las galerías españolas y que merecía la pena acudir a las ferias que tenían lugar en Brasil, Colombia o Perú ya que allí daban salida a lo que en España estaba estancado por la dependencia institucional.

Y es que esta Feria de ARCO se une un año más a la incertidumbre que saber lo que realmente va a suceder. El modelo español del dinero rápido hizo que existiera una gran dependencia institucional y que se olvidara al coleccionista particular, que aportaba menos dinero, regateaba en el precio y hacía perder tiempo frente a un Museo que llegaba cargado con un maletín de billetes dispuesto a pagar lo que fuera necesario.

Desde hace cinco o seis años el maletín no existe y el coleccionismo en España esta en una depresión de la que no sabemos si se va a recuperar, pero la impresión general no parece muy positiva.

A ello debemos sumar las opiniones de personas como Rosa Olivares que en un artículo titulado Nada que Decir, viene a expresar la inacción de los agentes del arte contemporáneo español que parece no moverse ni mover ficha desde que comenzó la crisis, esperando que le saquen las castañas del fuego en vez de ponerse el mono y comenzar a trabajar.

El año pasado se dieron buenas cifras de venta de obras en la Feria de Arco, pero no tenemos toda la confianza sobre estas cifras porque entre otras cosas hemos trabajado dirigiendo una Feria y sabemos como funciona el tema de la cocina de los datos. No se puede decir en una Feria de Arte que ha sido un fracaso, ni para el organizadores ni para los expositores, ello supone reconocer un error y es algo inadmisible.

Así que, sin olvidar que la Feria de Arco es un negocio para IFEMA, que es quien alquila los espacios a las diferentes galerías, estas son para nosotros las perspectivas de una feria cargada de incertidumbre e incógnitas. En primer lugar por el poco movimiento que existe en torno al arte contemporáneo y después por despejar si se ha creado un tejido de coleccionistas españoles o seguimos dependiendo del extranjero o de las dádivas de las instituciones de un estado cargado de recortes.

Arte contemporáneo y derechos humanos

Comenzamos hoy con una imagen del artista Charlie White que fue presentada dentro de una serie conocida como "Everything is Ameican", la fotografía en cuestión se llama US Armed Forces y como decimos es una de las que componen una serie dedicada a los mitos y a la creación de mitos en la breve historia norteamericana.

La imagen como vemos representa a dos soldados, uno mas joven y otro de mayor edad. Si nos fijamos bien el joven parece que mira al mayor con la cara completamente aterrorizada buscando en él una respuesta o una explicación. Es muy posible que los dos acaban de cometer algo de lo que tienen que arrepentirse. Pero mientras uno parece desolado por el hecho el otro se muestra tranquilo, como si fuera algo que ocurre habitualmente o que ya ha sucedido en varias ocasiones.

No tenemos más que mirar al suelo y veremos algunos restos de sangre en la zona más cercana a nosotros. Se trata de algún tipo de tortura que quizás estos soldados han llevado a cabo con algún prisionero. Lo que ocurre es que la conciencia del más joven no le permite apartar de su mente lo que acaba de acontecer y de lo que se siente cómplice. Parece que tiene recuerdos que van a atormentarle el resto de su vida.

Si miramos los rostros de los dos personajes, el más joven suda abundantemente y la posición de sus manos nos indica bastante nerviosismo. Esta esperando una justificación, una palabra de aliento, una explicación por parte del otro soldado que arreglándose las uñas no da ninguna importancia a lo que ha sucedido.

Y es que solemos ver el ejercito como un amigo, son personas que trabajan para defender nuestros intereses, nuestro estilo de vida. Van a la guerra, pero la guerra no es una broma, la gente muere y mata. Y eso implica odio por las dos partes y por tanto situaciones desagradables que no queremos conocer y que se llevan al extremo, como parece haber ocurrido en este caso.

Sirva todo esto como introducción a un tema que sigue abierto desde hace años y que por lo visto no es capaz de cerrarse. Se trata de la cárcel de Guantánamo y de los hechos que allí han sucedido aireados ahora por el gobierno demócrata de los Estados Unidos que ha sido incapaz de cerrar en ocho años una prisión que atenta contra cualquier principio democrático y pisotea los derechos humanos de forma abierta para todo el mundo.

¿Como es posible que la comunidad internacional y los propios habitantes de Estados Unidos permitan que exista una cárcel de este tipo? El informe presentado por los demócratas habla de todo tipo de torturas de los presos allí llevados, algunos parece que implicados en atentados y otros simplemente no. Ahogamientos simulados, privación de sueño, maltrato psicológico y seguro que otras muchas más vejaciones que no han trascendido.

¿Estamos dispuestos en cualquier democracia a entregar nuestros derechos y libertades en aras de una supuesta seguridad? ¿Existe justificación para un hecho así? Si analizamos la carta de derechos humanos estas personas que allí fueron trasladadas no han disfrutado de ninguno de esos derechos. No hay abogados, no hay un juicio justo y han sido torturados para obtener información. Parece más un interrogatorio de la Inquisición que algo cercano al momento en que nos encontramos en los países occidentales.

Decía Octavio Paz que en la época del espectáculo que vivimos en la actualidad, el público es terriblemente cruel, no tiene memoria, ni remordimientos, ni conciencia. Solo se vive para la novedad, sea cual sea. Se olvida con mucha rapidez y pasamos en las noticias de escenas crueles de guerra al último concierto de Madonna. (Este texto ha sido tomado del libro de Mario Vargas Llosa "La Civilización del Espectáculo" publicado en el año 2012)

Es por ello que quizás todos debamos reflexionar un poco sobre ellos. Hay quien dice que lo bueno de una democracia es que este tipo de situaciones salen a la luz y se sabe sobre ellas, los culpables entonces pueden ser juzgados por vulnerar las leyes. Pero en el caso que acabamos de comentar, no vemos por ningún lado que haya intención alguna de que los responsables de esas torturas que pisotean los derechos humanos paguen por lo que han hecho. Parece que todos están de acuerdo en romper la norma significa cargarse todo el estado de derecho y semeja más a una dictadura totalitaria que a una democracia. Quien te dice que ti que no puedes ser el siguiente de la lista y que, por error, te conducen a un lugar donde sin derechos te vejan hasta la humillación y la muerte.

Si aceptamos el sistema los derechos son para todos, hasta para los asesinos más sanguinarios que no merecen mas que castigo el resto de sus vidas.

Las imágenes que acompañan al texto corresponden a la cárcel de Abu Graib en Iraq donde algunos soldaos americanos practicaron torturas a las personas allí detenidas vulnerando los derechos humanos.

El Perro. Democracia

El pintor simbolista Gustav Klimt para niños

Gustav Klimt es uno de los pintores más conocidos en la actualidad. Sus pinturas han sido reproducidas hasta la saciedad y algunas de sus obras han alcanzado grandes sumas en las últimas subastas de arte, lo que ha ayudado a encumbrar al artista como uno de los grandes genios del siglo XX.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Gustav Klimt debemos decir que era de origen austriaco, nació en Braumgarten en 1862. una ciudad que se encontraba cerca de Viena. Nació en el seno de una familia humilde, su padre era grabador de oro, aunque el ambiente cultural en la casa fue importante porque su madre quiso dedicarse al canto aunque nunca pudo por sus obligaciones.

Pese a que sus padres no podían darles estudios Klimt consiguió una beca para poder asistir a la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde pasó siete años que le sirvieron para formarse como pintor y decorador de interiores.

Existen múltiples influencias en la obra de Gustav Klimt, se le considera un pintor simbolista, aunque podemos decir que se encuentra cerca de la pintura modernista, de hecho así es como se define el grupo al que pertenecía y que ayudó a poner en marcha en Viena, La Secesion Vienesa, que es la versión modernista que encontramos en Austria.

Es muy complicado expresar las características del modernismo en pintura. Estamos acostumbrados a hablar de arquitectura modernista, ornamentos modernistas, muebles modernistas, pero es muy escaso el número de pintores modernistas. Es más fácil intentan expresar el movimiento, la curva y la imitación de formas de la naturaleza en arquitectura que en pintura.

Una de las novedades, por decirlo de alguna manera, que incorpora Klimt a sus cuadros, es la utilización de pan de oro, que le da una decoración especial a sus obras, serán estas realizadas a partir del año 1900 algunas de las más conocidas del artista. Recordemos que su padre era grabador de oro, por tanto era un estilo que había aprendido en su propia casa y le ayudaba a dar un colorido especial a sus trabajos junto a elementos ornamentales de vivos colores.

La mujer es una de las representaciones más importantes en su obra, el cuerpo de la mujer, de la que trata de extraer distintas facetas de su carácter, sentía una especial predilección por la mujer y esto se ve reflejado en su obra.

Conoció el éxito en vida y eso le permitió vivir de manera desahogada debido a la venta de sus obras y a los distintos encargos que recibió durante su vida. Falleció en el año 1918.