El pintor Miquel Barceló para niños

Estamos ante una de las figuras claves del arte español contemporáneo. Quizás sea el artista vivo más prestigioso que tenemos ahora mismo en España y también el más conocido internacionalmente por sus obras y por sus intervenciones institucionales, algunas no exentas de polémica.

Para tratar de explicar la obra del pintor mallorquín debemos tener en cuenta algunos de los artistas que le influyen y de los cuales él no ha negado su contribución. En el ambiente posterior a la segunda guerra mundial en Estados Unidos tenemos la gran corriente del expresionismo abstracto, que contará con grandes representantes como Jackson Pollock o Willem de Kooning, al mismo tiempo tambiéen se nutre de otros artistas como Mark Rothko donde la abstracción es un elemento importante en sus obras, pero también un discurso conceptual que debemos descubrir en su trabajo.

También en España la corriente informalista será una gran influencia para Barceló, maestros de la talla de Antoni Tapies, Manuel Millares o Antonio Saura, son algunos de los referentes de los que bebe su trabajo. Podemos observar diferentes contribuciones de estos artistas. habría que destacar primero la tendencia a realizar una obra pictórica pero que pueda observarse en tres dimensiones, bien por la abundancia de materia pictórica, porque algún elemento destaque más que el resto de la pintura asentada en el lienzo o bien porque la pintura ha sido traspasada y podemos observar que es lo que existe más allá, detrás del lienzo, al igual que hacía Manuel Millares en sus homúnculos de arpillera que en muchos casos se encontraban agujereados y permitían la misma opción.

Hablábamos sobre la materia pictórica y es un elemento que le gustaba mucho a Antoni Tapies y que también observamos en su obra, en algunos casos incorporando elementos de desecho reutilizándolos, dándoles un nuevo sentido en su obra, al igual que otros artistas italianos habían realizado con el arte povera, muy de moda en el momento en que Barceló comienza su trabajo.

Hay también dos influencias muy importantes que tienen que ver con sus lugares de residencia. Primero la presencia del mar mediterráneo, por su origen mallorquín y el lugar donde tiene su estudio, no es extraño que el mar y los elementos vitales que lo integran formen parte importante de su obra.

En segundo lugar el artista tiene otro estudio en Mali, con lo que es fácil observar en su obra el comportamiento tribal de algunas de las personas que tan cercanas viven al desierto, cargadas de vivos colores y experimentando con nuevos materiales como la cerámica.

Por último no quisiera terminar sin otra influencia importante que es el surrealismo. Barceló tuvo la ocasión de tratar con Joan Miró (la familia de su madre era mallorquina) y ese toque onírico, fantástico también se puede apreciar en algunas de sus obras. Recordemos que Miró también es una influencia importante para todos esos artistas informalistas que comienzan a destacar en España a mediados de los años 50.

Si quieres tener más amplia información quizás este vídeo sobre Miquel Barceló te puede ayudar

 

La pintura de historia para niños

Estamos ante un tema muy amplio y de complicada definición ya que muchas de las obras que se han representado a lo largo de la historia del arte tratan temas que tienen que ver con la historia de la humanidad.

Madrazo. Muerte de Viriato

Este es un género además que puede ampliarse a diferentes materias que no se reducen solo a la historia, hablamos de temas muy representados como la mitología, la literatura o las alegorías que representadas en diferentes personajes como por ejemplo la justicia, la vanidad, el orgullo.

Es difícil definir una época para el desarrollo de este tipo de pintura ya que se prolonga a lo largo del tiempo, no tenemos más que pensar en los cuadros religiosos con representaciones de temas del antiguo o del nuevo testamento, hechos que también tratan de recrear escenas que sucedieron en el pasado, por tanto que entran dentro de la definición que hoy tratamos.

Una pintura de historia se diferencia de otras porque además de la belleza mayor o menor que pueda tener, nos está tratando de contar algo que sucedió en el pasado. Lo habitual era realizar cuadros de gran tamaño, donde se mezclaban todo tipo de personajes, en el centro sucede el hecho y si la escena es exterior suele representarse un profuso paisaje detrás de estos personajes o en su defectos diferentes edificios que permiten apreciar un bellísima arquitectura.

En la vestimenta tenemos un par de vertientes, tenemos aquellos artistas que visten a sus personajes con ropajes clásicos, enlazando los hechos históricos con la mitología y por otro los que los visten con los ropajes típicos de la época.

La mitología será uno de los temas más representados, historias que enlazan con los orígenes y las tradiciones de Grecia o Roma y que forman parte de la cultura occidental, dioses que se ven envueltos en todo tipo de situaciones, en ocasiones bastante grotescas.

Antes también hemos hablado de la alegoría, la representación de ciertas virtudes que requieren para su interpretación un cierto conocimiento cultural, por los atributos con los que esa virtud aparece representada. La justicia es una de las más conocidas, con los ojos vendados y una balanza en sus manos.

Queremos hacer una pequeña reseña sobre el caso español ya que en la segunda mitad del siglo XIX serán numerosos los pintores que se van a dedicar al tema de la pintura de historia, narrando distintos episodios sucedidos en la historia de España en cuadros de gran tamaño que van desde La Muerte de Viriato, pasando por El Testamento de Isabel la Católica o las distintas alusiones a Doña Juana la Loca. Sin duda uno de los periodos más representados será la transición entre el siglo XV y el siglo XVI momento en el que se viven algunos de los hechos históricos más relevantes de este país.  Artistas como Francisco Pradilla, Vicente López, Eduardo Rosales o José Casado de Alisal son solo algunos ejemplos de artistas españoles que practicaron este género con bastante éxito.

Juana la Loca. Pradilla

El Neoclasicismo para niños

Lo primero que debemos hacer es situarnos en el momento histórico del cual estamos hablando, en este caso nos encontramos en la primera mitad del siglo XVIII, aunque el movimiento tendrá su momento de esplendor en la segunda mitad de este siglo y la primera parte del siglo XIX.

El Neoclásico surge como reacción a los movimientos imperantes en la estética del momento, hablamos del barroco y del rococó. Se trata de una vuelta a la pureza que tenían los artistas clásicos frente a estos movimientos donde se rompen las normas de la estética clásica y además, todo aparece con una abigarrada decoración. Así que para ello se vuelve la vista a los movimientos antiguos que son los que servirán de inspiración a estos nuevos artistas.

La Revolución Francesa y las ideas que se extienden durante la ilustración tendrán mucho que ver en el triunfo del movimiento. Sabemos que la razón es muy importante para los teóricos de la ilustración, la recuperación del saber, empezando por los clásicos, viajando a los lugares en los que habían tenido lugar estos hechos históricos y donde se encontraban esos edificios u obras de referencia.

En cuanto a las ideas de la revolución francesa lo vemos plasmado en muchos de los edificios arquitectónicos que se construyen en ese momento, las ideas de igualdad y fraternidad llevan a realizar numerosos edificios públicos que sean útiles para la sociedad, hablamos de bibliotecas, hospitales, universidades, museos, teatros, parques. Se trata de edificios pensados para el disfrute y enriquecimiento del pueblo.

Los descubrimientos que se realizaron en Pompeya y Herculano serán una gran aportación al movimiento. Si pensamos en ello muchos de los edificios están inspirados en los templos griegos, con sus fachadas llenas de columnas con diferentes capiteles y sus frontones triangulares como remate. Se hicieron muy famosos la representación de ruinas de la antigüedad, no tenemos más que pensar en algunos de los dibujos realizados por Piranesi, tan apreciados incluso en el mercado del arte actual.

Dibujo de Piranesi

Algunos de los edificios más famosos que conocemos actualmente fueron realizados durante época Neoclásica, la Puerta de Brandeburgo en Berlín, el Capitolio en Washington DC o el edificio de la Bolsa en Madrid por citar algunos ejemplos.

Pero no debemos ligar este estilo solo a la arquitectura sino que se va a desarrollar también una escultura y una pintura neoclásica cuya inspiración para la primera serán los temas clásicos, realizadas en mármol y donde la presencia del desnudo es algo habitual. 

Quizás el representante más conocido de la pintura sea Jacques Louis David con sus representaciones de la mitología romana que trataba de enlazar con los valores de la revolución francesa.

Paris. Iglesia de la Madelaine

La fotografía de identidad de Cindy Sherman

Nos encontramos hoy ante una de las grandes fotógrafas de mundo contemporáneo, no solo por la calidad de las fotografías que viene realizando desde los años 70 hasta la actualidad, sino porque esas fotos intentan transmitir un mensaje que va más allá de la belleza estética.

Pese a que Cindy Sherman no había tenido relación con el arte en su juventud, se orientó a esta disciplina cuando estudió en la Universidad de Buffalo. Al terminar sus estudios se dedicó a la pintura, pero se dio cuenta de que era una disciplina agotada, en la que solo podía repetir o copiar cosas que ya habían realizado otros artistas, por eso decidió probar con la fotografía ya que era mucho más abierta para el mensaje que ella quería transmitir.

Tenemos que tener en cuenta el contexto histórico en el cual comienza a desarrollar su obra, un momento en el que la mujer utiliza su cuerpo para reivindicar su propia feminidad, bien a través de la performance o como hace Cindy Sherman con la fotografía.

Podríamos decir que las obras de primera época de Cindy Sherman tratan de reivindicar el cuerpo de la mujer, representado en diferentes situaciones, evocando películas de cine negro, con escenas protagonizadas por ella misma, no exentas de cierto erotismo, disfrazada con todo tipo de ropajes y pelucas, en un ambiente de cierto misterio ante la situación que está a punto de suceder. Se trata en muchos casos de un arte que trata de reivindicar el papel de la mujer, pero de forma muy sutil, placentera incluso para los hombres que observan este trabajo. Se trata de mujeres coquetas situadas en un lugar donde ocurre algo más profundo.

A lo largo de su carrera se ha ido produciendo una evolución en la que no ha variado el personaje, porque es la propia artista la que siempre aparece en las fotos, pero ha tratado de representar distintos temas que ampliaran la visión de estos trabajos de primera época. Así, frente al disimulado erotismo de las fotos de los años 70 y los años 80, a finales de esta década realizará algunas fotos donde lo desagradable es el protagonista. También ha adquirido diferentes roles, desde la recreación de algunas imágenes icónicas de la historia del arte a diferentes tipos de mujer, donde el paso del tiempo inexorable, va haciendo sus estragos en su cuerpo y en su rostro, cuando se muestran las primeras arrugas, disimuladas en lo posible con el maquillaje.

Nunca ha perdido la idea de representar el papel de la mujer en la sociedad, tratando de ubicarlo, de criticarlo, de forzar al espectador a una reflexión sobre él mismo. Ella, en sus múltiples papeles, interpreta el comportamiento de su género, sin posicionar, simplemente dejando que cada uno extraiga sus reflexiones.

El realismo pictórico explicado a los niños

Este movimiento surge en Francia a mediados del siglo XIX, concretamente en el año 1855, impulsado por Gustave Courbet, que abrió una exposición bajo el título "Realismo" e incluyó en ella uno de los cuadros que había sido rechazado para la exposición universal de París de ese mismo año. Se trata de la obra "El taller del pintor" la cual consideramos que reúne las principales características del movimiento realista. 

Esta obra representa a Courbet en su estudio trabajando en un cuadro de paisaje, mientras a su alrededor aparecen diferentes personajes, algunos reales y otros inventados. Así a la izquierda podemos ver un compendio de diferentes clases sociales cada una representada por una persona y a la derecha se sitúan distintos amigos del artista. Junto al pintor vemos la figura de una mujer desnuda, que quiere representar a la academia y a sus normas, de las cuales Courbet se quiere apartar por completo.

Lo cierto es que a mediados del siglo XIX comienza a producirse en algunos países el desarrollo industrial, eso va a traer que muchos trabajadores se encuentren en una situación de explotación y gran precariedad debido a los abusos que comienzan a producirse, entre otras cosas por la ausencia de sindicatos o agrupaciones que trabajen por obtener derechos para estos trabajadores. Esta realidad social es una de las cosas que el realismo trata de denunciar en sus obras, cuales son las condiciones en las que trabajan algunos de los sectores de la sociedad que no han sido muy favorecidos.

Por tanto estos artistas están unidos a movimientos políticos de izquierdas o ideologías que conectan con la defensa de las personas menos favorecidas en una sociedad con grandes contrastes.

El realismo trata de separarse de otros dos movimientos que también tuvieron gran éxito en esa época, hablamos por un lado del romanticismo incluyendo experiencias más directas de los personajes que aparecen en las obras y, por otro lado, del neoclasicismo, muy arraigado en la academia y cuyos estereotipos se alejan bastante de aquellas cosas que el realismo quiere representar, ya que en muchos casos los personajes de sus obras están idealizados.

Una de las pautas principales del realismo es, valga la redundancia, la representación de la realidad, no existen unos temas prefijados sino que cualquier cosas es susceptible de representación. Así lo pensaban algunos de los máximos representantes del movimiento, hemos citado a Courbet, pero también podríamos citar a Daumier o la crudeza de las obras de Millet, donde la crítical social está también muy presente.

Royal Blood una serie del fotógrafo Erwin Olaf

Erwin Olaf esta considerado como uno de los mejores fotógrafos contemporáneos que tenemos en la actualidad. Su trabajo ha estado orientado a la publicidad y el diseño, pero tiene una faceta artística que le ha dado renombre y le ha convertido en una referencia de la fotografía contemporánea, entre otras cosas por un estilo personal y fácilmente reconocible.

Hoy vamos a analizar una de sus series más conocidas, que lleva el título de "Royal Blood". En ella trata de representar personajes de la realeza o bien personas cercanas a esta idea que tuvieron una muerte de forma trágica. En algunos casos con modelos que se parecen al original y en otros simplemente con referencias a su forma de morir. Todas las fotografías con diferentes matices del color blanco combinado con rojo que crean una gama cromática donde el retoque y el photoshop juegan un papel muy importante para obtener el resultado final.

Podemos comenzar por el retrato de la Emperatriz Isabel de Baviera, mas conocida como Sisi, que fue atacada por un anarquista momentos antes de tomar una barca en una lago de la ciudad de Ginebra. De hecho fue un golpe en el que al principio ni siquiera se dió cuenta de que estaba herida, pero al tomar una barca comenzó a sentirse mal y es que este anarquista le había introducido un pequeño cuchillo en el pecho, con tan mala suerte que llego hasta el corazón y no pudo salvar su vida.

La figura que representa a la princesa Diana de Gales tiene semejanzas físicas con el original. Sabemos que la princesa falleció en un accidente de tráfico en uno de los túneles de la ciudad de París cuando trataba de huir de la prensa del corazón y diferentes paparazzis que querían tomarle fotos acompañada de pareja del momento. El mercedes en que viajaba se estampó contra uno de los muros del túnel y como consecuencia de las heridas la princesa falleció. Es curiosa la marca de mercedes que aparece incrustada en uno de sus brazos recordando el coche en el que viajaba.

Jackie Kennedy no es miembro de la realeza, ya que fue la esposa del presidente de los Estados Unidos que fue asesinado de varios disparos en la ciudad tejana de Dallas. Como alguno de los disparos le voló la tapa de los sesos a su marido, así es como aparece ella, salpicada por los sesos de su marido en distintas partes de su cuerpo.

Por último me gustaría citar una obra más de la serie, la dedicada a María Antonieta a la cual le tocó vivir en época de la revolución francesa, donde como sabemos muchos miembros de la realeza y también nobles perdieron la cabeza por su condición social. Ella fue uno de ellos y así nos lo representa Erwin Olaf en esta fotografía.

Joaquín Sorolla para niños

El pintor valenciano es uno de máximos representantes de la pintura del siglo XIX y principios del siglo XX en España, influenciado por las nuevas corrientes artísticas de finales del XIX desarrollará un estilo muy personal que no le abandona hasta el final de sus días.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Joaquín Sorolla, diremos que nació en Valencia en 1863, este es un hecho importante ya que el paisaje mediterráneo y la luz de la zona se ven reflejadas en multitud de cuadros del artista. Sus padres fallecieron cuando apenas contaba con dos años de edad y se crió con sus tíos, el varón de la familia intentó enseñarle el oficio de cerrajero, pero él ya estaba inclinado a la pintura y se presentaba, desde muy joven, a diferentes certámenes, para obtener algún premio que reconociera su buen hacer, en un momento en que la pintura realista y la pintura de historia era lo que estaba de moda entre los académicos.

La año de 1885 es muy importante en su vida. Junto con un amigo se desplazó a París. Allí tiene la oportunidad de conocer más de cerca la pintura impresionista. Esto le hará cambiar por completo su manera de pintar ya que a su regreso se convertirá en el máximo representante del luminismo, una corriente que investiga los efectos de la luz sobre los temas representados en la obra. Para Sorolla captar la luminosidad del mar mediterráneo se convertirá en una obsesión. Un efecto también perseguido por los impresionistas, cuyas preocupaciones relativas a los efectos de la luz sobre el paisaje se verán reflejadas en sus obras.

Junto a la luz mediterránea la temática de sus obras también se vuelve más hacia lo popular, hacia lo costumbrista, con personas que realizan sus labores diarias o que simplemente se divierten al aire libre.

Ya viviendo en Madrid y cargado de éxito, debemos destacar el encargo que le hizo la Hispanic Society of America, para ellos debería realizar 14 grandes murales que representaran a las diferentes regiones de España, unos cuadros enormes, que le llevó mucho tiempo realizar y donde se aprecia las costumbres típicas de las distintas provincias españolas. Todo ello realizado con su particular estilo cargado de luz y detalles costumbristas.
Sorolla tuvo una gran producción artística, disponemos de mas de 2200 obras catalogadas, lo cual es un número bastantes importante.