El maestro barroco Alonso Cano para niños

Alonso Cano es uno de los grandes referentes del arte barroco español, entre otras cosas porque fue un maestro completo, es decir practicó y con éxito las tres grandes artes. Fue arquitecto, escultor y pintor, dejando importantes obras en cada una de las disciplinas, aunque si le preguntáramos al artista nos diría que era pintor por encima de las otras funciones.

Alonso Cano era granadino, allí nació en el año 1601, era el lugar donde vivía su familia. Allí se padre se dedicaba a ensamblar diferentes retablos en iglesias y conventos. Parece que desde niño destacó en el dibujo, aunque fuera de refilón vivió el ambiente artístico en su casa. Fue el pintor Juan del Castillo el que recomendó a su padre que se trasladara a Sevilla para tener una formación artística mucho más completa que en su ciudad de origen.

En Sevilla, donde llegó en el año 1614, entró como alumno en el estudio de Francisco Pacheco, donde coincidió con Diego Velázquez, una amistad que mantuvo a lo largo de los años, tanto en Sevilla como después en Madrid. Un ejemplo de esta amistad lo tenemos en el cuadro de La Rendición de Breda, donde aparecen representados los dos artistas, a la derecha Velázquez y a la izquierda, mirando al espectador, Alonso Cano.

Llegó a Madrid algo más tarde que Velázquez pero también trabajó en la corte como pintor del Conde Duque de Olivares, primer ministro de España en ese momento. En la capital y como le ocurre a otros artistas como Velázquez o Zurbarán, sufre una evolución tras observar la colección de pintura veneciana con la que contaba el Palacio Real, abandona el tenebrismo en el que había aprendido, se iluminan sus cuadros y su paleta gana en colorido.

No era Alonso Cano un gran modelo de comportamiento, aunque sin llegar al nivel de Caravaggio, tuvo muchos problemas con peleas, juicios y desafíos con otras personas. Todo ello posiblemente le llevó a ser acusado del asesinato de su esposa en el año 1644. No pudieron acusarle, aunque fue torturado, pero este hecho va a acabar con su carrera en la capital. Para protegerse tuvo que hacerse sacerdote y tras una estancia breve en Valencia, terminó refugiándose en su ciudad natal.

Allí realizará grandes obras, sobre todo en escultura (su Inmaculada para el facistol de la Catedral del Granada es una maravilla) pero también en arquitectura donde realizó la fachada principal de la Catedral cuando ejerció como maestro mayor de la misma.

Consideramos a Alonso Cano como un gran escultor, algunos de sus modelos perviven a lo largo del tiempo, ya que alguno de sus alumnos será de los más destacados del país, nos referimos a Pedro de Mena, escultor de origen malagueño que fue alumno de Alonso Cano. La forma de representar detalles en el rostro, la colocación de las manos, la forma romboidal de sus inmaculadas o la distribución de la sangre en las figuras de Cristo serán algunas de sus principales características.

Alonso Cano falleció en la ciudad de Granada en el año 1667.

El pintor manierista Juan de Roelas

Este artista, no tan conocido como otros que triunfarán en época barroca, será un gran referente para muchos de los que trabajaron en la escuela sevillana a principios del siglo XVII, aunque él es una generación anterior a todos ellos, estamos hablando de artistas de la talla de Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo o Juan de Valdés Leal.

Hay ciertas dudas sobre su origen, aunque parece demostrado que su lugar de nacimiento sería flamenco, así aparece con su padre, de nombre Jacques, en algunos documentos que se conservan en la ciudad de Valladolid.

Es muy posible que este artista viajara a Italia y entrara en contacto con artistas de la Escuela Veneciana como Tintoretto o Veronés, son los mismos maestros que instruyeron con sus obras a El Greco, por lo que el uso del color o bien podríamos decir el uso de colores llamativos utilizados en la pintura, tendrían que ver con esta escuela.

En algunas de sus obras observamos otra características que tiene en común con el artista cretense, se trata de la división en dos partes del cuadro, incluyendo en la misma obra la visión de la tierra y de el cielo. Sin duda El Greco lo resuelve mucho mejor (pensemos en obras como el Entierro del Señor de Orgaz), pero al tiempo notamos que quiso enseñar a sus alumnos en esta cuestión, con suerte desigual como ocurre en el caso de Zurbarán y su Apoteosis de Santo Tomás de Aquino.

Tras su estancia en Valladolid vendrá a Andalucía para trabajar en la localidad de Olivares y desde allí a Sevilla donde tendrá una de las más importantes escuelas del momento junto a la del otro maestro y competidor Francisco Pacheco. Este le criticará por la forma de representar diferentes temas en los cuales el artista se salía de la ortodoxia del catolicismo más purista o por la representación realista de objetos que no se citaban en los sagrados textos. Pero observamos como alguno de los alumnos de Pacheco seguían los modelos de Roelas para realizar sus obras, lo observamos en la representación que Velázquez hace de Santa Ana enseñando a leer a la Virgen o en el realismo fotográfico propio del primer barroco de los objetos cerámicos o metálicos. Pacheco nunca llegó a conseguir ese realismo en la representación de objetos, al tiempo que tenía cierto problema con las proporciones y las personas y detalles en profundidad.

La etapa final de la vida de Juan de Roelas no tiene que ver con la pintura, sabemos que viajó a Madrid e intentó trabajar como pintor del rey, pero fracasó en el intento y se retiro a la localidad de Olivares donde ordenado religioso se dedicó a su vida como canónigo en la Colegiata de la localidad hasta su fallecimiento, que tuvo lugar en el año 1625, cuando contaba con 55 años de edad.

Tipos de arco mas utilizados en el arte Musulmán

Los musulmanes engalanaron sus edificios con multitud de arcos, entre otras cosas porque la línea entre separación y decoración es tan fina que muchas veces se confunde. La limitación para decorar con figuras humanas o animales hace que, en muchos casos, los elementos arquitectónicos se transformen en decorativos, bien sea separando o como arcos ciegos decorando muros o fachadas.

Quizás el arco mas representativo se el Arco de Herradura que no es exclusivo del arte musulmán y que fue utilizado mucho antes que ellos por el arte visigodo, del que conservamos varios ejemplos en España. Se trata de un arco de medio punto que se encuentra cerrado en su parte inferior, que el cierre sea mayor o menor depende del momento histórico en que nos encontremos. Uno de los mejores ejemplos del uso de este tipo de arco se encuentra en la Mezquita de Córdoba.

Van a usar mucho el Arco Lobulado en diferentes versiones. Recibe este nombre porque se encuentra subdividido en diferentes partes que semejan el lóbulo de la oreja, el que incluye tres lóbulos, que será uno de los más usados, se llama trilobulado. Si el arco cuenta con más de tres lóbulos , en un número que puede llegar hasta los 12 lóbulos, recibe el nombre de polilobulado, un buen ejemplo del uso de este arco están en la fachada y en el patio inferior del Alcázar de Sevilla.

También usan, aunque con menos profusión que los anteriores, el Arco de Medio Punto, en algunos casos de tipo peraltado, es decir que tiene elevada la base sobre la que se asienta la media circunferencia del arco.

Otro tipo de arco que observamos en sus construcciones es el Arco Angrelado, se trata de un tipo de arco que tiene ondulaciones en su intradós, que también reciben el nombre de festones. Estos festones al unirse forman picos. Será más usado en obras posteriores al siglo X, por ejemplo se observa en el Palacio de la Alhambra en Granada.

Una de sus más típicas maneras de decorar será cruzando diferentes tipos de arco creando formas o líneas decorativas en muchos casos alternado colores blancos y rojos. Estos Arcos Entrecruzados ayudan mucho a la decoración de diferentes zonas de los edificios.

Por último los Arcos Geminados son dos arcos unidos separados por una columna central en la que se apoyan en uno de sus lados, Se trata de dos arcos simétricos. Podemos observarlo con asiduidad en las representaciones de arte mozárabe.

El pintor simbolista William Blake para niños

Blake es un artista que no se dedicó solo a la pintura ya que también ejerció como poeta y pensaba que las dos disciplinas se encontraban unidas, también practicó otras técnicas artísticas, como el grabado o el aguafuerte ya que se dedicó también a decorar varios libros publicados por distintas editoriales.

Nació en Londres en 1757 en el seno de una familia medianamente acomodada y quizás algo radical en cuanto a ideas religiosas, como se viene apuntando. Eso quizás influyó a la hora de desarrollar sus trabajos pictóricos que se encuentran muy ligados a la temática religiosa.

Hay un hecho interesante que le ocurre desde que es un niño y es que tenía visiones de forma recurrente, en muchos casos visiones de temática religiosa en los lugares mas inverosímiles. Estas visiones serán la base de muchas de las recreaciones que podemos observar en sus obras y que hacen su trabajo especial y fácilmente reconocible.

Pese a que actualmente es un poeta y pintor reconocido no fue así durante su vida y vivió casi al borde de la pobreza por la escasez de obras vendidas. Como muchos otros artistas se le empieza a valorar una vez que ha fallecido.

Pese a ser un pintor que nace en una época del barroco tardío no se sentía para nada atraído por este estilo y llegó a rechazar la forma de hacer de alguno de los grandes pintores como Rubens, sus obras se encuentran más cercanas a la escuela clásica y sobre todo a las obras de Miguel Angel ya que en muchos casos parecen esculturas muy masivas y con algunos movimientos bruscos como las obras del genio florentino.

Pero sin duda su obra esta cargada de un fuerte simbolismo y de esas visiones que hemos dicho que tenía desde niño. Sus obras, tanto pictóricas como poéticas invitan a la participación del espectador que debe usar la imaginación para interpretar aquello que está leyendo o viendo.

Falleció en Londres en el año 1827

El pintor y maestro Francisco Pacheco para niños

Francisco Pacheco es una de las figuras más importantes y más influyentes de la pintura y la escultura barroca española, ya que no podemos considerarlo solo como artista sino como autor de tratados de iconografía que van a perdurar a lo largo de los años para representar diferentes temas y figuras de santos.

La mayoría de su vida transcurre en la ciudad de Sevilla, aunque nuestro protagonista nació en la localidad gaditana de Sanlúcar de Barrameda, aunque se trasladó a Sevilla desde muy joven para formarse con su tío que era canónigo de la catedral y una persona con gran influencia en la actividad cultural de la ciudad. Esto llevó a nuestro artista a tener muy buenos contactos y amigos que le ayudaron una vez que faltó su tío para continuar con su trabajo, no solo pictórico, sino intelectual en la capital de Andalucía.

Francisco Pacheco también es conocido por ser el maestro de Diego Velázquez, el gran pintor barroco entró en el estudio de Pacheco cuando tenía 11 años y unido a él terminará triunfando en Madrid, donde las influencias y amistades de Pachecho hicieron que allí se trasladara, para comenzar su carrera junto al rey Felipe IV. 

Resulta curioso, aunque no extraño en la época, que Velázquez se casara con la hija de Francisco Pacheco, de nombre Juana. Era normal, en algunos casos, que el alumno más aventajado se casara con alguna de las hijas del maestro. Lo mismo le sucedió al propio Velázquez que casó a su hija con su mejor alumno que se llamaba Juan Bautista Martínez del Mazo.

Como pintor Francisco Pacheco comienza como pintor manierista y no se produce una gran evolución en su forma de pintar a lo largo de su vida, aunque si en los temas a tratar. En muchos casos el maestro ofrece problemas con las figuras en movimiento y a la hora de representar la profundidad donde las proporciones no son correctas. Su gran competidor en la ciudad será el pintor de origen flamenco Juan de Roelas.

Como decíamos Pacheco no se dedicó solo a la pintura y los encargos que pudiera recibir sino que también escribió varios libros, el más conocido de todos se llama El Arte de la Pintura, donde como decíamos nos cuenta como representar temas y figuras de santos de acuerdo a como se supone que se produjeron los hechos históricamente. Este purismo histórico hizo que Pachecho trabajara para la Inquisición velando por la pureza de las representaciones artísticas en la ciudad de Sevilla. El libro se terminó de escribir unos años antes de su muerte, pero no fue publicado hasta unos años después, pero sirvió como modelo para múltiples representaciones posteriores.

El pintor barroco Francisco de Zurbarán para niños

Zurbarán es uno de los grandes pintores españoles del siglo XVII cuya figura se encuentra eclipsada por el gran maestro del barroco español, Diego Velázquez, con el cual convive y cuenta con su amistad, ya que le visitó cuando este trabajaba en Madrid para el rey Felipe IV.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Zurbarán debemos decir que, pese a que su carrera artística se desarrolla principalmente en Sevilla, nació en tierras extremeñas, concretamente en la localidad de Fuente de Cantos, en la provincia de Badajoz en el año 1598, un año antes que lo haga Velázquez.

Lo que si hizo fue estudiar en Sevilla, con otro de los grandes maestros del momento, si Velázquez trabajó en la escuela de Francisco Pacheco, Zurbarán lo hizo en la de Juan de Roelas, otro de los grandes artistas del momento. Es fácil pensar que aunque estuvieran en distintas escuelas los aprendices estaban en contacto, al igual que sus maestros, modelos de ambos servirán de inspiración a nuestros artistas jóvenes que los siguen indistintamente en algunas de sus obras.

Al acabar sus estudios Zurbarán se estableció en la población de Llerena, corría el año 1617 y desde allí empieza a pintar encargos para diferentes pueblos de la zona y también para Sevilla, ya que en la gran ciudad le conocen y admiran su arte.

De hecho desde allí fue reclamado para establecerse en la ciudad hispalense recibiendo diferentes peticiones de instituciones para llenar con sus obras diferentes espacios. Muchas de las obras de Zurbarán son de temática religiosa, trabajo mucho para la iglesia y concretamente para distintas órdenes religiosas que admiraban su estilo y querían contar con sus trabajos en los distintos conventos. Cartujos, Mercedarios, Franciscanos, Jerónimos, Dominicos, son algunos de los tenedores de sus trabajos.

A esto debemos sumar que Sevilla es una ciudad con mucha actividad comercial, sobre todo en el puerto, donde llegan barcos americanos cargados de mercancías y se envían desde España todo tipo de productos para llevar al nuevo continente. Zurbarán comenzará enviando algún cuadro y pronto recibirán gran cantidad de encargos para enviar a América, será este un nuevo mercado para el artista cargado de posibilidades.

En cuanto al estilo de Zurbarán, como ocurría con otros artistas delo siglo XVII, empezó practicando el tenebrismo que no abandonó hasta muy tarde, concretamente en 1634 después de realizar un viaje a Madrid en el que visitó a Velázquez y pudo observar la colección real de pintura.

Dicen que Zurbarán es el mejor pintor para el color blanco del cual consigue tonalidades increíbles, también es un maestro del bodegón, quizás el mejor que tenemos en España junto a Sanzhez Cotán.

Falleció en Madrid en el año 1664.

El síndrome de Erostrato en la sociedad actual

Dicen que Erostrato, un pastor que vivía en la ciudad de Efeso, prendió fuego al templo de Artemisa en aquella ciudad (una de las siete maravillas del mundo) en el 356 a.c. con la idea de pasar a la posteridad logrando fama a cualquier precio y sin lugar a dudas, lo consiguió, ya que estamos escribiendo sobre él en este momento.

Su acción ha llevado a algunos estudiosos de la psicología a denominar con su nombre a un síndrome del que no se nombra demasiado su origen, pero que día a día se repite en la actualidad, potenciado por el eco mediático de los canales de información y comunicación.

Claro que existe una diferencia entre el acto de Erostrato y aquellos que pretenden obtener una fama efímera en la actualidad. Podemos decir que actualmente las noticias duran más bien poco siendo comentadas por la gente, vivimos una época en que unas noticias sustituyen a otras con gran facilidad, durando un tema de conversación poco más de dos días, porque la cámara ha girado hacia otro lugar y el que fue de aquello no encuentra una respuesta, ya pasó de moda. Así que es cierto, este tipo de energúmenos antisociales buscan gloria y fama, sobre todo en televisión, pero ya no somos capaces de recordar ninguno de sus nombres. Todo queda en simples acciones, en muchos casos nos cuesta recordar hasta los hechos que han sucedido.

Ahora habría que preguntarse el papel que juegan los medios de comunicación en todo este tema y también el grado de culpabilidad que tienen al amplificar, aunque solo sea por un minuto, este tipo de noticias(1)

Vivimos en un momento en que la violencia inunda las parrillas de noticias de los medios, una violencia inherente al ser humano, que no solo se ejerce de forma física sino con otras muchas diferentes acepciones(2). Da la impresión de que los medios quieren que vivamos en una tensión continua(3), como si el instante final estuviera a punto de ocurrir. En muchas ocasiones nos plantamos ante el boletín de noticias con esa sensación, vamos a ver que ha pasado, si podemos seguir con nuestra vida o el holocausto nuclear ha estallado ya. Quizás todo sea una artimaña para así aumentar los ingresos por publicidad. Los medios descubrieron la manera de mantener al público atento, pegado, se trataba de darle su dosis recurrente de sangre y sensación de peligro e inseguridad, una manera mucho más fácil de conseguir audiencia que cambiando el tipo de noticias.

Pablo Alonso TNT

En muchos casos vivimos rodeados de situaciones inverosímiles que duran en nuestra mente un instante, el tiempo que tenemos de digerir la noticia y expulsarla de nuevo para hacer hueco a una nueva (4) que viene a sustituir a la anterior. Se trata de situaciones de violencia sin trascendencia alguna, donde se han utilizado armas de cualquier tipo, que llamarán más la atención cuanto de forma más extraña hayan sido utilizadas, porque lo siniestro nos inquieta mucho más que lo cotidiano. 

El terrorismo(5) y mucho más en su versión actual se nutre de unos medios de comunicación entregados a este tipo de situaciones manejadas perfectamente por los que saben que cuentan con un altavoz permanente para estas noticias cada vez mas descabelladas.

Tenemos miles de Erostratos pululando por el mundo, no conocemos el nombre de ninguno, pero estaría bien reflexionar sobre el grado de culpabilidad que otorgan los medios a las personas que ven en ellos una oportunidad de promoción personal(6) (como hemos indicado tan efímera como un boletín de tres minutos de noticias).

(1) George Perec declaraba en 1973 que los periódicos hablan de todo excepto lo diario. La prensa me aburre, decía, no me enseña nada, lo que cuenta no me concierne, no me interroga y ya no responde a las preguntas que formulo o querría formular. Entre lo anormal, lo espectacular se produce una cultura del escándalo o de la histeria informacional. George Perec. ¿Acercamiento a que? En Lo Infraodinario. Editorial Impedimenta. Madrid 2008. Pag 22. Después de leer esta reflexión queda claro que Perec no conoció el nivel de depravación de la televisión actual.

(2) Es curioso reflexionar sobre las palabras de Sigmun Freud hablando de aquello que nos resulta extraño y cotidiano, sobre todo porque muchas escenas de violencia se han convertido en algo tan cotidiano que ya ni siquiera nos causa sorpresa. Freud decía que lo siniestro no sería algo nuevo sino más bien algo familiar a la vida psíquica que se tornó extraño mediante el proceso de su represión.
(3) "El miedo es uno de los síntomas de nuestro tiempo, el arte intenta en muchas ocasiones apartar ese miedo, el hecho de atender a las noticias ya es un signo de angustia. Todo hombre tiene miedo de la verdad". Fernando Castro Florez. Mierda y Catastrofe. Sindromes culturales del arte contemporáneo. Forcola Ediciones. Madrid 2014.
(4) Mario Perniola comentaba que Jean Baudrillard se opone a Guy Debord, este decía que vivimos en la sociedad del espectáculo mientras que el primero piensa que el espectáculo ha sido sustituido por la hiperrealidad, el espectáculo se sustituye por lo obsceno, una realidad que supera la verdadera realidad. Un mundo donde la comunicación vierte noticias carentes de acción, no sucede nada, todo está ahí sin consecuencias. Lo real absorbe, confunde los términos y potencia lo que quiere expresar y lo contrario. Mario Perniola. El futuro de una ilusión: acción artística, comunicación patafísica. Revista Archipielago nº79 Pag 39-51
(5) "El terrorismo no sería nada sin los medios de comunicación. El terrorismo busca el efecto eco en los medios que hacen que sean conocidos en todo el planeta y la gente que lo escucha podía discutir sus causas creando un efecto imitación que hace que otro las repita. Fernando Castro Florez. Arte y política en la era de la estafa global. Editorial Sendema. Madrid 2014.

(6) Como muy bien indica Fernando Castro hablando sobre el terrorismo, cuando faltan las palabras llega la descarga violenta que pone las cosas en su sitio. Fernando Castro Florez En el instante del peligro. Editorial Microgemas. Murcia 2015.

Charlie White. Patrimony. Fotografía de la serie Everything is American

Turismo e inmigración en la obra de Franz Ackermann

En una de las obras más espectaculares del pintor Franz Ackermann una sala del Museo se llena con diferentes objetos al tiempo que los muros de la misma están llenos de pinturas que hacen alusión al tema que se desarrolla en la obra. La obra aparece como un "collage" de objetos y pinturas que se mezclan en lo que se ha dado en denominar "pintura expandida" siguiendo la pauta que Rosalind Krauss trazó con la escultura.

La instalación en cuestión lleva por título 23 Ghosts (23 fantasmas) y alude a una dualidad que se produce en el mundo contemporáneo entre las personas que buscan una oportunidad para tener una vida mejor y aquellas que asentadas en un consumismo aburrido, tratan de huir de la monotonía de cada día.

Por un lado tenemos todo esos inmigrantes que intentan llegar a las costas europeas a través del mar mediterráneo, gente que arriesga sus vidas en una barcas terriblemente frágiles, huyendo de diferentes motivos que atenazan su vida en los países de origen, desde la pobreza a la guerra. Muchos de ellos perecen en el intento, ya que se encuentran con todo tipo de trabas en su camino, desde la barrera que supone un mar impredecible a los muros que los países desarrollados han levantado a lo largo de sus fronteras con la idea de proteger el sistema de vida de los que habitan en su interior. El número de muertos (de los que poco se habla) es muy abundante, algunos agotados por un camino que no llega al final, otros engañados por unas mafias deshumanizadas que hacinan seres sin control en pequeñas barcas a merced de los caprichos climatológicos de la zona mediterránea.

Esta idea está representada por diferentes barcas desordenadas, alguna de ellas como si hubiera volcado, a lo que añadimos restos de ropas esparcidas por el mar, consecuencia de la apertura de alguna maleta que transportaba los pequeños enseres de uno de estos inmigrantes.

Por otro lado tenemos a los que habitan en el mundo capitalista. En la parte central de la instalación tenemos una cárcel, que tiene una doble lectura, ya que para los habitantes de los países ricos simboliza que están atrapados en la monotonía de un trabajo donde cada día se repite un protocolo similar que emplea tiempo en transporte, realización de ese trabajo y regreso con la finalidad de obtener dinero para satisfacer unas necesidades en su mayoría creadas por la sociedad de consumo(1). Por otro lado los lugares de origen de los inmigrantes también son una cárcel, ya que parece imposible salir de una espiral de pobreza, explotación o violencia en la cual el futuro es incierto y ni siquiera se pueden satisfacer necesidades básicas.

La manera que tiene el mundo desarrollado de romper esa monotonía es el viaje, el traslado a otra zona donde la visión que tengamos sea diferente a la que observamos cada día en nuestro camino al trabajo o a dejar y recoger a los niños en el colegio. En la obra aparecen unos catálogos de una agencia de viajes que serían la manera de escapar. En algunos casos visitando los países de origen de esos inmigrantes, cargados de aventura(2) y retos por superar, donde el peligro (a todo lo que nos rodea) parece la prueba que debemos superar. 

En otros casos nos embarcamos en viajes organizados que en muchas ocasiones semejan a los pastores que conducen su rebaño por el campo, todo está marcado, nos dicen lo que tenemos que ver y nos explican el punto de vista bajo el cual tenemos que apreciarlo, se visitan los mismos lugares en muchas ocasiones con el fin de simplemente decir que "he estado allí" porque no se puede ser menos que el vecino que ya lo ha visitado. En muchos casos sin conocer la razón por la cual se construyó, esculpió o pintó la obra en cuestión de la que estamos hablando (3). De hecho en muchos casos lo más llamativo es una anécdota que se salga de lo común, antes que las razones por las que el edificio incluye figuras de monstruos copiadas de grabados alemanes del finales del siglo XV (4).

Es curioso observar como cualquier cosa es factible de ser turística. Basta solo un poquito de diferencia respecto a la monotonía habitual. Todo es visitable y donde no existen monumentos que visitar bien sean históricos o naturales, estos se crean a base de espectáculo, "hemos convertido en atracción cualquier cosa que se salga de lo común"(5)

(1) "Mas ingresos no se traduce en mayor felicidad, de hecho en países que basan su desarrollo en el consumo, aumentan los fenomenos negativos, como el estres o la depresión, las jornadas laborales prolongadas y sin contacto social, el deterioro de las relaciones, la desconfianza y la incertidumbre" Zygmunt Bauman. Mundo conusmo. Paidos Contextos. 2010

(2) "En la aventura se confunde el ansia de lo nuevo y la esperanza en el porvenir. La aventura siempre se dirige a un destino en el que la tragedia se hace factible , ser mortal es la condición que permite entregarse al verdadero viaje" Fernando Castro Florez. En el instante del peligro. Ed Microgemas. Murcia 2015

(3) Carlos Jimenez comentaba acerca de como las sociedades contemporáneas resuelven su tiempo de ocio diciendo que tanto turistas como touroperadores se apuntan a una situación similar a la peregrinación que se lleva a cabo para visitar la Ermita del Rocio cada año. Allí se canta, se come, se baila, se copula y se decomisa droga en completa contradicción con lo que significa el evento, Carlos Jiménez Moreno La escena sin fin. El arte en la era del Big Bang. Ed Microgemas. Murcia 2013

(4) "El turista cultural no es un espectador atento, refelxivo, que se toma su tiempo ante los objetos que acaba de contemplar, es solo un transeunte que acaba de echar un vistazo a aquello que se le pone por delante o le sale al paso". Carlos Jimenez Moreno Opus Cit.

(5) Dean McCnnell. El turista. Una nueva teoría de la clase ociosa. Ed Melusina. Barcelona 2003. 

El simbolismo explicado a los niños

Este movimiento artístico se desarrolla a finales del siglo XIX y convive con otras tendencias artísticas contra las cuales reacciona como por ejemplo el realismo que estaba muy de moda en todos los ámbitos de las artes en ese momento o bien el impresionismo cuya obsesión por la naturaleza y los cuadros de exterior contrasta con la temática preferida de los artistas simbolistas.

Gustave Moreau. Salomé bailando la danza de los siete velos

Para los simbolistas las imágenes de misterio o bien el reflejo de lo onírico y extraño serán algunos de sus temas preferidos, en sus obras narración y color crean correspondencias que conectan entre si. El movimiento tiene su origen en Francia y Bélgica, ligado a múltiples expresiones como la literatura o la poesía, poco a poco se irá extendiendo a otros países y otras artes como la pintura o la escultura.

Entre las características del simbolismo podemos citar las siguientes:

Muchas de las imágenes no reflejan la realidad existente, sino una realidad oculta que en muchas ocasiones conecta con el mundo de la imaginación o de los sueños.

Los cuadros no tratan solo de transmitir una sensación de belleza estética sino que buscan también la emoción del espectador, esa emoción es parte de la experiencia visual.

En muchos casos las escenas de misterio que nos proponen tienen conexiones con lo espiritual o con escenas de tipo religioso que nos transportan a un mundo donde la ficción cuestiona los límites de la realidad.

Odilon Redon. Black Pegasus

La fantasía, tan de moda en la literatura juvenil actual, es otro de los elementos que forman parte de las obras simbolistas, se trata de unas representaciones que nos ayudan a descubrir una verdad oculta que ellos consideran universal, Por eso en muchas obras no basta con la simple contemplación porque están buscando transmitir una idea conceptual que nosotros como espectadores debemos descubrir.

En muchos casos ese trabajo en el límite les lleva a representar situaciones que nos hacen dudar acerca de los personajes que aparecen en la obra, su sexualidad o bien su ambigüedad sexual está presente en muchas de sus obras.

Fernand Khopff. La esfinge

Conectan en algunos casos con historias de la mitología y la representación de personajes extraídos de estas historias que no añaden sino misterio a lo que tratan de representar.

En pintura podemos destacar artistas como Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Bonnard o Gustav Klimt. En escultura una de sus figuras más destacadas es Auguste Rodin o Aristide Maillol.

Todas las características que hemos dicho conectan con otros movimientos posteriores como por ejemplo con el modernismo (siempre complicado de expresar en pintura por su idea de movimiento y curva) o bien el surrealismo que tendrá su gran impulso a mediados de la década de los 20 del siglo pasado.

Xabier Mellery. Las horas

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