El pintor y fotógrafo Alexander Rodchenko para niños

Rodchenko fue un artista casi completo ya que practicó todo tipo de disciplinas artísticas, que van desde la pintura, pasando por la fotografía, el diseño gráfico o lo carteles publicitarios, aspectos este último por el que es más conocido.

Comenzamos como siempre trazando una pequeña biografía de Rodchenko, artista que comienza su labor artística en un momento de plena efervescencia europea, llena de diferentes estilos y técnicas, que buscan nuevas escalas para la pintura contemporánea.

Rodchenko nació en San Petesburgo en 1891 en el seno de una familia que nada tenía que ver con el arte. Por motivos de trabajo, cuando contaba con 16 años, su familia se trasladó a Kazan, allí estudió en su escuela de arte. Con la llegada de la revolución rusa, Rodchenko apoyó la labor del gobierno y trabajó activamente para el régimen, ocupando diferentes cargos, todo relacionados con el mundo del arte.

Con anterioridad a los años veinte, se dedicó a pintar obras abstractas, con cierta influencia de Malevich. No pasó por otros estilos como otros artistas, sino directamente se dedicó a la abstracción.

Su gran momento se vivió a principios de los años 20, cuando junto a un amigo fundó una agencia de publicidad, de donde salieron algunas de sus obras más conocidas en forma de cartel. En este medio Rodchenko se encargaba del diseño y de la fotografía, en caso de que apareciera, mientras que su compañero era el encargado de la frase o eslogan, escrito de una forma corta y bastante directa.

Rodchenko fue un artista al servicio de la revolución rusa y uno de los grandes representantes del constructivismo, que tenía dos aspectos, por un lado la celebración de debates artísticos, que la mayoría de las ocasiones terminaban en discusiones de tipo político. El segundo aspecto del constructivismo tiene que ver con el arte mismo,. donde como hemos comentado el ámbito artístico y la propaganda juegan un papel esencial.

La fotografía fue un aspecto muy importante en el trabajo artístico de Rodchenko, practicó la fotografía hasta el año 1942, pasando por diferentes estilos, desde la abstracción a la fotografía figurativa.

Rodchenko falleció en Moscú en el año 1956.

Diane Arbus y la fotografía de los débiles

Diane Arbus es una de las fotógrafas mas interesantes de la escena norteamericana posterior a la Segunda Guerra Mundial, centrando su trabajo principalmente en la ciudad de Nueva York y aquellos personajes que se encuentran alejados del glamour de la ciudad y sus lugares mas conocidos y representados.

Diane Arbus nació en el año 1923 y era hija de una rica familia de origen judío de Nueva York. Estudió fotografía con las austriaca Lisette Model, de quien recibe gran influencia a la hora de realizar su trabajo. A ello debemos sumar la influencia de otros artistas europeos como Eugene Atget y sobre todo Auguste Sander. Pero los retratos urbanos que toma nuestra artista están fuertemente influenciados por Lisette Model.

Gigante judío en casa con sus padres. Diane Arbus. 1970

Su trabajo más interesante se desarrolla durante la década de los sesenta, anteriormente Arbus había trabajado para importantes revistas de moda como Vogue o Esquire.

Arbus decidió representar aquella parte escondida de la sociedad americana del momento, gigantes, enanos, locos, gente que vivía apartada de las sociedad, travestis, hispanos, negros. Realiza multitud de retratos, al mismo tiempo que paseaba por alguno de los más peligrosos barrios de Nueva York.

En sus retratos los personajes suelen aparecer solos, con un gran contraste entre blanco y negro.

Diane Arbus decía: "sinceramente yo creo que hay cosas que nadie puede ver sino se toma una fotografía", se trata de representar aquella parte escondida de la sociedad o aquella que se trata de esconder porque no es políticamente correcta para la imagen de la ciudad, la capital económica del mundo. Se trata de lo contrario al glamour y el lujo al que estamos acostumbrados en esa ciudad y en ese país en general.

En su trabajo, como en el de Auguste Sander, los personajes miran directamente a la cámara. El flash se encarga de reflejar todas las imperfecciones de los personajes.La idea es que el espectador se asuste y al mismo tiempo sienta vergüenza. Arbus trata de representar el dolor, se trata de un dolor que encontramos en la gente corriente.

No era la primera vez que Diane Arbus sufría una depresión, pero en el año 1971 y como consecuencia de ello terminó quitándose la vida. Arbus fue la primera fotógrafa americana que participó en la Bienal de Venecia durante el año 1972.

Existe una película que debemos tener en cuenta cuando analizamos la obra de Diane Arbus, se trata del film Freaks realizada en 1932 por Tod Browning y que fue un fracaso en taquilla para convertirse a partir de los años 60 en un film de culto que nos muestra la vida en un circo lleno de seres deformes, tullidos, deficientes y todo tipo de deformidades, allí un enano ha heredado una gran fortuna y la bella contorsionista intentará seducirle para quedarse con el dinero.

Imagen de la película Freaks, rodada en 1932

Esclavos en las pinturas de Velázquez

La esclavitud en España es un fenómeno que se da desde mediados del siglo XV, cuando grupos de personas llegan a España, muchos de ellos eran aborígenes de las islas canarias y otros eran personas de piel negra que venían de África, la mayoría se ocupaban de labores domésticas, por lo que había más mujeres que hombres.

No era tampoco extraño que mudéjares o moriscos fueran utilizados como esclavos. La mayoría se podían mover libremente e incluso trabajar donde quisieran, posiblemente la única condición es que una parte de su salario fuera entregada a su dueño.

Desde el siglo XVII es extraña la importación de esclavos en España, en muchos casos los que quedan es que son hijos de esclavos que ya se han mezclado en España, por lo que no es extraño encontrar mulatos que se dediquen a estos menesteres.

Esto era más común en la zona de Andalucía que en otras zonas de España, lo cual resulta interesante para los cuadros de Velázquez que vamos a comentar.

Se trata de dos obras, la primera es una obra de juventud y la segunda rozando la madurez. La mulata, tiene un título muy en consonancia con lo que acabamos de comentar. Además, si observamos la obra, el artista nos muestra a una muchacha que se ocupa de las labores de la casa, ya que se encuentra en la cocina recogiendo alguna cosa que le han demandado para servir la mesa que se encuentra ocupada en la habitación de al lado. A ello debemos sumar que el cuadro está pintado en la época sevillana del artista y que como hemos dicho esta situación era más habitual en Andalucía.

Vocación de San Mateo. Juan de Pareja

El segundo cuadro tiene que ver con el propio esclavo que Velázquez tenía y que viajó con él a Madrid cuando el artista se trasladó a la capital. Hablamos de Juan de Pareja, retratado por Velázquez durante su segundo viaje a Italia, como si fuera un ensayo antes de pintar al Papa Inocencio X.

Juan de Pareja había nacido en Sevilla, posiblemente en el año 1610. Palomino nos dice que Velázquez no le permitía pintar o dibujar sino que se ocupaba de moler colores y preparar los lienzos. Pero el propio Palomino indica que quzás escondiéndose de su amo y llegó a ser un estimado pintor. 

Esta costumbre no la tenía solo Velázquez, sabemos que su maestro Francisco Pacheco tenía un esclavo turco. Murillo también tuvo un esclavo, así que parece entre el gremio una situación habitual.

Juan de Pareja logró independizarse, hay quien afirma que debido a que el rey vió sus cuadros y habló con Velázquez diciendo que alguien que pintaba de esa manera no podía ser esclavo.

Lo que resulta curioso es que el estilo de Juan de Pareja tiene poco que ver con el de Velázquez, mientras este al final de su vida se muestra obsesionado por la profundidad, Juan de Pareja muestra en algunas de sus obras, como La vocación de San Mateo o El Bautismo de Cristo un estilo más cercano al idealismo italiano de finales del siglo XVII y principios del XVIII.

Juan de Pareja. Bautismo de Cristo

Whistler´s mother o La madre de Whistler

Se trata de una de las pinturas más simples y conocidas del autor estadounidense James Mcneill Whistler, una artista que pese a se nacimiento en USA pasó gran parte de su vida y por tanto de su labor art´sitica en la ciudad de Londres, lugar en el que falleció en el año 1903.

Los primeros años de la vida del artista fueron bastante movidos. Su padre aceptó un trabajo en San Petesburgo y la familia se trasladó a Rusia, donde el niño asistió a la Escuela Imperial de las Artes, de regreso a Estados Unidos intentó entrar en la academia militar pero fracasó en el examen y gracias a una suma de dinero proveniente de una herencia, pudo trasladarse a Europa para continuar sus estudios de grabado y pintura.

El retrato que nos ocupa representa a la madre del artista. James realizó varios retratos a lo largo de su carrera artística. Su madre contaba con 67 años en el momento en que es retratada. Recordemos que la obra esta fechada en el año 1871.

Pese a la simplicidad del retrato, donde no encontramos nada de ornamento, se trata de una obra que tiene una fuerte personalidad. Puede ser quizás por la utilización y distribución del color, solo apreciamos tonalidades en color negro y color gris, acompañadas de blanco que hace un gran contraste con estos dos colores.

Durante su estancia en Europa el artista tuvo la oportunidad de viajar a España donde admiró el trabajo de Velázquez, un artista que tuvo gran influencia en los retratos de James McNeill. Ciertamente podemos ver cierta influencia del artista sevillano en la obra que nos ocupa. En primer lugar la utilización de una cortina para conseguir profundidad. Aunque no usa tantas diagonales como Velázquez, la colocación de diferentes objetos, unos detrás de otros nos recuerda obras como La Venus del Espejo o bien es un recurso utilizado en otras obras como La Fragua de Vulcano o Las Meninas.

Por otra parte el colocar algo sobre la pared ayuda a situar la escena, el tamaño de los personajes y también a utilizar una técnica que también uso Velázquez, es el llamado cuadro dentro del cuadro, algo que podemos apreciar en alguna de las obras de primera época del genio barroco, como por ejemplo La Mulata o Cristo en Casa de Marta y María. En este caso el artista norteamericano ha incluido un paisaje con una representación del río Tamesis a su paso por Londres, ciudad donde se asentó durante su estancia Europea.

No será el único artista que utilice este recurso, ya que Salvador Dalí, también muy influenciado por Velázquez durante sus estudios en Madrid lo utilizará en su obra Muchacha apoyada en la ventana, donde el artista ampurdanés nos muestra a su hermana Ana María contemplando un paisaje mediterráneo.

Actualmente la obra se encuentra en el Museo de Orsay en París, ya que fue adquirida por el gobierno francés en el año 1891.

Diego Velázquez. La Mulata

Las causas de la expulsión de los mercaderes del templo

Al lado del templo en Jerusalem había una explanada en la cual había un mercado que los días anteriores a la Pascua se encontraba en pleno apogeo, mucho más cuando se acercaba la fecha.

Allí se compraban todo tipo de animales para el sacrificio y también se cambiaba moneda, ya que había judíos que venían de todas partes y traían todo tipo de monedas que debían  ser cambiadas, con el fin de pagar el tributo correspondiente al santuario. Se aseguraba también que los animales tenían el grado de pureza exigido por el templo para el sacrificio.

Casi todas las compras debían hacerse y se hacían en este mercado, cuando uno de los oferentes traía algún animal que no había sido comprado en esta zona, en muchas ocasiones era rechazado, en algunos casos aludiendo al simple color que tenía el animal, ello suponía una gran perdida, ya que además del dinero gastado en el animal, había que comprar uno nuevo para realizar el sacrificio. Indudablemente los sacerdotes se llevaban una comisión por esta transacción y no querían dejar escapar lo que era un suculento negocio para ellos. Los vendedores sabedores de la comisión estipulada, elevaban los precios de los animales de forma desmesurada, lo cual causaba grandes problemas, sobre todo a las familias más humildes, que, como siempre sucede, son las más abundantes.

Para el impuesto que era obligatorio pagar al templo se había establecido una moneda común, el siclo. Las mesas para el cambio se establecían por toda Judea un mes antes de la fiesta de la Pascua. Como sucede, incluso actualmente, los cambistas se quedaban con una comisión por cada operación realizada, en muchos casos entre el 5 y el 15%. Cuando la fecha estaba cerca, estos cambistas se dirigían a Jerusalem y establecían sus puestos en la explanada de los gentiles, al lado del acceso al templo.

El tema es que los verdaderos beneficiarios eran los sacerdotes del templo que curiosamente coincidían en su mayoría con los hijos de Anás, que había sido Sumo Sacerdote entre los años 6 al 15 d.c. pero que seguían manejando los hilos con familiares que ocupaban los puestos más importantes como su propio yerno Caifás y como decimos, otros miembros de su familia que también ocuparon el cargo, tanto antes como después de la muerte de Jesucristo, el último de ellos fue nombrado en el año 63.

Todo el mundo conocía esta situación corrupta, nadie se encontraba ajeno a ella. Jesús, por supuesto, era conocedor del jaleo de comisiones que había en torno al templo y quienes eran los beneficiarios de las mismas. No hay más que pensar en la escena para hacernos idea del bullicio, movimiento de animales y discusiones que podían generar estos temas relativos al pecunio. Así era difícil realizar cualquier actividad en torno al templo, no digamos rezar, que puede ser la razón por la que Jesús monta en cólera contra esta injusta situación, que nadie se atrevía a cambiar, pese a que a ojos de todo el mundo, se estaba engañando y estafando a la gente.

Las 10 mejores pinturas del arte español

En este post vamos a tratar de hacer una lista con las pinturas más representativas del arte español de todos los tiempos. En ella intentamos abarcar los últimos 1000 años de trabajo artístico que se han desarrollado en este país, intentando incluir obras de cada una de las épocas con los que son, a nuestro parecer, los mejores representantes de cada momento y estilo artístico.

Esta lista está basada en criterios subjetivos y no pretende crear ningún tipo de dogma. Es mas, estamos abiertos a cualquier comentario, si puede ser justificado, del porqué otras obras deberían estar incluidas en la misma y no aparecen. No hay ningún orden ni preferencia sino que vamos a hacerlo por cronología, desde la más antigua a la más moderna. Esperamos vuestra colaboración y participación para hacer que esta lista de las mejores pinturas españolas sea lo más completa posible.

Abside de la iglesia de San Clemente de Tahull. Aunque tenemos dos estilos definidos durante la época románica, el ábside de San Clemente, conservado en la Museo de Arte de Cataluña, ejemplifica toda la simplicidad del mensaje post milenario. Hay que estar atentos porque el Juicio Final puede llegar en cualquier momento, la "Maiestas Domini" será uno de los temas centrales del momento

Luis Dalmau. Virgen de los Consellers. Mediados del siglo XV. Dalmau es un pintor de estilo hispano flamenco, pese a ser valenciano, tenemos documentada su estancia en Flandes en 1431, un tipo de pintura cuya influencia se puede apreciar en sus obras, teniendo como gran referencia a Jan Van Eyck. La obra destaca por el desarrollo arquitectónico y por la belleza cromática de los personajes incluidos.

Fernando Gallego. Cielo de Salamanca. Hacia 1450. Incluimos esta obra como un raro ejemplo de pintura gótica del siglo XV, ya que la temática nada tiene que ver con lo que ese estaba haciendo en ese momento en España. Se trata del techo que cubría la antigua biblioteca de la Universidad de Salamanca y que tenía representaciones de las diferentes constelaciones conocidas en ese momento y también de diferentes signos del zodiaco. Escapar del ambiente y las representaciones religiosas en ese momento merece ser significado, a ello debemos unir la calidad de las pinturas que han llegado hasta nosotros.

El Greco. Entierro del Conde Orgaz. Iglesia de Santo Tome. Toledo. 1586-1588. Domenicos Theocpoulos no es un artista español, pero si desarrolla toda su labor artística principalmente en España, muy vinculado a la ciudad de Toleo. Esta obra refleja casi todas las características del estilo del artista, por ejemplo, la división entre el cielo y la tierra, la inclusión de múltiples personajes, que en muchos casos, nada tienen que ver con la obra, el uso de colores venecianos y la calidad del artista que podemos observar por ejemplo en el reflejo de la cara de San Esteban en la armadura del conde.

Diego Velázquez. Las Meninas. Museo del Prado. 1659. Nuestro pintor por excelencia, obsesionado en su última etapa por conseguir profundidad en sus cuadros utilizando luces, diagonales, superposición de objetos. También mostrando su ascenso social al representarse junto a varios miembros de la familia real. Siempre lo que se diga será poco para hablar sobre Velázquez.

Jose de Ribera. Inmaculada. Iglesia de las Agustinas de Monterrey. Salamanca. 1635 Ribera, desarrolló su carrera artística en Napoles, por entonces territorio español y allí sufrirá una fuerte evolución que va desde el claroscuro a una fuerte iluminación en sus cuadros. Quizás sea este uno de los mejores ejemplos de esta luz general que muestra en sus obras alejándose de otro tipo de trabajos donde el martirio es la seña de identidad del artista.

Francisco de Goya. Saturno. Museo del Prado. 1815-1821.Pintada originalmente en uno delos muros de su casa, Saturno refleja todos los miedos y obsesiones de Goya al final de su carrera artística, dando el pistoletazo de salida a un estilo que tendrá su reflejo 80 años más tarde de los que el artista aragones representa estas "pinturas negras", nos referimos al expresionismo.

Eduardo Rosales. El Testamento de Isabel la Católica. Museo del Prado. 1864. Quizás sea esta la obra mas representativa de lo que se ha conocido como la pintura de historia en España, donde se representan los momentos más importantes del páis, como este en el que la Reina Isabel de Castilla, nombra heredera a su hija Juana, pero si esta se encuentra incapacitada, debe sustituirle su padre Fernando como regente.

Joaquín Sorolla. Niños jugando en la playa. Museo del Prado. 1910. Quizás sea Sorolla el mejor representante español del impresionismo. Su tratamiento de la luz y la incidencia que esta tiene sobre personas y objetos encuentran en este artista un desarrollo especial, como podemos apreciar perfectamente en esta magnífica obra.

Pablo Picasso. El Guernica. Centro de arte Reina Sofía. 1937. Quizás sea la obra española mas conocida mundialmente del genio cubista malagueño. Pensada para el pabellón de españa en la exposición universal de parís del año 1937, se ha convertido, con el paso del tiempo, no en un reflejo de la guerra civil española, sino en un alegato de la paz y del dolor y sufrimiento que la guerra representa en cualquier parte del mundo.

El pintor Dominique Ingres para niños

Ingres es un artista difícil de calificar, ya que se encuentra a caballo entre varios estilos y encontramos algo de cada uno en muchas de sus obras, así que tiene una influencia neoclásica importante, ya que estudió en París con David, pero no renuncia al romanticismo ni tampoco al realismo en sus trabajos.

Si trazamos una pequeña biografía de Ingres debemos decir que nació en Montauban en Francia en 1780. Su padre fue un escultor mediocre, pero tuvo el talento al darse cuenta de que su hijo tenía grandes dotes con el dibujo y lo envió a estudiar a una academia en Tolouse, donde aprendió los primeros rudimentos. Después se trasladó a Paris y fue alumno de David, aunque quería dotar a sus cuadros de un ambiente distinto al academicismo neoclásico de su maestro.

Fue un pintor criticado al principio en Francia, sus contemporáneos no entendían ni aceptaban bien su estilo. Ingrés viajo a Italia donde recibió fuerte influencia de la pintura renacentista, pero los cuadros enviados a Francia tardaron mucho tiempo en ser reconocidos como grandes obras. Fue un proceso muy lento, pero que al final consiguió, adquiriendo no solo honores como artista sino también como personaje con cargos públicos en el estado francés.

Su obra, como hemos dicho abarca diferentes estilos que podríamos resumir en tres principalmente:

La pintura de historia, donde se aprecia una gran influencia de David, se trata de escenas que tratan de rememorar los grandes momentos de su patria o bien temas mitológicos tratados con gran idealización u hieratismo.

Las pinturas con influencia oriental. No fueron bien aceptadas al principio. Tiene bastante que ver con el lado más romántico del artista. La verdad es que tenía un gran dominio en la representación del cuerpo femenino. Algunas de sus obras orientales son muy conocidas, como por ejemplo El Baño Turco o bien La Gran Odalisca que recuerda La Venus del Espejo realizada por Diego Velázquez. Su concepto del desnudo será de gran influencia posterior, sobre todo en algunos movimientos de vanguardia a principios del siglo XX, como por ejemplo en Picasso y las posiciones de los brazos que adoptan las mujeres en Las Señoritas de Avignon, el primer cuadro cubista de la historia del arte.

Por último pero no menos importante, tenemos los retratos realizados por el artista. No es que se sintiera muy orgulloso de esta faceta. En algún momento no tuvo más remedio que aceptar los encargos ante la falta de trabajo. Lo que si es cierto es que sabe retratar como nadie a la nobleza y la alta burguesía francesa del momento, gente cercana a las esferas de poder.

Ingrés falleció en París el 14 de Enero de 1867 cuando contaba 87 años.

Napoleón en su trono imperial por Domenique Ingres

El pintor Rene Magritte para niños

Magritte es uno de los pintores surrealistas mas conocidos del panorama que surge en la primera mitad del siglo XX en Europa, sus obras son muy reconocidas y se encuentran al nivel de otros grandes maestros de este estilo como Dali o Miró.

Si tenemos que trazar una pequeña biografia de Magritte debemos empezar diciendo que era de origen Belga, país en el que nació en el año 1898, sus padres no tenían conexión con la pintura, aunque él empezará muy pronto tomando clases de dibujo.

Hay un hecho que puede marcar su vida, se trata del suicidio de su madre cuando Magritte tenía 13 años. No debía estar muy estable ya que pedía a su marido que la encerrara en una habitación para no dañar a nadie, un día que consiguió escapar del lugar donde estaba encerrada, su cuerpo muerto fue hallado poco después a la orilla del río.

Hay quien dice que este hecho pudo afectar a la obra de Magritte y que esa escena aparecería en alguna de sus obras, como por ejemplo Los Amantes, donde la cara de la mujer está cubierta con una sábana, parecido a la tela del vestido que cubría la cara de su madre cuando fue rescatada del río.Él siempre lo ha negado y ha dicho que las cuestiones personales nunca aparecen en sus obras.

Al contrario que Dalí, sabemos que el pintor ampurdanés refleja en sus obras aquellos traumas que le han afectado de niño, debido al rigor existente en la casa de sus padres, cuestiones relativas a su miedo al contacto sexual, hormigas que devoran el cuerpo de animales en descomposición, una excesiva obsesión por el sexo propio y ajeno, alusiones a la iglesia católica. Magritte siempre negó todo esto en sus obras y disfrutaba mucho más del ambiente conceptual en su trabajo, situando al espectador ante situaciones inverosímiles que le hicieran pensar o reflexionar, es decir Magritte añade un componente conceptual a su pintura que ayuda a que el espectador no quede indiferente cuando se encuentra delante de sus cuadros.

En el momento en que le toca vivir y antes de su llegada al movimiento surrealista, Magritte, igual que otros muchos artistas, empezó pintando obras impresonistas, para después experimentar con otros movimientos de vanguardia durante la segunda década del siglo XX. Cubismo, futurismo, orfismo, purismo, serán algunos de sus experimentos antes de llegar al surrealismo. Lo hace en un momento similar al de los dos grandes genios españoles, Dalí y Miro. Encontró una influencia y apoyo importante en el pintor Giorgio de Chirico.

Según avanza el tiempo sus obras serán muy conocidas, no solo en Europa, sino también en Nueva York, donde se le valora mucho como pintor y donde participa en diferentes exposiciones.

Magritte falleció l 15 de agosto de 1967.