Cristo en casa de Marta y María de Diego Velázquez

El artista sevillano es uno de los grandes creadores de todos los tiempos, no solamente porque domina la técnica sino porque es capaz de innovar y no quedarse parado con lo que ya sabe hacer. Velázquez busca nuevos caminos para la pintura y experimenta con ella adelantándose a otros artistas, de manera que podemos observar algunas obras que tienen características del impresionismo, por citar alguno de ellos. Para aquellos que quieran conocer un poco más la biografía de Velázquez pueden seguir el enlace que adjuntamos. 

La pintura que hoy nos ocupa fue realizada durante su estancia en Sevilla anterior a su traslado a Madrid, se trata de una etapa de formación y consolidación de su arte y su forma de pintar, realizada junto al maestro Francisco Pacheco con el que trabajaba en su estudio y que fue quien le consiguió gracias a sus contactos su traslado a la corte en el año 1621.

No conocemos exactamente la fecha de realización pero podemos citar 1618 o 1619 como el año en que estaría realizado este cuadro.

Velázquez utiliza una técnica que ya había utilizado en otra de sus obras, La Mulata, se trata del cuadro dentro del cuadro, es decir en un mismo cuadro tenemos dos escenas diferentes pero conectadas entre si por alguno de los personajes que aparecen en el cuadro. Una ventana se abre en la parte derecha del cuadro donde podemos observar otra escena independiente de lo que sucede en primer plano.

La historia hace referencia a una visita que Cristo realizaría a la casa de Marta, María y su hermano Lázaro, que no aparece en la escena, pero lo citamos por la gran amistad que la familia tenía con Jesús y que sería el motivo de la visita del maestro a la casa. Mientras Marta prepara la comida, vemos como María extasiada, se encuentra escuchando las palabras que Jesucristo sentado le dirige. Tenemos una mujer mayor que nos sirve como enlace entre las dos escenas y que da impresión de estar reprochando a Marta mientras está en la cocina, que su hermana María no le ayuda en nada y que se dedica solo a escuchar las palabras de Jesús, mientras ella se encuentra trabajando. 

Junto a eso encontramos una de las características de Velázquez en esta época y es el tratamiento casi fotográfico que tienen los elementos del bodegón representados encima de la mesa, los huevos, los ajos, el pescado, el mortero que Marta tiene entre sus manos, son tan realistas que parecen casi de verdad. Incluso llegamos a ver un detalle de una pequeña jarra en la segunda escena apoyada encima de una pequeña mesa.

Este tipo de escenas dobles influirán mucho en otros artistas como Salvador Dalí que realizará algo parecido cuando pinte La Muchacha apoyada en la Ventana, obra del año 1925, poco antes de iniciar su etapa surrealista.

Escultura hiperrealista contemporánea. Tony Matelli

Durante las últimas semanas hemos dedicado varias entradas a algunos artistas que realizan figuras hiperrealistas y que tienen la escultura como disciplina de trabajo. Se trata de escenas que no dejan indiferente al espectador porque los materiales utilizados y el trabajo del artista permite contemplar figuras que fácilmente pueden confundirse con un humano real. El color de la piel, las arrugas, los gestos, los añadidos nos llevan a la confusión y nos despistan cada vez que las contemplamos. Artistas como Ron Mueck o Patricia Piccini forman parte de esta serie.

Hoy es el turno de Tony Matelli, un artista norteamericano nacido en Chicago en el año 1971 que vive y trabaja en New York, en esta ciudad se graduó en Bellas Artes. Le ha acompañado la polémica en alguno de sus trabajos debido al hiperrealismo de sus obras y a la provocación que trata de que el espectador reaccione ante ellos.

En su obra encontramos representaciones humanas, pero también animales, plantas y objetos de uso cotidiano. Es curioso que este artista suele trabajar con materiales metálicos para muchas de sus obras, el bronce por ejemplo es uno de ellos, materiales que son coloreados con aerografo para darle después esa apariencia natural.

La crítica social es algo inherente a su trabajo, se trata de obras que nos hablan en muchos casos de normas de comportamiento que pueden ser alteradas. En un mundo dominado por el individualismo y las apariencias de cara a la aceptación social, Tony Matelli nos muestra problemas internos que nos desvelan cuan vacíos se encuentran esos personajes despojados de ayuda y tratando de ocultar sus debilidades. En un mundo en el que parece que está todo delimitado y fijado, sus figuras tratan de mostrarse tal como son, con sus múltiples defectos, lejos de una realidad en muchos casos rutinaria.

Por ejemplo en su obra Total Torpor, Mad Malaise, que fue mostrada en España por primera vez en el año 2005, se aprecia una figura posando como si fuera una odalisca, pero con múltiples defectos en su cuerpo del que destacan varias protuberancias que convierten la figura en altamente desagradable, al tiempo que unas latas de cerveza se encuentran a sus pies como símbolo de consumo.

Josh es una de sus obras más conocidas, se trata de un joven flotando o levitando que se encuentra perfectamente vestido, con los pies descalzos y mirando el cielo de forma perdida, como si estuviera tratando de elevarse concentrándose en un punto, cosa que parece estar consiguiendo.

Sleepwalker es otra de sus series que representa a varios personajes sonámbulos que desfilan en ropa interior y que, en principio fueron situados en el exterior de un recinto universitario en la Universidad de Wellesley donde estudian 2.300 mujeres, ya que no es una universidad masculina. La obra generó una fuerte polémica, quizás por su forma de vestir, en un puritanismo sin duda fuera de lugar.

Como podemos apreciar sus obras no dejan indiferente al espectador, lo cual es muy bueno y una de las finalidades del arte contemporáneo y en este caso trabajando con escultura hiperrealista.

Dibujos de arquitectura para colorear

Hace poco incluíamos en nuestro blog un apartado con algunos de los cuadros más famosos de la historia del arte para que los niños los pudieran colorear y así desarrollar su parte más creativa bien imitando los originales o dando rienda suelta a su imaginación.

Hoy queremos dedicar esta actividad a la arquitectura para colorear, tratando diferentes aspectos que pueden ser destacables tanto a nivel de los edificios que queremos pintar como de los elementos estructurales que los componen y que pueden enseñar a los niños a diferenciar lo que es cada uno de ellos y cual es la función que tienen dentro del edificio.

Como en ocasiones anteriores en los links incluidos existe la posibilidad de que los niños pinten online con el ratón del ordenador o bien imprimir el dibujo y que los niños con los lápices o rotuladores vayan rellenando de color las hojas con los dibujos 

Comenzamos con el apartado dedicado a los edificios para colorear donde podemos encontrar diferentes tipos de construcciones, desde una iglesia, un castillo, una sinagoga, una basílica, una fábrica. Esto nos puede servir también para explicar a los niños la función de cada uno de estos lugares.

En segundo lugar tenemos el apartado de construcciones para colorear donde podemos encontrar diferentes tipos de columnas o arcos, monumentos o algún obelisco conmemorativo.

El tercer apartado está dedicado a dibujos de turismo para colorear donde contamos con edificios como el Arco de Triunfo en París, la Casa Blanca, la Torre Eiffel, el Partenón de Atenas o el Mausoleo de Halicarnaso, sin olvidar la Torre de Pisa o el Coliseo Romano en versión original o bien solo lo que queda de él.

Son algunas plantillas para colorear que, como digo, pueden ayudarnos bien a conocer un poco más aquello en lo que los niños están trabajando como a desarrollar su creatividad con estos dibujos para colorear en el ordenador o bien imprimirlos para que trabajen en casa.

Escultura hiperrealista contemporánea. Patricia Piccinini

Dentro de la serie que estamos dedicando a la escultura más cercana a la realidad en nuestra sociedad contemporánea, hoy dedicamos nuestro post a una artista multidisciplinar, es decir que no solo se dedica a la escultura, sino que también ha trabajado con otros medios para expresar su arte, como puede ser la pintura, el vídeo, el sonido o la instalación.

Patricia Piccinini reside en Australia, aunque su lugar de nacimiento es Sierra Leona, donde vió la luz en el año 1965, aunque su vida artística está unida a Australia, lugar donde ha recibido varios premios como el que le otorgaron en 2014 por la Fundación de Melbourne para las artes visuales.

Lo primero que nos llama la atención en las esculturas de Patricia Piccinini son los personajes que aparecen representados, ya que se encuentran a medio camino entre el hombre y el animal. Se trata de figuras donde los rasgos humanos y los rasgos animales se mezclan de forma tan curiosa que nos hacen reflexionar y no nos dejan indiferentes cuando las contemplamos. Así podemos encontrar caras de cerdo con cuerpo de hombre o mujer, bebes recién nacidos con trompa de elefante o caras humanas con cuerpo de perro.

La artista hace alusión con estas figuras a los avances de la ciencia y sobre todo, de la genética, adelantándose a algunos experimentos que se pueden llevar a cabo cuando se juegue excesivamente con este tipo de mezclas, de las cuales ya se ha hablado bastante con la clonación de algunos animales, alguno de ellos reales y en otros casos, simplemente por el ansia de aparecer en los medios de comunicación.

Indudablemente los premios reconocen su trayectoria, sus figuras aportan, además de una perfecta realización y ejecución, una buena dosis de espectáculo, que aparece como algo tan necesario en nuestra sociedad. Un espectáculo asociado a las imágenes impactantes y llamativas, que en muchos casos pasan a convertirse en arte.

Fotografía básica para niños. El marco natural.

Durante las últimas semanas estamos dedicando una serie de post a algunos temas básicos de fotografía destinados a aquellas personas que quieren no simplemente tomar fotografías sino realzar los aspectos artísticos de las mismas para aumentar el número de vistas o simplemente hacerlas más atractivas. Por ello hemos dedicado temas de la fotografía de paisaje y algunas reglas básica como la regla de los tercios o la regla del horizonte.

Fotografía Rafael López Borrego

Hoy dedicamos el texto a hablar sobre la posibilidad de utilizar marcos naturales en nuestras fotos y con ello que la composición de nuestras fotografías gane enteros gracias a este recurso.

Buscar marcos naturales nos va a ayudar a centrar la atención del espectador en aquello que queremos destacar en nuestra fotografía. Podemos encontrar o utilizar todo tipo de marcos, los habrá con formas irregulares y deberán adaptarse a las formas incluidas dentro de ellos , los encontraremos con distintas formas geométricas que quizás sean los más habituales, algunas formas arquitectónicas también nos pueden ayudar en el enmarcado, nos referimos al uso de un arco del tipo que sea, una ventana o una puerta o bien un cartel a través del cual se ofrezca una vista de lo que queremos representar. También existe la opción de no utilizar estos elementos arquitectónicos y utilizar marcos con elementos naturales como por ejemplo las ramas o los troncos de una árbol o la vegetación a través de la cual se observa nuestro principal punto de atención. Por último también nos puede servir como marco el desenfoque de los objetos laterales para así realzar la vista en aquello que más nos interesa.

Fotografía. Rafael López Borrego

Una de las cosas que nuestras fotos van a adquirir con un marco natural es profundidad, el marco nos ayuda a crear diferentes planos, dando la sensación de que el objeto que se encuentra al fondo está mas lejano al tener que componer la imagen en nuestra mente.

Ya hemos comentado que el centro de atención se realza y también el orden de los objetos representados dando una mejor sensación en la estructura general de la fotografía al tener en cuenta que va esta representado primero y después.

Algunos pintores también han usado este recuro en sus obras, estamos pensando en Velázquez y obras como La Mulata o Cristo en Casa de Marta y María o bien Salvador Dali en la obra del año 1925 Muchacha apoyada en la ventana.

Fotografía. Rafael López Borrego

Escultura hiperrealista contemporánea. Duane Hanson

Estamos realizando un repaso por los mejores escultores contemporáneos en lo que al hiperrealismo se refiere. La semana pasada repasamos la figura de Ron Mueck y esta semana le toca el turno a otro de los escultores más reputados, que desarrolla su labor en la segunda mitad del siglo XX, se trata del norteamericano Duane Hanson.

Este artista nació en el año 1925 en el estado de Minessota y falleció en el año 1996, se graduó en la Universidad y realizó un máster en Bellas Artes que terminó en eñ año 1951.

El uso de diferentes materiales otorga un gran hiperrealismo a sus obras, la fibra de vidrio pintada, la resina, dan un nuevo carácter a este tipo de esculturas. Cuando hablamos de hiperrealismo nos referimos a que todo en la figura nos recuerda un cuerpo humano tal y como lo conocemos, el color de la piel o los diferentes detalles que lo acompañan, como ropa, zapatos o complementos que incluyen las gafas, los relojes u otros detalles hacen que las figuras se confundan con una persona real.

Hanson comenzó representando algunos temas donde la violencia estaba totalmente presente, enfrentamientos de grupos de personas con la policía o las consecuencias de un accidente de moto que representa una figura completamente destrozada tras un choque. 

Esta temática será abandonada en 1970 para realizar algunos temas más relajados que tienen que ver con algunas personas que realizan escenas que podemos encontrar en la vida cotidiana, como limpiadoras que realizan su trabajo, una señora que empuja un carrito de la compra lleno de comida, o parejas de turistas que visitan una exposición. Lo bueno de estas figuras cuando puedes apreciarlas en un museo, es que en muchos casos ni siquiera te das cuenta de que son esculturas y te lleva a pensar, que realmente están allí realizando su trabajado o, como tu, contemplando una exposición cualquiera. Situarlos en salas donde no aparezcan otras obras del artista crea un efecto que roza lo divertido cuando realmente te das cuenta (o alguien te comenta) sobre esa escultura que tu pensabas que era una persona real.

Este tipo de obras también tienen sus detractores, no todo el mundo está a favor, por ello hay gente que dice que este tipo de obras es más propio de un museo de cera que de uno de arte contemporáneo. En nuestra opinión esa ambigüedad con la que juega el artista y el juego entre realidad y ficción merece la pena ser experimentado en las salas de cualquier museo.

Cuadros y pinturas famosas para colorear

Una de las mejores maneras de introducir el arte a nuestros hijos puede ser haciéndoles trabajar con algunas de las más conocidas pinturas que se han realizado a lo largo de la historia del arte. La imaginación de los pequeños a veces es tan desbordante que los resultados, iguales o alejados de la realidad pueden llegar a sorprendernos. Al mismo tiempo pueden afianzar en la mente del pequeño las imágenes de estas obras que serán asociadas con un autor en concreto en cuanto vuelvan a verlas, bien sea en la clase, en una reunión o en algún museo.

En la página Supercoloring podemos hacer realidad todas estas cosas. Es una página que dispone de todo tipo de dibujos de tipo educativo y que dedica un apartado a las pinturas famosas divididas por diferentes autores, desde Pablo Picasso, pasando por Andy Warhol, Vicent Van Gogh, Malevich o Rene Magrite por poner algunos ejemplos.

Podemos acceder al álbum de cada uno de estos autores y dentro de ellos podremos encontrar varias obras de cada uno, desde las más conocidas a algunas no tanto pero que pueden hacer las delicias de cualquier aficionado a la pintura.

Una vez elegida la imagen, lo único que tenemos que hacer es decidir si queremos pintar online o bien imprimir la imagen para que los niños la puedan pintar. Para hacerlo online disponemos de una gran cantidad de colores, tamaños de lápiz y grosor de la pincelada que vamos a dar para alcanzar gran precisión en nuestros dibujos. 

Como decimos, nos parece una herramienta ideal para nuestros hijos, que ellos puedan iniciarse en la pintura y que lleguen a conocer algunas de las obras más famosas de los grandes artistas.

Escultura hiperrealista contemporánea. Ron Mueck

Bajo el nombre de escultura hiperrealista contemporánea vamos en las próximas semanas a hacer un resumen de los artistas más destacados del momento en esta complicada especialidad. Muchas veces será difícil distinguir si las fotografías que vemos son o no son reales, porque esa es una de las características de esa escultura. La piel, el pelo, la expresión nos hacen pensar que realmente pueden estar allí, tumbadas en el suelo, sentadas, simulando una acción.

El primero de nuestros artistas elegidos para esta serie es Ron Mueck, un escultor de origen australiano, que nació en ese continente en 1958 pero que ha desarrollado gran parte de su carrera artística en el Reino Unido y más en concreto en Londres, ciudad en la que se dio a conocer.

Su primera aparición importante en el mundo del arte fue en el año 1998, con motivo de la exposición Sensation, donde apadrinados de George Saatchi, varios jóvenes artistas mostraron sus obras un tanto rebeldes y cargadas de provocación. A esos artistas los conocemos como Young British Artist y entre ellos podemos citar a Damien Hirst, Darren Almond, Tracey Enim o Gavin Turk.

En esa exposición Ron Mueck presentó una escultura que se titulada Dead Dad (Papá Muerto) donde se podía ver a un tercio del tamaño natural la figura de un hombre desnudo recién fallecido, que podía representar al padre del artista. Como vemos una obra hiperrealista que llevaba bastante de provocación en el título.

La familia de Ron Mueck eran jugueteros, así que el creció entre muñecos y disfraces y pese a no tener formación artística se decidió por este tipo de obras donde utiliza pinturas acrílicas, silicona y fibra de vidrio para recrear las composiciones.

Este juego de la vida y la muerte es algo que esta muy presente en su obra, así como hablamos de la escultura que representa a su padre, el cuerpo de la mujer es una constante en su trabajo. Podemos fijarnos por ejemplo en la obra Madre e Hijo, que representa una mujer que acaba de dar a luz y donde el niño que se encuentra sobre el vientre de su madre tiene el cordón umbilical todavía conectado con su madre. La obra es de un realismo tremendo tanto en las formas de la madre como en el cuerpo brillante del niño por los fluidos que le han ayudado a salir del interior.

También una de sus obras más destacadas lleva por titulo A Girl, es una figura gigante de un recién nacido de varios metros que impresiona sobremanera cuando la observas en una de las salas del museo, es una gran sorpresa. Y es que en sus obras trata de jugar con el tamaño de la composición, a veces reduciendo el tamaño o bien aumentándolo sobremanera para crear esa sensación de desasosiego.

Tanto en esta como en otras de sus obras suele utilizar pelo natural que ayuda a dar realismo a la composición.