La ronda de noche para niños

Este es uno de los cuadros más conocidos de la Historia del Arte. Es una obra barroca pintada por Rembrandt a mediados del siglo XVII, más o menos en el año 1640. Actualmente se conserva en Amsterdam concretamente en el Risjkmuseum. El lugar original donde la obra iba a ser situada era un salón, el más grande del edificio en la sede municipal de la Compañía de arcabuceros de la ciudad de Amsterdam

El título de la obra se debe a una confusión ya que en realidad el evento sucede de día no de noche, el polvo acumulado en el siglo XIX hizo que los llamaran la Patrulla de noche en francés o los vigilantes de noche en inglés, una vez que el cuadro se limpió a mediados del siglo XX se dieron cuenta de que la escena sucedía de día. Ciertamente el título original del cuadro hace alusión a los militares que se encuentran en el centro de la obra y que se encuentran acompañados por sus compañeros. En realidad la compañía se encargaba de la vigilancia de las calles y está representado el momento en que van a salir para realizar esta labor de vigilancia.

La obra fue un encargo para conmemorar la visita de María de Medicis, madre del rey de Francia a Amsterdam y los personajes representados tuvieron que pagar una cantidad de dinero por aparecer en el cuadro, una cantidad que fue mayor para los dos personajes centrales. No todos quedaron contentos con el resultado final y hubo problemas con el pago de 100 florines que debían entregar al pintor, entre otras cosas porque había soldados que decían que no se les veía por la oscuridad que aparece en el fondo del cuadro. Las personas que integraban el grupo era de dieciocho. El precio de la obra debió de ser de unos 1600 florines.

Y es que una de las características del barroco es la utilización del claroscuro, es decir hay una luz que ilumina desde la izquierda una de las partes del cuadro, dejando en penumbra el resto de los personajes y objetos representados. El introductor de esta técnica fue el artista italiano Caravaggio y su magistral forma de hacerlo se extendió por toda Europa y fue practicado por los más importantes artistas del momento.

Estos retratos de grupo también se extendieron y se pusieron de moda en época barroca bien para representar personajes o conmemorar eventos, artistas como Rubens, Velázquez también lo practicaron, aunque observamos una gran profusión de este tipo de retratos en la obra de Rembrandt como por ejemplo en sus obras lección de anatomía y Los síndicos del gremio de pañeros.

El beso de Gustav Klimt para niños

Esta es una de las obras más conocidas de este artista que había nacido en Austria en el año 1862 y que desarrolla su obra en los primeros años del siglo XX. Klimt falleció en el año 1918. La obra que nos ocupa fue pintada en 1907, una fecha marcada en la historia del arte por la realización del primer cuadro cubista pintado por Picasso y que lleva por título Las Señoritas de Aviñón. 

Gustav Klimt es un pintor simbolista (para ellos el mundo es un misterio por descifrar), el ornato y la decoración de sus obras así lo demuestran, aunque en muchas ocasiones se encuentra cerca del modernismo intentando dotar de movimiento y lineas curvas a muchos de sus trabajos, podemos decir que el artista se encuentra a caballo entre los dos estilos.

Si llama la atención la utilización en muchas de sus obras de pan de oro, que le dan ese color tan característico, su padre fue grabador de oro, así que es algo que había visto en su casa desde niño y que comienza a incorporar a sus obras desde el año 1900. Este brillo recuerda las obras del siglo XIV y Xv donde el uso del pan de oro era habitual en muchas pinturas. Hay quien dice que el uso de este material comenzó en su obra tras un viaje realizado a Italia donde pudo contemplar una serie de mosaicos bizantinos y partir de ese momento comenzó a incorporar este material en su trabajo.

El beso da impresión de representar a una pareja de amantes dentro de una habitación, pero nos quedan dudas porque Klimt, al igual que otros pintores de la época, elimina la tercera dimensión y parece que el fondo está adelantado al primer plano, confundiéndose la pared del fondo con los amantes en primer plano. Por eso nos hace dudar si es una escena de interior o bien el lugar donde están apoyados besándose es el cesped de un campo cualquiera, cargado de flores de colores rojos y amarillos. Otros artistas como Degas, Cezanne o el mismo Picasso trataban de eliminar en el mismo momento la tercera dimensión de sus obras.

Los ropajes son de los mas curioso y trabajado, mientras la mujer parece llevar un vestido con decoraciones de flores que parecen incluso prolongarse por la zona donde apoya sus rodillas, el hombre lleva una túnica decorada con rectángulos de color negro.

La obra, pese a que en ocasiones Klimt fue criticado por la temática lasciva de sus trabajos, se vendió rápidamente, actualmente puede contemplarse en la Galería Belvedere de Viena.

Biografía y estilo de Piet Mondrian para niños

A este artista neerlandés le ocurre lo mismo que otros muchos que se encuentran en la transición entre el siglo XIX y el siglo XX y es que comienzan su pintura con referencias figurativas o bien siguiendo estilos de moda en ese momento, pero a partir del año 1905 sufren una transformación que les va a llevar (quizás para desmarcarse de la fotografía que ha dejado muy tocado el paisaje y el retrato) a la abstracción cosa que le ocurre como decimos a la mayoría de pintores conocidos que trabajan en las dos primeras décadas del siglo XX.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Piet Mondrian diremos que nació en el año 1872 y que sufre, como hemos indicado, una transformación desde el naturalismo ligado al paisaje impresionista y postimpresionista a una abstracción que conocemos con el nombre del neoplasticismo. Sus primeras obras abstractas o bien sus primeros experimentos tienen lugar en los años 1905 y 1906, recordemos que en 1907 Picasso pintará el cuadro referente del cubismo, Las Señoritas de Aviñón y será este movimiento uno de los que más influencia tendrá en Mondrián sobre todo a partir del año 1912, un año en el que el cubismo llega a tal grado de descomposición que es capaz de ofrecer un cuadro abstracto, la geometrización de que podemos observar en los cuadros cubistas de la época son aprovechados por Mondrian para componer algunas de sus obras más conocidas en las que simplificación de las formas, se reducen en última instancia a lineas y colores.

De hecho en el año 1915 fundó una revista con el título El Estilo (De Stijl) que estuvo activa hasta el año 1927. En torno a ella se reunió un grupo de artistas influenciados en su mayoría por el estilo cubista de cuya evolución neoplasticista Mondrian es el máximo representante.

Quizás podemos pensar que las obras de Mondrian tienen una composición bastante simple, pero tras esas obras existe un complejo estudio filosófico que intenta lograr un profundo conocimiento de la naturaleza, acercándose a través de las líneas y colores al conocimiento de lo esencial, partiendo de la estructura básica del universo.

El artista falleció en Nuvea York en el año 1944.

El uso de sus colores será siempre muy parecido, utiliza colores blancos y negros y solamente colores primarios que nunca aparecen mezclados. Pese a sus comienzos abogaba porque el arte debe ser únicamente abstracto para poder buscar la esencia absoluta de los objetos y las cosas.

Resulta pues muy fácil realizar un taller donde se pinte a Piet Mondrian para niños, tan solo tenemos que divir el papel en cuadrados y rectángulo de distinto tamaño en color negro y rellenar algunos como colores primarios, es decir rojo, amarillo o azul.

Existen en la red multitud de dibujos de Piet Mondrian para colorear que pueden servirnos como material para clase.

Los girasoles de Vicent Van Gogh para niños

Se trata de una de las obras más conocidas del pintor y una de las que más repercusión mediática ha tenido, ya que en el año 1987 un magnate japonés llegó a pagar el record adquirido por un cuadro en una subasta, una posición que ha sido superada por otros artistas a los largo de los años, pero donde se encuentran un elenco reducido de pintores, entre los que aparece Van Gogh.

Es un contraste importante que Van Gogh adquiera record en alguna de las subastas mientras pasó la mayoría de su vida pasando grandes penurias económicas y subsistiendo gracias a la ayuda que le proporcionaba su hermano Theo.

La obra que nos ocupa fue pintada en el año 1888, como sabemos Van Gogh era holandés, pero por recomendación de su hermano y tras el fallecimiento de su padre, se estableció en París, donde entró en contacto con los más importantes pintores del momento. En ese momento en París estaba de moda el impresionismo y Van Gogh junto con otros artistas quería renovarlo. 

En París Van Gogh no se encontraba a gusto, tenía demasiada presión para trabajar y quería un lugar mucho más tranquilo, así que Tolouse-Lautrec le recomendó que se trasladar a Arles, en el sur de Francia, al lado del mediterráneo, allí se trasladó en el año 1888. No se encontraba solo pues su amigo Gaugin también estaba en la zona y realizaba allí sus trabajos. Es curiosa la relación de amistad con Gaugin, podía pasar por ejemplo de adornar la casa de Van Gogh con cuadros de girasoles para agasajar a Gaugin cuando iba a visitarle a discutir y amenazarle con una navaja de afeitar con la que el propio Van Gogh se cortó una oreja e ingresar en un psiquiatrico para allí refugiarse únicamente en el trabajo.

Van Gogh pasó un año en Arles pero fue muy fecundo en su obra. Como decimos, no existe solo un cuadro de Los Girasoles, sino que pintó varias versiones variando en algunos casos el color o el número de girasoles que aparecen en un jarrón, llegando a realizar hasta 7 cuadros con el mismo tema. Como decimos con la finalidad de decorar su casa para una visita que iba a hacer Gaugin.

Hay que destacar el uso del color, sobre todo del amarillo, el color favorito de Van Gogh, el que podía expresar de una mejor manera su estado de ánimo en un lugar donde la luz y el colorido tiene un encanto especial. Otro de los aspectos que destaca en la obra de Van Gogh es la fuerza con la que pinta, en gruesas pinceladas que parece que extiende de forma muy brusca, como si estuviera apretando el lienzo con ellas, como si en vez de utilizar un pincel lo hiciera con alguno de sus dedos. A veces da la sensación de que Van Gogh está pintando con rabia.

El contraste de color en todos los cuadros donde representa girasoles es uno de sus aspectos más destacados.

La creación de Adán de Migel Angel para niños

Esta pintura es uno de los nueve episodios representados por Miguel Angel en la Capilla Sixtina en Roma, bajo encargo del Papa Julio II que le había requerido para este trabajo así como para la representación en el ábside de una escena del Juicio Final.

La obra fue pintada en el año 1511 y ha servido de modelo iconográfico para una representación extraña a lo largo de la historia del arte como es la creación del primer hombre.

Según la tradición cuando Dios había terminado la creación de la tierra, montañas, agua, ríos, cielo, decidió crear al hombre a su imagen y semejanza, como si fuera un reflejo suyo y entonces modeló en barro una figura humana que solo necesitaba que le insuflaran vida para poder moverse. Ese es el momento que tenemos representado en la escena, justo cuando se tocan los dedos de Dios y de Adan es el momento en el que el primer hombre adquiere la vida. Así lo vemos recostado sobre la tierra, completamente desnudo y esperando el toque para poder incorporarse.

Dios Padre aparece como era tradicional representado como un anciano venerable, es decir mayor y con barba blanca, da cierta impresión de velocidad, como si estuviera muy ocupado, parece que va a tocar la figura de Adan e inmediatamente marcharse para hacer otra cosa, en esa especia de velo que le protege y donde aparece rodeado de personajes.

Es curioso que con su brazo izquierdo está rodeando los hombros de una mujer. Esta figura quiere interpretarse como Eva, que todavía no habría sido creada, pero lo va a ser. Recordemos que según la tradición Eva fue creada de una de las costillas de Adán. El resto de figuras que rodean al Padre serían ángeles y amorcillos.

Miguel Angel es uno de los grandes genios de la pintura, había venido de Florencia a Roma, en la ciudad donde pasó su infancia aprendió muchísimo sobre pintura con los más grandes desarrollando un estilo personal, con grandes figuras muy musculadas y una perfecta distribución de color, que incluye tonalidades a veces un tanto extrañas, como colores anaranjados o el mismo rosa del manto del Padre que podemos observar en la pintura. Miguel Angel es un artista que en muchas ocasiones se acerca al manierismo mas que al Renacimiento, el uso de esos colores son prueba de ello.

El pintor Holandes Vermeer de Delft para niños

Vermeer es una de las figuras más importantes e influyentes de la época barroca, aunque es difícil clasificare dentro de este estilo, ya que mantiene un toque personal en sus obras que le diferencia de otros artistas de su propio país y de su época.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Vermeer de Delft diremos lo primero que no sabemos la fecha de su nacimiento, si de su bautizo, que tuvo lugar en el año 1632, en la ciudad de Delft que como vemos adoptó para su nombre obviando el apellido de sus padres. Su familia no estuvo vinculada a la pintura, es más regentaban una hostería que posiblemente pasó a manos de Vermeer cuando sus padres fallecieron y que le sirvió de sustento tanto a él como a los quince hijos que llegó a tener, aunque no todos ellos sobrevivieron. Se casó con una mujer más rica que él, eso le daba cierta tranquilidad, aunque bien es cierto que a su muerte su mujer tuvo que vender uno de sus cuadros para poder sacar adelante a la familia y falleció pronto ante la carga que se le venía encima.

Vermeer de Delft no tiene una amplia producción artística, primero porque falleció joven, en el año 1675, con algo mas de cuarenta años y en segundo lugar porque no pintaba excesivamente, quizás dos cuadros anuales, ya que como hemos dicho posiblemente se dedicaba también al negocio familiar.

Aunque no sabemos con claridad quien es su maestro, ingresó en el gremio de pintores de la ciudad, eso implicaba una formación de seis años con uno de los artistas del momento que estuvieran en la ciudad. Lo cierto es que su estilo, al igual que ocurre con otros grandes maestros del momento, desborda a cualquier artista cercano, para convertirse en algo original y personal.

No es Vermeer de Delt un artista muy conocido por sus escenas religiosas o históricas, aunque si se dedicó a hacerlas en la primera época, sino más bien por sus retratos costumbristas donde se puede observar la vida diaria y los objetos utilizados por la gente, en algunos casos enigmática que retrata en sus obras. La lechera o bien La Joven de la Perla pueden ser perfectos ejemplos de lo que estamos diciendo.

Geometria y composición son dos elementos que definen su pintura, a ello unimos un uso especial de la luz, casi como si fuera de día en escenas de interior, utilizando colores muy vivos, donde el gris prácticamente es desconocido. Se ha comentado varias veces que el artista utilizó la cámara oscura para componer sus cuadros.

El valor de sus obras siempre fue alto y se le considera un artista muy demandado en su época.

Es un artista con gran influencia en maestros posteriores, vamos a destacar a Salvador Dalí obsesionado con una de sus obra La Encajera, que copió personalmente e incluyo por ejemplo en la película realizada junto a Luis Buñuel en el año 1929, Un Perro Andaluz.

La dignidad de los bufones de Velázquez

Velázquez es uno de los grandes genios de la pintura, pero no solamente porque pinte bien, sino porque en muchos de sus cuadros, que simplemente representan retratos o paisajes, podemos sacar una segunda lectura que no lleva a un plano más humano y personal. Algo que hace hincapié en el estado de ánimo o la condición de la persona representada.

Esta es una cosa que le ocurre cuando realiza retratos de los bufones de la corte. Así como por ejemplo con el rey Felipe IV podemos ver una evolución desde su radiante juventud a su cansancio senil, cuando representa los bufones de la corte Velázquez trata de dotarlos de toda la dignidad posible.

Decimos los de la dignidad porque debemos recordar que los bufones eran personas, muchas de ellas con deformidades físicas o psíquicas, cuya labor era entretener al monarca y otros miembros de la corte, diciendo o haciendo tonterías que provocaran la risa del monarca o sus más allegados. Digamos que puede resultar una labor no muy reconfortante y sin ninguna posibilidad de ascenso social.

Es por ello que cuando Velázquez decide pintar los bufones de la corte no los represente en ninguna de estas actitudes que acabamos de señalar. Los bufones aparecen haciendo cosas que resultan totalmente ajenas a su condición como por ejemplo leer un libro, cosa que ni siquiera se pensaba en la época para un personaje de este tipo, con la pluma y la tinta preparadas para poder tomar alguna nota o escribir algo. Velázquez piensa que es bueno representar un bufón como una persona culta. 

En otras ocasiones sobre un fondo que tiene una pared o un paisaje aparece un enano altivo, mirando de forma desafiante al espectador, como si no se sintiera inferior o "diferente" a ningún otro de los seres humanos, elegante y señorial.

De esta manera podemos ver a estos personajes, considerados como "monstruos" en su época, revestidos de una dignidad que no poseían y que a través de los cuadros el pintor barroco español más importante decide otorgarles para que la posteridad los juzgue de una manera diferente, humana podríamos decir.

La llegada de inmigrantes y su relación con el arte contemporáneo

A lo largo del último mes hemos podido ver en televisión como miles de personas que huyen de la guerra en Siria están llegando a Europa buscando nuevas oportunidades para sus vidas o simplemente lo que quieren es salir de un infierno donde se encuentran atrapados y no le ofrece ningún futuro, que no sea muerte y desolación. 

Se indica que muchos de los que llegan no son gente sin estudios, sino personas de clase media que tenían una vida mas o menos digna, truncada por las consecuencias de la guerra.

Esto me ha traído a la cabeza una obra que realizó la profesora de arquitectura y artista Judith Barry que lleva por título First and Third y que fue realizado en el año 1987. En esta obra se plantea lo siguiente, se trata de un vídeo en el que se pregunta a un buen número de inmigrantes que han llegado a Nueva York cuales eran sus expectativas cuando salieron de su país de origen y cual es la realidad que se han encontrado al llegar y asentarse en Estados Unidos, llegando a la conclusión de que es bastante difícil que esas expectativas se cumplan, porque tu puedes querer trabajar en un banco por ejemplo, pero quizás lo que te ofrecen es fregar platos en una cocina, recoger la basura o cortar el cesped del jardín de varias casas. A ello hay que sumar el handicap de tener o no tener tus papeles en regla, porque eso influye mucho sobre la opción de tener un contrato en blanco o en negro.

Recuerdo una persona muy de izquierdas que vivía en uno de estos países de origen que comentaba acerca del mismo tema y decía que la gente tenía idealizado Estados Unidos, pensaban en un paraíso, pero que cuando llegaban allí solo se les ofrecía un trabajo de "wachiman" que es el vigilante de seguridad de cualquier tipo de local. Siempre se quejaba de la falta de oportunidades para esta gente, aunque quizás fueran mejores que su futuro en el país de origen.

Todo esto me lleva a pensar en las opciones de estas personas que llegan a Europa o las que han llegado en los últimos 15 años (recordemos que en España el número de inmigrantes recibidos se acerca a los 7 millones y supone un 15% de la población del país). ¿Cual es el futuro de los inmigrantes que llegan o llegarán a España? Un país con una situación económica muy débil, con un paro estructural todavía superior al 20% y con una capacidad de colocación que en mas casos remite a conocer a alguien dentro que a la verdadera capacidad del demandante.

A ello podemos unir como dice Zygmun Bauman en su libro Mundo Consumo "surge la figura del forastero, al que asociamos con la desconfianza y el miedo a lo desconocido, al portador de malas noticias, no digamos si esto se asocia a la figura del inmigrante que viene de zonas que quedan fuera de nuestro circuito estandar". El libro está publicado en Paidos Contextos 2010.

Pues lo cierto es que la situación se antoja difícil, todas estas personas de clase media, profesores, químicos, físicos, traductores, informáticos, que hayan dejado su país tendrán al llegar a España que adaptarse a una situación donde lo que puedan hacer no sea mucho más que trabajar en la construcción, hostelería o mismamente en Sevilla gorrilla aparcacoches, entre otras cosas porque el reconocimiento del título académico puede llevar años o ni siquiera llegar a resolverse al provenir de un país con el que España no tiene ningún tipo de acuerdo.

Esta también es una realidad, de la que ya Judith Barry se hizo eco. Ahora hablamos un poco sobre este tema porque esta de moda, pero en unos días todo cambiará y nos olvidaremos arrastrado por los medios de comunicación de toda esta gente para centrar nuestros esfuerzos en otra causa que tampoco tardará mucho en pasar de moda, así es nuestra sociedad contemporánea.