Biografia de Joan Miro para niños

Cuando hablamos de la vida del pintor Joan Miró inmediatamente lo asociamos con el surrealismo, movimiento artístico en el que se desarrolla la mayoría de su carrera pictórica.
Ya en este blog habiamos dedicado un post para hablar de las características mas importante de la obra del pintor Joan Miró para niños. 

Gran parte de la vida de Miro se desarrolla entre Bercelona, ciudad en la que nació en el año 1893 y Mallorca, ya que su madre era de la isla y gran parte de su infancia y múltiples veranos los pasaba allí, en constante contacto con la naturaleza.

Si hay otra ciudad importante en su vida esta será París, donde se traslada a principios de los años 20 del siglo pasado. Allí muestra en principio sus obras muy influenciadas por el cubismo, el fauvismo y la obsesión por realizar un inventario de los objetos que podemos hallar en sus lugares elegidos de representación.

Pero estas ideas y forma de pintar será abandonada cuando entré en contacto con el grupo de surrealistas, apoyado en muchas de sus acciones por Picasso, tornando ese inventario para aplicarlo al mundo de los sueños, componiendo obras donde lo infantil se da cita con lo cómico, creando obras llenas de situaciones estrambóticas e incluso cómicas, así lo podemos observar en cuadros como El Carnaval de Arlequín, que fue pintado en el año 1925.

Su primera exposición en París fue un gran éxito, aunque poco a poco comenzara a alejarse del grupo de surrealistas, cambiando su residencia de nuevo a Barcelona a principios de los años 30, ya que los surrealistas y en concreto sus líderes estaban más preocupados por una vertiente de desarrollo político cercana a las ideas de Marx, que en profundizar en el desarrollo teórico y práctico del movimiento artístico.

Como a otros artistas españoles le afecta mucho en su forma de pintar la guerra civil española, aunque una vez superado este periodo de guerras Miro se dedicará a disfrutar de su éxito y de su estilo, realizando sus conocidas "constelaciones" donde el mundo onírico de la evasión nos traslada a planetas imaginarios llenos de estrellas, líneas y formas cómicas que parecen llenarse de vida en un momento positivo de su vida. 

Un proceso creativo que ya no tendrá fin hasta su muerte en el año 1983 donde el artista catalán aprovechara el tirón del mercado para realizar todo tipo de obras, pintura, escultura, series de grabados con el fin de llegar a todo tipo posible de público.

Una fiesta del cine para 2014

La iniciativa de la fiesta del cine consiste básicamente en bajar el precio de las entradas a las salas de cine durante unos días señalados a lo largo del año, rebajando casi un 60% por ciento o en ocasiones más el precio de acceso a las mismas.

Para poder acceder a la fiesta del cine es necesario haberse inscrito antes por internet, pero eso no es un problema para la la mayoría de personas que quieren disfrutar del cine en pantalla grande y buen sonido a un precio razonable.

Todo este tema debe llevarnos a una reflexión, si la fiesta del cine ha sido un éxito sin precedentes en las ediciones celebradas en 2012 o 2013, no será porque el precio de las entradas del cine es demasiado alto para que la gente acuda con regularidad.

Si lo pensamos fríamente, un padre de familia que tenga dos niños y quiera llevarles al cine, debe gastar una cantidad cercana a los 30 euros para poder hacerlo, un dinero que en un tiempo como el que vivimos tal vez necesita para otro tipo de actividades más necesarias. Pero si el precio en vez de ser de 30 fuera de 10 o 12 pensamos desde aquí que no tendría problema en poder gastarlo porque sería mucho más asequible para sus maltratados bolsillos.

A todo ello se une el tema de la piratería, la mejor arma para luchar contra la piratería es poner unos precios asequibles, es decir que el cliente sepa que si paga ese precio va a disfrutar mucho mejor que si lo descarga de alguna de las múltiples páginas que ofrecen esta opción.

Un ejemplo lo tenemos en el precio de muchas de las apps que tienen los sistemas operativos de los teléfonos móviles, son tan baratas que no merece la pena tratar de piratearlas. Este es el camino a seguir, precios baratos que hagan que no merezca la pena descargar en el ordenador sino pagar por ello.

La industria de la música ya tuvo su golpe en la cabeza por esta causa y su persitencia en explotar unos beneficios que se acabaron porque la gente no es tonta y el consumidor sabe cuando le están engañando. El libro electrónico lleva el mismo camino, porque nadie puede creerse que con un coste de producción y sin distribución el precio de un libro pueda ser de 15 euros, la gente se los descargará de forma gratuita con toda seguridad y las editoriales llorarán a lagrima suelta. Pero el cine todavía está a tiempo de rectificar viendo los éxitos obtenidos. Bajemos los precios, hagamos que la gente vuelva a las salas, demostremos a la gente que no hay comparación entre la pantalla de una sala de cine y la de un ordenador o un televisor de casa, pero para eso el cine debe ser asequible, debe atraer sus clientes luchando contra un  elemento que arrasa con toda la cultura si esta no sabe adaptarse a los nuevos tiempos que nos toca vivir.

La fiesta del cine puede ser un éxito, pero no debe quedarse solo en eso, sino ir más allá de la reflexión de un par de días.

Cante jondo el cuadro mas representativo de Julio Romero de Torres

Este pintor cordobés nació en esta ciudad en 1874 y murió allí mismo en 1930. Era hijo de pintor y comenzó su enseñanza de la manos de su padre en la escuela de Bellas Artes de la ciudad. Vivió desde muy joven la vida cultural de la ciudad y participó en los principales acontecimientos artísticos de Córdoba y de España. Viajó a varios países para completar su formación como pintor e impregnarse de otros estilos artísticos que estaban surgiendo en su época. Recibió varios premios nacionales y el reconocimiento internacional en Iberoamerica con exposiciones en Argentina.

La mayoría de su obra se puede admirar en el Museo con el nombre del autor en la ciudad de Córdoba. Estaba dotado de una gran capacidad para representar la figura humana.

Romero de Torres representa esta obra en el año 1922, esta obra encierra gran cantidad de símbolos de la lírica popular andaluza. Entorno a la figura central giran los sentimientos y pasiones de un hombre: el amor, los celos y la muerte. La mantilla como símbolo de lo andaluz y la guitarra que sirve como eje de simetría. En la aparte inferior un amante loco acuchilla y mata a navajazos a la mujer que quiere, a su derecha se besan una pareja de enamorados y en la parte superior un ataúd mientras sus hijos lloran sobre el féretro. Los temas no se relacionan entre si pero si hay una armonía general en la obra, el resultado es una mezcla de canciones y músicas árabes que han influenciado a las civilizaciones mediterráneas.

Características del Modernismo para niños

El modernismo es un movimiento artístico global, que abarca todas las artes, aunque quizás sea más conocido en su vertiente arquitectónica. Pero es cierto que encontramos modernismo en pintura, escultura, diseño o en los mismos muebles u objetos que están presentes en cualquier vivienda, desde planchas a tazas de te.

Nosotros vamos a centrarnos en la vertiente arquitectónica y en algunas de sus principales características que aplican los principales constructores del movimiento, como por ejemplo Antonio Gaudí. 

1. El modernismo supone una transformación de los estilos tradicionales. Muchos de los arquitectos habían tenido una formación en estilos derivados del Neo como el Neogótico o el Neoclásico, pero el modernismo trata de superar esos estilos para convertirse en algo nuevo, diferente a lo visto hasta ese momento.
2. El Modernismo tiene un vocabulario propio, basándose en la imitación de elementos de la naturaleza. Eso se observa tanto en las construcciones como en elementos decorativos de las mismas que tratan de parecerse a esos elementos de la naturaleza. Pensemos en la Casa Mila de Gaudí como su construcción trata de imitar la vista de una montaña compuesta por cuevas de diferentes tamaños.
3. El modernismo es un movimiento elitista. Se valoran mucho mas los objetos artesanales que aquellos que han sido prefabricados, es decir aquellos más exclusivos, mas caros, aquellos que marcan la diferencia entre una clase social mas alta y otra más baja es lo que diferencia estos objetos. Por tanto se produce una valoración del trabajo artesanal honrado y humanizado.
4. Frente a las grandes escuelas, como por ejemplo la de Chicago, el Modernismo valora el trabajo del autor y sus colaboradores.
5. El Modernismo es un estilo aceptado por la aristocracia y por la burguesía progresista, una de las condiciones para conseguir el éxito. Serán muchos los aristócratas que encargarán obras a los arquitectos modernistas, como por ejemplo Eusebio Güell que mandará construir el Parque que lleva su nombre y la Basílica de la Sagrada Familia.
6. Se utilizan nuevos materiales como el hierro o el hormigón, eso permite realizar edificios más altos y mas resistentes que los anteriores.
7. El Modernismo es un arte exclusivo y en difícil acceso.
8. Muy importante es la comunicación, la revolución de la comunicaciones que se vive a finales del siglo XIX permite la difusión del movimiento a través de revistas y periódicos.

El bronce del Carriazo y la civilización de Tartessos en España

La civilización de Tartessos es una de las más extrañas y enigmáticas de las que existen en la antigüedad, se trata de una colonización de fenicios procedentes de Tiro que llegarían a establecerse en la Península Ibérica. Desde aquí se dedicarían al comercio con otras zonas mediterráneas, zonas importantes como Grecia o Etruria serían destinos comerciales de este territorio, rica en minerales y también en productos agrícolas como el aceite o el vino.

Esta civilización se extiende por toda Andalucía, aunque las zonas de mayor desarrollo y donde más restos han sido encontrados ha sido en las actuales provincias de Huelva, Sevilla y Cádiz.

La influencia oriental se puede apreciar en la deidades que están presentes en su panteón y que aparecen en algunas representaciones.

Quizás el ejemplo más representativo de esta civilización sea el Tesoro del Carambolo, conservado en el Museo Arqueológico de Sevilla, cuya entrada es gratuita para españoles, se trata de 21 piezas de oro de 24 kilates que tendrían un peso aproximado de 3 kilogramos.

La figura que nos ocupa se conoce con el nombre de bronce Carriazo y es sin duda una de las piezas más conocidas de la civilización Tartessica, se trata de una pieza realizada en bronce que se piensa pudo pertenecer adorno de un caballo. Esta datada entre el 625-525 a.c Apareció en la ciudad de Camas a solo unos kilómetros de Sevilla y fue hallado de forma casual por el arqueólogo Juan Mata Carriazo cuando recorría un mercadillo de la ciudad del Guadalquivir. Se trata de una representación de la diosa fenicia Astarte acompañada por dos aves cuyas alas se juntan en la cabeza de la diosa. Representa el dominio de la diosa sobre la naturaleza. Esta diosa simboliza el culto a la madre naturaleza, conectada esta idea con la fertilidad, era la patrona de la ciudad de Tiro, también tenía connotaciones relativas a la guerra. Sin duda una de las joyas de esta época y civilización tan desconocida y fascinante.

El surrealismo y el sueño

Este es el título de una exposición que puede contemplarse hasta el 12 de enero de 2014 en el Museo Thyssen de Madrid, pero sobre la que nos gustaría llamar la atención sobre alguno de los artistas participantes.

Comisariada por el profesor y político José Jiménez, recordemos que fue director general de Bellas Artes siendo ministro Cesar Antonio Molina, la exposición trata de acercarnos a la esencia del surrealismo y una de sus características principales, la versión o la influencia onírica en la obra de diferentes artistas. Si quieres conocer algo más de la exposición el Museo ha editado un cuadernillo interactivo al cual enlazamos.

Frente al automatismo reclamado por algunos y ya expuesto en nuestra explicación del surrealismo para niños, la otra vertiente expresada por los artistas surrealistas es la representación del mundo de los sueños, quizás el mejor representante del surrealismo y el más conocido sea Salvador Dalí, aunque los surrealistas de la época preferían la forma de expresar el movimiento que realizaba Miró que la del pintor ampurdanes, siempre más cercano a lo comercial.

Pero nos gustaría llamar la atención sobre un personaje que aparece en la exposición, una artista muy poco reivindicada y que juega un papel muy importante en las cuestiones de género a principios del siglo XX, se trata de Claude Cahun.

Nacida como Lucy Schwob en el año 1894, Claude Cahún sería el seudónimo con el que iba a actuar, desde su primer retrato realizado en el año 1911 hasta su muerte acaecida en 1954, estuvo vinculada a las cuestiones de género. Su condición de homosexual pudo influir mucho en su comportamiento y en la forma de presentarse en diferentes autorretratos fotográficos, vestida de mujer o de hombre, pero en ambos casos jugando con la ambigüedad en la representación para inducir al espectador la duda sobre aquello que estaba contemplando. Esa ambigüedad que practica en su obra le lleva a convertirse en una artista muy original y muy poco valorada en su época, siendo la nuestra mucho más abierta a estas cuestiones de género cuando se ha empezado a descubrir y otorgar el sitio que merece dentro de la historia del arte. Pero al mismo tiempo que juega constantemente con su identidad se siente influida por los movimientos artísticos que van tomando forma a lo largo de estos años pudiendo adscribir algunos de sus retratos, como ocurre en este caso al ambiente surrealista, aunque no sabemos si la propia artista lo pretendía o bien estaba más cerca de la provocación dadaista con sus retratos masculinos, para los que se arreglaba de forma especial, destacando siempre sus rasgos distintivos, como por ejemplo su larga nariz. Ya sabemos que sugerir en la mayoría de los casos tiene mucho más éxito que provocar, porque lo obvio es demasiado explícito y lo ambiguo en cambio nos conduce a una reflexión, tan de moda en el arte contemporáneo y de la cual Claude Cahun es una de sus grandes pioneras hace ahora un siglo.

Claude Cahun se autorretrata como un dandy

Velázquez y la Familia de Felipe IV, el retrato

Retrato de Felipe IV

Desde hace pocos días se celebra una exposición en el Museo del Prado sobre la faceta de Velázquez como retratista que las fechas indican estará abierta hasta el día 9 de Febrero de 2014.

La exposición abarca la faceta del genio sevillano como retratista durante los últimos 10 años de su vida, poniendo especial interés en los retratos que realiza de los diferentes miembros de la familia real.

Es curioso por ejemplo observar los retratos que realiza Velázquez del rey Felipe IV, ya que disponemos de varios realizados a lo largo de su carrera, mientras en los de la primera época se muestra a un rey joven, con bastante ímpetu y una persona cercana a la cultura, los retratos de última época muestran a un rey con muchas ojeras, cansado, hastiado del gobierno y con muy pocas ganas de seguir adelante.

Es un punto interesante de señalar ya que Velázquez cuando realiza retratos es capaz de penetrar en el interior del personaje y mostrarnos su yo interior, su estado de ánimo o aspectos importantes de su personalidad que a primera vista podían pasar desapercibidos, esa es una de las ventajas de este artista.

Este aspecto puede notarse con facilidad en los retratos que realiza de algunos de los bufones que trabajaban en la corte y a los cuales Velázquez presenta leyendo libros o en tareas intelectuales alejadas de su finalidad en la corte, que era la de divertir al rey y su familia con sus representaciones o simplemente con sus deformidades.

Es muy posible también poder observar en la exposición como Velázquez, frente al detallismo de su primera etapa, realiza una pintura muy suelta, mucho más rápida, pero la calidad de la pintura, de los objetos representados, no se resiente lo más mínimo, produciéndose un aumento del uso del color rosa en diferentes tonalidades, que es tan del gusto del artista sobre todo en este último tramo de su vida.

Las meninas, incluido en la exposición, se considera como un cuadro de retrato más, indudablemente más que el tema representado, aparecen en él gran parte de los miembros de la familia real acompañados del artista.

Retrato de la Infanta Margarita

Historias de la Biblia para niños. María como mujer culta

Sandro Botticelli. Anunciación

Una de las escenas que más se han representado en la historia del arte occidental es La Anunciación, escena que protagonizan el Arcángel Gabriel y la Virgen María, en la cual el enviado de Dios pregunta a la Virgen si quiere ser la madre de Dios y ella acepta.

Hay dos cosas que nos llaman la atención de este tipo de escena. En primer lugar en algunos de los cuadros la Virgen se muestra asustada o sorprendida por la presencia que se encuentra en ese momento en la habitación, algo normal. No tenemos más que pensar que pensaríamos nosotros si de repente en nuestra habitación aparece un ángel para hablar con nosotros, seguramente el susto sería tremendo, pues así es como debemos verlo.

En segundo lugar llama la atención la actividad que lleva a cabo la virgen mientras Gabriel se presenta delante de ella, en muchos casos tiene un pequeño atril donde hay situado un libro en el que la Virgen está leyendo. Es decir la Virgen María en su tiempo libre estaba dedicada a la lectura. Hay que realizar varios apuntes sobre esta situación. La Madre de Dios no es una mujer del pueblo, una cualquiera, sino alguien que sabe leer y que practica la lectura de forma constante. No tenemos más que pensar en el índice de alfabetización de la época en Israel, sería un porcentaje muy bajo o ínfimo, pero María sabe leer, la Madre de Dios es una mujer culta y entre otras razones por eso ha sido elegida para este cometido. En los casos en los que aparezca realizando labores propias del hogar o de una ama de casa, suele aparecer en algún lado de la habitación, un libro que sugiere el tema del que estamos hablando.

También observamos como en algún lugar de la pintura aparece una azucena o un pequeño jarrón o búcaro que guarda esta flor de color blanco en su interior. La azucena simboliza la pureza y alude a la virginidad de María en el momento de quedarse embarazada.

Paolo Veronese. Anunciación

Principales características del arte musulmán para niños

Cúpula y mocarabes de la Sala de los Abencerrajes. Alhambra de Granada

Hay tres elementos que son muy importantes en los edificios que construyen los musulmanes, principalmente en España. Agua, arquitectura y vegetación se encuentran perfectamente unidos de manera que en la misma construcción podemos encontrar fuentes con el agua en movimiento, como símbolo de renovación. Jardines o laberintos para el esparcimiento y la construcción en si mismo donde los musulmanes despliegan su gran sentido decorativo.

No podemos decir que en las construcciones usen un tipo de arco concreto, porque existen arcos de todo tipo en sus construcciones, aunque en muchos casos imitan el tipo de arco utilizado en la Mezquita de Córdoba, concretamente el arco de herradura.

Prácticamente cada uno de los elementos que usan tienen previsto incrementar la decoración de salas y espacios. En algunos casos llegan a llenar toda la sala con estos elementos decorativos, en un "horror vacui" (temor al vacío), que no deja ninguna parte sin decorar, esto podemos observarlo perfectamente en algunas salas del Alcázar de Sevilla o bien en otras de la Alhambra de Granada. Esta decoración tendrá su influencia en algunos edificios de tipo plateresco que se construyen en distintas zonas de España, sobre todo a la hora de realizar un contraste entre la zona decorada y la zona sin decorar.

La decoración suele ser de tipo vegetal en su mayoría, ya que los musulmanes no podían decorar con figuras humanas ni animales, por tanto utilizan la imitación de elementos de la naturaleza. A ello le acompañan escritos realizados con una letra muy elegante, de tipo "cufico", una letra que provenía de la zona de Arabia Saudi o Irán. Podemos encontrar escritas con este tipo de letra muchas frases del Corán que nos transmiten una alabanza a Dios y que no desentona con el resto de la decoración.

La mayoría de los techos que cubren las habitaciones suelen ser de madera, era un material fácil de conseguir, mas barato y menos pesado que la piedra, además es más fácil realizar tallas sobre madera que sobre piedra, de manera que las cubiertas ganan también en decoración con formas llenas de elementos como los mocárabes, que podemos comparar con formas de lágrima que penden de la cúpula o algunas esquinas de las salas musulmanas.

Salón de Emabajadores del Alcázar de Sevilla

¿Que es una bóveda de arista?

Algunos de los términos arquitectónicos mas utilizados son en ocasiones complicados de comprender sin poder apreciarlos "in situ", por eso vamos a intentar aportar una definición de una bóveda de arista, como es y como se forma, indicando cuales son los estilos donde con más frecuencia solemos observarla.

Ya habíamos hablado en el blog de la definición de una bóveda de crucería, que es el resultado de cruzar dos arcos apuntados, de manera que los nervios se cruzan en una clave o parte central del arco que se pueden apreciar perfectamente desde el suelo, tanto los nervios como la clave.

Para comprender lo que es una bóveda de arista primero debemos comprender lo que es una bóveda de cañón, podríamos decir que una bóveda de cañón es el resultado de prolongar un arco de medio punto, un arco con forma semicircular a lo largo de la nave o de un eje longitudinal. 

Si cruzamos dos bóvedas de cañón, una que vaya en dirección norte y otra que vaya en dirección este el resultado del cruce de dos bóvedas de cañón es una bóveda de arista, que podremos distinguir por las pequeñas líneas de forma diagonal que se forman tras el cruce de estas bóvedas de cañón.

La bóveda de arista se usaba en la arquitectura romana, donde uno de los arcos más utilizados es el arco de medio punto y también las bóvedas de cañón, pero el periodo donde más se va a repetir este tipo de bóveda es durante el arte románico (que como sabemos trataba de imitar el tipo de construcciones romanas). Muchas catedrales románicas repiten una estructura con bóveda de cañón en la nave central y bóvedas de arista en las naves laterales, como por ejemplo sucede en la Catedral de Santiago de Compostela