¿Qué es la transvarguardia?

Estamos ante uno de los últimos movimientos artísticos que tuvo lugar a finales del siglo XX, más concretamente en la década de los 80 y 90, siendo su principal lugar de desarrollo Italia, aunque desde allí se extendió a otros países, en los cuales encontramos también representantes de este estilo.

Debemos ponernos en situación para poder entender mejor el surgimiento de la transvarguardia en Italia. ¿Cuales son los estilos que triunfaban en este momento? Tenemos tres referencias de las cuales debemos hablar.

En primer lugar uno de los estilos de moda era el arte conceptual, en este estilo la obra en si pierde su sentido para ser sustituido por una idea sobre la que el espectador debe reflexionar. Es algo que no hemos perdido en el arte actual, aunque las obras han ganado en protagonismo desde entonces. Junto al concepto también se dan sus primeros pasos el videoarte y el body art ligado a la performance.

En segundo lugar el arte pop que tenía una gran implantación a nivel mundial, en este caso la obra ha perdido en gran parte su protagonismo y su originalidad, porque la reproducción y la copia están a la orden del día.

Por último estamos ante los últimos coletazos del informalismo, un movimiento abstracto que tiene sus orígenes en los años 50 relacionado con el expresionismo abstracto y que en Europa tendrá bastante éxito, sobre todo en España con representantes como Tapies, Millares o Antonio Saura.

A todo ello debemos añadir la gran presencia en Italia del arte povera, el uso de materiales de desecho para la composición de obras donde la parte conceptual juega un papel importante.

En este contexto tenemos un grupo de pintores italianos que aboga por la vuelta de la pintura a la esencia, en una mirada a los clásicos que tratan de repetir. Los temas estarán tomados de todo tipo de referencias, pero la obra será el elemento más importante, apartándose del discurso conceptual. Tenemos el tema a tratar y el protagonismo de los personajes y el color. Por tanto la obra de transvarguardia será una obra figurativa. Una de sus mayores referencias será la pintura manierista tanto en la composición de las figuras como en el uso del color. También se vieron influenciados por periodos como el barroco o el futurismo.

El grupo surge en el año 1979 y fueron presentados por primera vez en España con motivo de la celebración de la Feria de ARCO en el año 1982. Otros artistas españoles seguirán esa estela de nuevo realismo ligado a movimientos culturales como la movida madrileña. Hablamos de artistas como Guillermo Pérez Villalta por ejemplo. 

Frida Kahlo para niños

Estamos ante una de las artistas más populares del siglo XX, cuyo recuerdo se ha mitificado tras su muerte. Parece que hay dos figuras cuyo merchandising se ha extendido como una mancha de aceite una vez que fallecieron. Uno es la figura del Che Guevara y la versión femenina la encontramos en Frida Kahlo cuya imagen decora todo tipo de objetos y camisetas.

Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Frida Kahlo debemos decir que era de origen mejicano, nació y murió en Cayoacan. Su padre era alemán pero emigró a Méxicoy allí se casó varias veces. La figura de su padre fue muy importante en su vida. A los dos les unía la enfermedad y se atendieron mutuamente. Frida, siendo muy niña, padeció una poliomelitis, que la obligó a permanecer en cama mucho tiempo. Su padre estuvo muy pendiente de ella y le ayudó a superar la enfermedad (una de sus piernas era mas pequeña que la otra) animándola a practicar deportes una vez superada, ya que el ejercicio físico solo podía hacerle bien. Por su parte el padre de Frida sufría constantes ataques de epilepsia, una vez detectados por su hija, cuando estaban juntos reaccionaba ayudándole a superar este trance.

Y es que la vida de Frida Kahlo está marcada por la desgracia, no solo por su enfermedad que la llevó a sentirse aislada de otros niños, ya que no podía realizar las mismas actividades que ellos. El accidente que sufrió cuando el autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía, cuando contaba 19 años, fue terrible. Columna vertebral rota por tres partes, una de sus piernas con 11 roturas, la cadera, una barra de hierro que le atravesó. Bueno, algo tremendo. Pero siempre observamos en Frida una fuerza de voluntad, una gran lucha interior por salir adelante, por superar estas enfermedades y por no ser menos que ningún otro ser humano. Como consecuencia del accidente fue operada hasta en 32 ocasiones.

Su producción artística no es muy extensa, conservamos 200 obras de la artista. El estilo de Frida Kahlo es difícil de definir. André Bretón dijo de ella que era una pintora surrealista, pero la propia Frida lo negaba diciendo que ella no pintaba sueños sino escenas de su propia vida. La autobiografía está muy presente en su trabajo. La artista estaba convencida de que la obra de cualquier artista debía reflejar su propia vida. Prueba de ella es la gran cantidad de autorretratos que se conservan de Frida Kahlo. Pero si no calificamos su obra como surrealista, ¿donde situarla? Hay quien quiere ver una influencia expresionista en su trabajo salpicado con elementos de la cultura popular mejicana. que están presentes en la mayoría de sus trabajos.

Frida Kahlo se casó con el pintor y muralista mejicano Diego Rivera. Tuvieron una relación tormentosa y plagada de infidelidades, primero por parte del pintor y después de ella, tanto heterosexuales como lésbicas, tratando de provocarle celos, cosa que conseguía ya que Diego Rivera tenía en esto una actitud bastante machista. Pero sin duda fue el gran amor de su vida y Frida sufría mucho con las infidelidades de su esposo, la que más le afectó fue el affaire que tuvo con la hermana de Frida de nombre Cristina.

Fue una mujer muy admirada en los círculos artísticos por su forma de pintar. Recibió elogios de artistas de la talla de Pablo Picasso o Vasili Kandinsky por su habilidad como retratista.

Jospeh Beuys para niños

Cuando hablamos de Joseph Beuys no debemos pensar en una obra de arte tradicional, por ejemplo una pintura o una escultura. Estamos hablando de un nuevo concepto de obra, ligado a la acción artística, una experiencia docente en la que trata de transmitir una información que sirva al público como elemento de reflexión. 

Vamos a poner un ejemplo para poder entenderlo de forma fácil. Una de las obras más conocidas de Beuys se llama Como explicar los cuadros a una liebre muerta. En esta obra el artista se puso miel y pan de oro sobre la cabeza y le hablaba a una liebre muerta que sostenía en sus brazos, acerca de su obra.

Este tipo de acción tiene mucha conexión con el dadaismo, cuya influencia es muy notable en el movimiento Fluxus, al que Beuys pertenecía y fue uno de sus representantes más activos. Recodemos que el dadaismo a través de Marcel Duchamp introdujo la idea del readymade. Cualquier objeto para ellos es susceptible de convertirse en una obra de arte, solo tiene que existir la intención de que así sea. Cuando Marcel Duchamp llevó a una exposición un urinario en 1917 tenía intención de que se convirtiera en un objeto artístico, solo por el hecho de ser expuesto en un Museo. Aunque no lo creamos esta idea ha tenido una influencia tremenda en el arte del siglo XX hasta nuestros días.

Beuys trataba de cambiar el concepto de la enseñanza, la obra de la liebre asume que el artista se encuentra enseñando arte a una sociedad que se encuentra muerta, una sociedad a la que trata de curar y salvar al mismo tiempo a través del conocimiento.

Vamos con otro ejemplo, en su obra 7000 robles, realizada para la Documenta de Kassel, la propuesta del artista fue realizar una reforestación urbana de todos estos árboles. Se fueron plantando poco a poco, de hecho tardaron varios años en completar la obra que se encarga de cuidar la propia ciudad de Kassel. Se trata de una reflexión sobre el papel de la integración del habitat urbano y la naturaleza, a veces abandonada por los intereses inmobiliarios. 

Así que muchos de los aspectos de la obra de Beuys tienen algo de performance. Para realizar estas acciones artísticas utiliza multitud de objetos. Algunos se repiten y tienen que ver con episodios de su propia vida. Por ejemplo, tras estrellarse su avión en Crimea durante la segunda guerra mundial, los tártaros envolvieron su cuerpo en fieltro y grasa para evitar que muriera congelado. Estos dos elementos se repiten de forma constante en su trabajo. Esos objetos tienen una fuerte conexión con el readymade del que antes hemos hablado.

Composición en rojo, amarillo y azul de Piet Mondrian

Piet Mondrian es uno de los artistas más interesantes del siglo XX. Este autor, de origen holandés, sufrirá una profunda evolución en su pintura hasta llegar a la abstracción más sublime, que hoy analizamos en este cuadro.

Mondrián comenzó siendo un pintor impresionista, pero a comienzos del siglo XX se verá influido por otros movimientos que surgen en ese momento. Así tendrá una etapa puntillista, postimpresonista, fauvista y cubista, ya que en 1911 estaba practicando este estilo y se produce un cambio en su forma de entender el arte y la pintura. Evoluciona desde el cubismo a la abstracción geométrica pura.

Básicamente la obra que analizamos se compone de líneas rectas y colores primarios. Todo muy ordenado, con idea de que la pintura se encuentre en armonía con la naturaleza y el universo. La geometría juega un papel muy importante en su obra. A este movimiento y esta forma de pintar se le conoce con el nombre de neoplasticismo.

Estas composiciones, que pueden resultar para nosotros de lo más extrañas, para el artista tenían una conexión casi divina. Las formas horizontales y verticales separaban polos opuestos como por ejemplo lo espiritual y lo material, la dicotomía hombre o mujer. La unión de las líneas, los puntos de encuentro representaban la felicidad.

Es decir nos encontramos con unas formas muy sencillas en su composición pero como podemos observar con un análisis muy profundo y cargado de significado.

Quizás la vida es algo más simple que las complicaciones que cada día nos podemos encontrar, muchas de ellas creadas por nosotros mismos. Por eso la pretensión de Mondrián es reducir los problemas a su mínima expresión. Se trata de una manera simple de ver la vida. Frente a la complicación de otros artistas él buscaba la simpleza más absoluta.

El uso de líneas rectas, que fue pintando con carboncillo, antes de rellenar de color, tiene que ver con su idea de evitar cualquier sensación de profundidad que pudiera crear una línea curva o diagonal. Una vez se enfadó con uno de sus colegas por usar la línea diagonal, incluso abandonó el movimiento neoplasticista por ello, para él eso era un sacrilegio.

Los colores que usa son colores básicos-primarios, mezclados nos pueden ofrecer una amplia gama, pero el artista decidió que debía usar solo estos tres y no mezclados entre ellos. Blanco tratando de crear espacios vacíos y el negro delimitando las líneas se suman a esta composición.