Fotografía básica para niños. La regla del horizonte

Hoy día no hace falta ser un experto fotógrafo para realizar fotografías. Es más, los mas jóvenes, gracias a los teléfonos móviles, están acostumbrados a tomar fotos desde el principio y compartirlas en programas ahora tan populares para ellos como Instagram o Snapchat.

Para aquellos que se preocupan de que sus fotografías tengan algo de calidad, existen una serie de reglas básicas que harán que nuestras instantáneas sean más atractivas para aquellos que las ven y, en este caso, aumenten nuestra vanidad con un mayor número de likes en las diferentes redes sociales. Una de ellas es respetar la regla del horizonte, que, como vamos a ver es algo muy simple.

El horizonte es, en fotografía, uno de los elementos más representados, sobre todo en la fotografía de paisaje. Esta puede incluir al ser humano, algún objeto o los elementos que componen el paisaje.

La regla del horizonte deriva de la regla de los tercios, en esta última tenemos cuatro puntos donde se juntan las líneas horizontales y verticales que son más atractivos para situar aquello que queremos destacar en nuestra fotografía.

En la regla del horizonte lo que hacemos es dividir la fotografía en dos líneas horizontales, así nos quedan tres partes completamente iguales en las cuales se divide la foto. Podemos con ello dedicar una parte al horizonte y otras dos partes a la tierra o mar que deseemos representar.

Aunque si consideramos que nuestro horizonte tiene algo mucho mas reseñable, como puede ser un vigoroso atardecer, una poderosas nubes o cualquier fenómeno meteorológico que sea destacable, podemos dedicar dos partes al horizonte y una solo a la tierra.

La propia cámara del teléfono móvil nos ayuda ya que la gran mayoría vienen preparados para aplicar la regla de los tercios por defecto y apoyándonos en esas líneas horizontales podemos componer nuestro paisaje y nuestro horizonte.

Conviene recordar otra cosa respecto al horizonte, este debe aparecer en la fotografía lo más recto posible. De esta manera nuestra fotografía destacará mucho más que si se encuentra en diagonal o con algún otro tipo de alteración.

Esta regla del horizonte no sirve solo para representar el paisaje sino que también nos sirve en cualquier tipo de fotografía para separar las diferentes partes que componen la misma, en la cual lo que pretendemos es dividir la imagen en diferentes partes.

Umberto Eco y la propagación de las reliquias

El reciente fallecimiento del semiólogo y gran pensador de nuestro tiempo Umberto Eco nos ha traído a la memoria una de sus novelas de nombre Baudolino donde se plantea el tema de la distribución de diferentes reliquias durante la Edad Media en Europa, con algunos resultados bastante sorprendentes.

Nos cuenta el libro que hubo un momento en que era posible encontrar tres cabezas de Juan Bautista distribuidas por diferentes lugares del continente, compitiendo entre ellas por su autenticidad e intentando que todo el público posible visitará estos lugares debido a la presencia de una reliquia tan importante como esta. Actualmente esta noticia abriría cualquier boletín de noticias pero entonces carecían de la sobre-información de la que disponemos ahora, no enterándose de este cúmulo de contradicciones.

Es muy posible que ninguna de esas cabezas fuera autentica y que la única pretensión de los que decidieron anunciar la noticia fuera potenciar el mercado emergente o con cierto desarrollo que ya tenía la ciudad de turno. No olvidemos que en torno a la Catedral surge siempre un mercado en la misma plaza donde está ubicada, así podemos observarlo en el románico y con un mayor desarrollo en época gótica.

Había reliquias la mar de curiosas, nos gusta poner el ejemplo de Roncesvalles (una de las primeras paradas de los peregrinos que llegaban desde alguno de los caminos franceses en su ruta a Santiago de Compostela)  donde se conservaban reliquias tan curiosas como unas espinas de la corona de Cristo, restos de pan y de vino de la última cena o unas gotas de leche que la Virgen se había sacado del pecho cuando le dio el pecho al niño (no quiero ni pensar en el estado de esa leche tras más de 1000 años).

Roncesvalles. Inicio del Camino de Santiago en España

Todo para concluir que se jugaba con las creencias de la gente y se les manipulaba de forma burda con la finalidad de atraer cuanto más publico posible a la iglesia, monasterio o catedral.

Quizás el ejemplo más cercano y más exitoso sea el del cuerpo del apostol Santiago en la ciudad de Compostela, sin poner en duda su autenticidad, la historia de la llegada del cuerpo tras morir en Jerusalem en el año 44 d.c. impulsado por el viento, cruzando el mar Mediterráneo y el estrecho de Gibraltar hasta llegar a Galicia, parece de verdad más argumento de película (épica) que una realidad.

Pero la conclusión a todo este tema (quizás engaño masivo) es que no importa lo que este depositado en estos lugares, si es verdadero o falso, lo importante es lo que la gente crea. Si ellos en general están convencidos de que lo que allí tienen delante es verdadero y ello les mueve a rezar, realizar buenas acciones o darse a los demás, bienvenida sea la supuesta reliquia ya que lo único que provoca es bien y, muchas veces, estamos bastante faltos de estas acciones en nuestra sociedad contemporánea.

Reliquias de San Lazaro de Betania en Autun. Francia

El pintor francés George La Tour para niños

George La Tour puede ser considerado el mayor representante del los pintores tenebristas franceses que tuvieron su actividad en la primera parte del siglo XVII. Ahora que el Museo del Prado dedica una exposición a este artista aprovechamos para conocer un poco más acerca de su vida y su obra.

A George la Tour le sucede como a El Greco, tuvo éxito en vida, pero una vez que falleció, sus obras cayeron en el olvido y no fueron recuperadas hasta mediados del siglo XX, con motivo de varios estudios realizados sobre el tema.

El artistas estuvo afincado en el ducado de Lorena, un territorio independiente que se encontraba casi todo este tiempo en disputa entre el estado francés u el imperio Austro-Hungaro. El artista se vio afectado por diferentes saqueos, pillajes, entradas de diferentes ejércitos y la guerra de los 30 años, que tiene lugar por ese momento.

Para poder centrarnos en las fechas sobre las que estamos hablando debemos decir que George La Tour nació en 1593 y falleció en 1652. Por tener una idea similar sobre estas fechas Diego Velázquez vivió en unas fechas similares a las del artista francés 1599-1660

En esta época muchos artistas europeos están influidos por el tenebrismo, del cual podemos decir que había dos grandes escuelas. Primero la italiana, con Caravaggio al frente, un avanzado a su época con un uso magnífico del claroscuro y un realismo descarnado que llamaba la atención a los habitantes de Roma en ese momento. Una segunda escuela sobre el tenebrismo la tenemos en los Países Bajos, en concreto la escuela holandesa establecida en Utrech, con los que La Tour tiene más conexiones. No sabemos si el artista realizó algún viaje a estos lugares o bien si es posible que a través de reproducciones conociera muchas de estas obras realizadas en la época.

La gran originalidad de la obra de George la Tour se encuentra en el elemento que ilumina la escena representada, se trata normalmente de una vela o un candil, a veces una antorcha. Se trata en cualquier caso de una luz artificial que puede iluminar más la parte izquierda o derecha del mismo. Esto muestra una gran diferencia con Caravaggio donde la luz suele ser artificial y proviene de un punto externo (situado en la parte izquierda) que es difícil de identificar.

La mayoría de los temas representados son religiosos y escenas de devoción, no se dedicó a otros géneros. Sus pinturas transmiten un gran equilibrio. Sin duda es uno de los artistas más importantes del barroco y el máximo representante francés del momento.

El artista pop Keith Haring para niños

Las imágenes de Keith Haring forman parte de subconsciente colectivo y son ampliamente reconocibles gracias al merchandising que han generado, creando una iconografía pop muy cercana al gusto de la gente.

Haring es un artista americano, nació en la localidad de Reading, en el estado de Pensilvania. Fue en el año 1958. También debemos decir que Haring falleció tempranamente en el año 1990 victima, como otros mucha otra gente en ese momento de la enfermedad del SIDA.

Su trabajo está muy unido a la cultura urbana de la ciudad de Nuva York y aparece como un continuador de la cultura pop que había tenido un gran desarrollo durante los año 70 con figuras como Andy Warhol.

El dibujo forma parte de su trabajo desde muy joven, era un maniático del dibujo. Pero para pulir su forma de hacer estudio arte en una escuela de Pittsburg para trasladarse posteriormente a Nueva York, donde finalmente desarrollara su estilo.

La obra de Keith Haring tiene un origen callejero, esta muy unido al graffiti, de hecho fue detenido en varias ocasiones por pintar en lugares públicos, podemos considerarle como un pionero del arte urbano, pero sus figuras son tan reconocibles que se trata de uno de los primeros artistas callejeros que se hicieron hiperfamosos. Ahora estamos más acostumbrados al triunfo de estos artistas, Bansky puede ser un buen ejemplo, pero existen artistas urbanos con maravillosas intervenciones que viajan de ciudad en ciudad dejando pinceladas de su arte. Haring en este aspecto es un pionero y punta de lanza en este aspecto.

Muchas de sus obras buscan inspiración en formas cercanas a los dibujos animados que se emitían en ese momento en la televisión americana. Muchas de sus obras en la calle fueron realizadas con tiza, bien blanca o de diferentes colores, en vez de spray como solían usar otros graffiteros del momento.

Su iconografía ha inundado todo tipo de merchandising, sus formas simples conectan perfectamente con la demanda del público. Pese a su temprano fallecimiento su obra ha trascendido debido a su simpleza y al mismo tiempo por su originalidad.

Es muy fácil trabajar con niños gracias a la obra de Keith Haring, ya que se puede trabajar con las siluetas de los pequeños para crear diferentes posiciones tanto de piernas como de brazos y después, en estas figuras grandes rellenar de color las siluetas con distintas tonalidades. Haring no parece un artista difícil para que los pequeños puedan reproducir su trabajo.

La Madonna de Edward Munch

Munch es quizás el artista mas representativo del expresionismo, un movimiento entre cuyas características se incluyen el uso de unas largas y sueltas pinceladas, el contraste de colores, con una gran presencia de colores oscuros y unos temas que sueles ser trágicos o tristes. Tenemos una gran referencia en España de este tipo de obras, ya que Francisco de Goya realizó sus pinturas negras en los muros de su domicilio con este estilo, incluyendo deformidades en la cara o el cuerpo de los personajes, debido al uso de una pincelada excesivamente suelta.

Munch vivió entre 1863 y 1944 por centrar la época en la que nos situamos, es decir es un artista que trabaja a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en plena efervescencia de diferentes estilos artísticos que conviven buscando nuevas vías para una pintura asustada por el auge y la perfección de la fotografía.

Existen varias versiones de esta Madonna que hoy nos ocupa, concretamente cinco, que incluyen pequeñas variaciones entre ellas, pero mantienen la posición y composición de la figura representada. Esta obra estaría realizada entre los año 1892-1895. Por tener una referencia, la obra más conocida de Edward Munch, El Grito, fue pintada en el año 1893, es decir estamos en la misma época en la que pinta su obra cumbre.

Lo que es bastante extraño es interpretar lo que quiere representar en esta obra. El título alude a una representación de la Virgen María. Aunque es cierto que Munch no mostró ningún interés por la temática religiosa y menos en el momento en que pinta la obra, con lo cual existen bastantes dudas sobre si esta obra puede representar a la Virgen María. Resultaría muy extraño que además de muestre en esta postura tan sensual y provocativa.

Mas bien deberíamos inclinarnos a una representación del amor, el amor decadente, al mismo tiempo sensual y provocativa, ya que cierra los ojos, como si estuviera disfrutando el momento y levanta uno de sus brazos para poder destacar sus atributos personales, una idea que ya utilizó Ingres en El Baño Turco o que hará Picasso después en Las Señoritas de Aviñón.

Al mismo tiempo sugiere la posición y forma de figuras de mártir, como San Sebastián representado por Boticelli, una sugerente figura que acepta su destino de ser atravesado por las flechas lanzadas por sus torturadores.

Fotografía para niños. La regla de los tercios

Vivimos en un mundo donde la fotografía ha invadido la forma que tenemos de tomar y compartir imágenes con nuestros amigos y sobre todo en las redes sociales. Actualmente los mas pequeños tienen teléfonos móviles muy pronto y toman fotografías que han hecho de algunas redes las más populares entre ellos, nos referimos a Instagram o Snapchat.

Algunos nos están preocupados por la calidad de las fotografías y simplemente suben lo primero que sacan con tal de que sea divertido y se les vea bien, pero en cambio hay otro grupo de personas a los cuales si les importa la calidad y tratan de hacer el mismo tipo de fotografías pero teniendo en cuenta algunas cosas básicas que puedan hacer más atractiva la fotografía.

Aquí es donde podemos citar algunas reglas básicas como la que hoy nos ocupa, se trata de la regla de los tercios, algo que podemos implementar en los ajustes de nuestro teléfono móvil cada vez que tomemos una fotografía, ya que los ajustes de cada teléfono así lo permiten sea IOS o Android. Ello nos puede ayudar a situar mejor los objetos, animales o personas que queremos representar para que la atención del público que vea la foto se pueda centra en ellos.

La regla de los tercios consiste en trazar dos lineas horizontales y dos verticales que dividan la pantalla de nuestra cámara, con esas líneas nos quedan nueve partes iguales. Aquellos lugares donde estas líneas se cruzan se trata de puntos de interés más atractivos para el ojo. Allí deberíamos situar los elementos principales que queramos destacar en la fotografía.

Es decir imaginemos que tomamos un retrato de una persona, no hay que situar a esta persona en el centro de la composición sino que queda mucho mejor y más atractiva para el ojo en uno de los puntos de intersección de las líneas, es decir bien algo inclinada al lado derecho o algo inclinada al lado izquierdo.

Si tenemos dos objetos a representar conviene colocar uno coincidiendo con uno de los puntos de intersección de las líneas y otro con el lado opuesto diagonalmente. Recordemos siempre que la cámara puede ser colocada en posición vertical (mejor para un retrato) o en posición horizontal (mejor para un paisaje).

Esta regla no sirve solo para la fotografía ya que muchos pintores la utilizaban para realizar sus composiciones, eso por no hablar del cine, que al fin y al cabo también es fotografía.

Roland Barthes y el punctum de la fotografía

Hoy vamos a explicar lo que es el punctum de la fotografía, una teoría de la que habla Roland Barthes y que podemos encontrar en cualquier momento actual en el que todo el mundo hace fotos bien sea por afición o simplemente para subirlas a las redes sociales.

Cuando tomas una fotografía te fijas en algo que quieres representar, un monumento, un paisaje, una persona, un objeto, cualquier cosa es buena. Pero en ocasiones aquello que queríamos representar no es lo que más llama la atención en la fotografía sino que algo ocurre detrás o al lado que nos llama más la atención que aquello que queríamos representar y que da un ambiente distinto a la fotografía en cuestión.

Según Roland Barthes esta situación puede ser forzada o haber surgido de forma espontanea, si se da la segunda situación aparecerá en la foto un elemento siniestro e inquietante que, como hemos dicho, distrae de aquello que queríamos representar.

Vamos a describir un par de ejemplos para comprenderlo. La primera foto me la tomaron, hace poco, quería mostrar el nuevo jersey que me habían traído los reyes para poder enviarla a mi hermano. Ese es el objeto que se quiere representar. Pero como vemos la televisión que aparece detrás acapara toda la atención, con algo tan siniestro que no sabemos de que se trata, pero que indudablemente nos atrae, un gran incendio, una explosión, una bomba que ha explotado. Ahí está el punctum de la fotografía, algo que no se tenía ninguna intención de representar pero que se ha convertido en protagonista de la fotografía.

Vamos a ver otro ejemplo, aquí tenemos una fotografía de Nicaragua, donde un grupo de soldados se encuentran patrullando las calles armados hasta los dientes. Pero de pronto en el fondo de la fotografía observamos dos monjas que se encuentran cruzando la calle. Y ese detalle rompe por completo aquello que se trataba de representar, adquiriendo la fotografía una nueva dimensión, complemente distinta de la idea inicial.

Para ampliar información se puede leer Michael Freid El punctum de Roland Barthes. Cendeac 2008

Jeronimo Bosch El Bosco para niños

A lo largo del año 2016 y con motivo del quinto centenario del fallecimiento del artista, se podrá ver en el Museo del Prado de Madrid una de las exposiciones mas completas del artistas, que incluye no solo las obras conservadas en España sino en otros muchos museos como Viena, Boston, Nueva York o Venecia. Esta exposición sobre El Bosco tendrá lugar desde el 31 de Mayor al 11 de Septiembre de 2016.

El Bosco y tratamos de perfilar una pequeña biografía, es un pintor de origen holandés que nació en el año 1450 en la ciudad de Bolduque, en el sur de lo que actualmente conocemos como Holanda. Se trata de un pintor que se encuentra en la transición entre el mundo medieval y el mundo renacentista, ya que algunas de sus obras apuntan al humanismo en los temas y personajes representados.

Su familia era una familia de pintores, su abuelo y su padre se dedicaban a la pintura y también alguno de sus hermanos, que pese a ser buenos, nunca llegaron a la fama del pintor que nos ocupa.

El Bosco es conocido por sus cuadros plagados de diferentes personajes, a los que se añaden en ocasiones extrañas arquitecturas y figuras monstruosas que se encontraban solamente en la mente del artista. De ahí su influencia en artistas posteriores, tanto en artistas expresionistas (sobre todo cuando nos muestra su visión del infierno y la condenación) y en artistas surrealistas, por ejemplo con Dalí el cual reconocía una gran influencia del artista holandés. Y es que Dalí era un habitual en el Museo del Prado durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid y allí pudo observar con detenimiento los cuadros que la colección del Museo posee del artistas. Unos cuadros que fueron comprados por el rey Felipe II, una vez que el artista había fallecido, pero el interés cultural del monarca hizo que se conserve en España una colección de cuadros magnífica del artista, tanto en el Prado como en el Monasterio de El Escorial.

En las obras de El Bosco encontramos una dualidad a la que se enfrenta el ser humano, por un lado tenemos la parte que representa el bien, un lugar que siempre está expuesto al pecado y como consecuencia de este pecado llega la condenación y el caos, su visión del infierno causa un gran contraste con otras partes del cuadro donde este no está presente, allí aparecen monstruos, desorden y un colorido que crea un gran contraste con la otra zona.

Para El Bosco el ser humano no es malo, pero es una persona con mucha debilidad, expuesto permanentemente a la tentación y al pecado, en el que es muy fácil caer porque el ser humano es muy vulnerable en este aspecto.

En sus obras observamos situaciones en muchos casos divertidas, a veces imposibles o grotescas, se trata de representaciones unidas a una iconografía medieval que suele aparecer en la escultura que se representa en algunos pórticos o bien en capiteles, donde podemos observar personajes extraños y figuras cercanas a lo monstruoso. su imaginación es tan grande que a veces resulta complicado interpretar sus obras.

También incluimos la información de El Bosco en vídeo por si así es más fácil y más visual