El arte pop de Richard Hamilton en el Museo Reina Sofía

Hamilton es uno de los mayores iconos del arte pop a nivel mundial. Podríamos decir que es la referencia europea del estilo a un nivel muy similar al que ejerció Andy Warhol en Estados Unidos. El tratamiento que los dos artistas hacen de los iconos de la cultura contemporánea son muy similares, aunque intentaremos ver algunos pequeños matices e influencias diferentes entre ellos.

Quizás la obra que mejor identifiquemos con Ruchar Hamilton es una de título muy largo "Que hace que los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan llamativos" (Just What is it that makes today´s homes so different, so appealing), una obra presentada en el año 1956 dentro de una exposición titulada This is Tomorrow (Esto es mañana). En ella es muy destacable en primer lugar el uso del collage para componer los diferentes elementos que conforman la pintura, quizás porque ello enlaza con una de las tendencias que tendrá un resurgir a finales de esa década y la siguiente, nos referimos al dadaismo, al neo dada, por el cual Hamiltón se sentía influido, llegó de hecho a organizar una exposición de Marcel Duchamp por aquello años. Recordemos que al explicar el dadaismo a los niños dijimos que el collage era uno de los elementos más importantes de este estilo, entre otras razones para tratar de provocar al público.

Recordemos que el dadasimo tendrá mucha influencia en la estética punk, no tenemos mas que pensar en algunos de los dibujos realizados por Jamie Reid para componer las portadas de los trabajos, singles mas bien, de la banda de punk inglesa Sex Pitols, el uso del collage y algunos de los iconos contemporáneos nos recuerdan el estilo de Hamilton y, por supuesto, el dada.

Entonces en la obra de Hamilton reseñada encontramos muchos elementos propios de la cultura de masas, una pin up, un televisor, un culturista, un enorme chupa chup, un símbolo de la marca de coches Ford, un cartel de una película, una aspiradora, elementos claramente reconocibles en la vida diaria de cualquier persona.

Se dedico también Hamilton al diseño, quizás su obra más conocida por su excesivo minimalismo sea el White Album de The Beatles que como sabemos no tiene más que el nombre de los artistas sobre un fondo completamente blanco.

Hamilton es un artista que como muchos otros se apropia de los elementos contemporáneos para incluirlos en su obra, dándoles un nuevo punto de vista respecto al que jugaban en su contexto original.

Ahora es posible contemplar una exposición de este artista en el Museo Centro de Arte Reina Sofía que con 250 obras del artista, entre la que se encuentra la que acabamos de citar de forma extensa, permanecerá abierta hasta el 13 de Octubre de 2014, compitiendo en el eje prado con la visión contemporánea de las obras de El Greco en el Museo del Prado.

El Greco y la pintura moderna en el Museo del Prado

El año 2014 ha sido sin duda el año de El Greco en España, especialmente en la ciudad de Toledo, cuya exposición "El griego de Toledo" ha reunido una cifra de visitantes cercana al millón de peronas y ha supuesto para la ciudad un gran impulso publicitario en pos de la cultura que no debe dejar escapar.

Pero tras Toledo es la ciudad de Madrid y concretamente el Museo del Prado quien toma el relevo con la exposición El Greco y la pintura Moderna. Tenemos que partir de la base de la gran influencia que tiene El Greco en los artistas de la segunda mitad del siglo XIX y primera mitad del XX. 

Pensemos que El Greco era un pintor desconocido que fue recuperado por la pintura romántica a raiz de una exposición, desde entonces se le dedicaran varios estudios y se le reconocerá como un referente y adelantado a su tiempo por su forma de pintar y de concebir el color y los personajes que incluyen sus obras.

Algunas características de El Greco hacen del artista cretense un pintor único y diferente para los artistas que conviven en su misma época. La idea de dividir el cuadro en varias partes, el uso tan llamativo del color veneciano, la composición de las figuras en ambientes fantasmagóricos, las deformidades propias de una pintura en ocasiones excesivamente suelta, la pintura de paisaje en un ambiente tétrico y romántico, el estiramiento de cuerpos y caras, la forma que sus figuras tienen de aceptar su destino.

Como vemos El Greco es un artista con muchas influencias y también con un legado difícil de continuar y de superar. Le ocurre como a otros grandes genios españoles, ninguno de sus seguidores o gente ligada a su escuela fue capaz de continuar son su obra a un nivel similar, algo que ocurre también con otros pintores que se adelantan a su tiempo como Velázquez, con el impresionismo o Goya, con el expresionismo.

Así pues en Madrid se reúnen algunas de las obras de artistas que podemos comparar con los originales del pintor griego, hablamos de maestros como Jackson Pollock, Robert Dalunay, Ignacio Zuloaga, Edouard Manet, Amadeo Modigliani o Paul Cezanne.

La exposición permanecerá abierta hasta el 5 de Octubre de 2014 y puede visitarse con la entrada general al Museo del Prado.

La Venus de Milo para niños

Esta estatua es una de las más representativas de la antigüedad clásica. Actualmente se encuentra en el Museo de Louvre en París y podemos fecharla en torno al siglo I antes de Cristo. La escultura está enmarcada dentro del periodo Helenístico de la escultura griega (los anteriores periodos serían el arcaico y el clásico).

El periodo Helenístico abarca desde la muerte de Alejandro Magno a la conquista de los romanos del territorio griego y por tanto la fusión de las dos culturas en lo que conocemos como la antigüedad clásica, muy importante porque tanto Grecia como Roma son consideradas como el pilar de nuestra cultura, la base sobre la que se asienta la cultura occidental.

La escultura fue encontrada en una de las islas cícladas por un campesino, parece ser que cuando fue encontrada los brazos, aunque rotos, todavía se conservaban. En uno de ellos es posible que sujetara una manzana, ahora contaremos su historia, con el otro brazo la diosa podría sujetarse el vestido. Los brazos actualmente están perdidos, por tanto sería una hipótesis lo antes referido. El campesino no tenía intención de quedársela e inició tramites para venderla, pidiendo por ella un precio excesivamente alto que hizo entrar en disputa al gobierno francés y al gobierno turco, que querían quedarse con ella, siendo el francés el que finalmente se llevó el gato al agua.

Hablamos de una diosa porque esto es lo que representaría esta escultura, concretamente a la diosa Afrodita, llamada Venus, según la mitología romana. Afrodita era la diosa del amor y la belleza y era una de las más populares de la antigüedad clásica donde las alusiones a la belleza y al ideal de belleza son constantes.

Venus de Capua

Comentábamos antes que en una de sus manos la diosa sostenía la manzana de la discordia, vamos a contar esta historia, los dioses fueron invitados a la boda de Peleo y Tetis, excepto Eris, diosa de la discordia, que apareció en la fiesta con una manzana tallada en oro que sería para la mas bella entre tres diosas Afrodita, Hera y Atenea, ya que tenía inscrito la frase "para la más bella". El propio Zeus decidió que el elegido para dirimir la disputa sería Paris de Troya que recibió diferentes ofrecimientos de cada una de las diosas, pero eligió finalmente a Afrodita debido a que esta le ofreció que le daría como esposa a la mujer mortal más hermosa del mundo y eso fue lo que decantó la balanza frente a otros ofrecimientos que incluían poder o gloria en diferentes batallas. Paris finalmente desposó a Helena, esposa de Melelao, rey de Esparta, lo cual provocó la guerra de Troya con el resultado de la desaparición de la ciudad.

La posición de la escultura con una forma casi espiral nos recuerda el retorcimiento de las esculturas de este último periodo de la escultura griega, gira con una forma que se conoce como curva praxiteliana, que lo que hace es aumentar la sensación de movimiento. Esta tercera fase de la escultura griega la podríamos comparar con el periodo barroco, donde las formas se complican, se vuelven mas inestables y existe una mayor profusión decorativa. La obra tiene un acusado contrapposto, es decir, adelanta una de sus piernas sosteniendo todo el peso en la otra que permanece firme. Hay algunas personas que dicen que el autor (la obra esta firmada por Alejandro de Antioquía) se inspiró en una obra tallada por Lisipo en época clásica que lleva por título la Afrodita de Capua, una obra de la que conservamos alguna copia bajo el título Venus de Capua.

El surrealismo en España

Si tenemos que definir el surrealismo podríamos decir para explicarlos a los niños que es todo aquello que tiene que ver con el mundo de los sueños o de la imaginación. Se trata de situaciones que no tienen que ver con la realidad, pero que si cerramos los ojos podemos llegar a pensar en ellas. Algunas de estas situaciones se vuelven traumáticas y tienen que ver con problemas que tuvieron lugar durante la infancia o escenas angustiosas que se repiten constantemente en un sueño.

Ángeles Santos Torroella. Un Mundo. 1929

Claro que una segunda acepción es abandonarse a lo que mano quiera hacer o escribir, es decir delante de un lienzo dar libertad de movimiento a nuestra muñeca para componer lo que quiera salir de ella, la mayoría de las veces borrones con poco sentido. 

Para situar la fecha del nacimiento del surrealismo debemos situarnos a comienzos de los años 20 del siglo pasado, cuando Andre Betrón, el llamado padre del surrealismo, escribe un manifiesto para el movimiento, que como la mayoría de las vanguardias históricas, tenía como ideal transformar el mundo y alabar las virtudes de la estética surrealista frente a otros movimientos en vigor o ya fracasados. Podríamos decir que su influencia se extiende desde esta fecha hasta la finalización de la Segunda Guerra Mundial.

Para nosotros la parte más conocida es la pintura, Joan Miro era el más popular de los pintores surrealistas y el favorito de André Bretón, su forma particular de concebir el mundo, su pintura tan accesible y que conecta perfectamente con los niños, le hacen muy popular, con un estilo que intenta profundizar en situaciones cómicas mundos fantásticos exentos de maldad.

Maruja Mallo. La sorpresa del trigo

Es complicado acercar a Salvador Dali a los niños, su pintura tiene mucho que ver con los traumas que vivió durante su infancia y tienen una fuerte conexión con la sexualidad, por lo cual es bueno conocer su vida antes de acercarse sus cuadros pintados sobre todo entre los años 1925-1930. Dalí poseía una gran imaginación y un gran dominio de la técnica, pero las relaciones positivas y negativas que mantiene con su padre, su madre, el poeta Federico García Lorca, el director de cine Luis Buñuel, el grupo de surrealistas o la que será su esposa Gala, tienen gran influencia en su forma de pintar y en la interpretación de sus cuadros.

Aunque estos dos son los más conocidos, podemos citar otros pintores influenciados por el surrealismo en España, por ejemplo la artista Maruja Mallo, que durante la década de los 20 se acerca al realismo mágico. Otros nombres son Gregorio Prieto, José Moreno Villa o Benjamín Palencia.

Pero no podemos reducir el surrealismo solo a la pintura, ya que tendrá muchos seguidores del surrealismo literario en España, quizás el escritor más representativo sea Federico García Lorca, tanto en obras de teatro como en poesía, influenciado por Dalí dará el salto a este tipo de obras, mostrándonos su genialidad en cualquier palo que quiera tocar. Junto a él otros representantes de la generación del 27 tuvieron interés por este movimiento, por ejemplo Rafael Alberti o Luis Cernuda.

Vídeo con la biografía y principales características del pintor Diego Velázquez

Dentro de la serie dedicada a los pintores mas famosos que ha dado España tanto anteriores al siglo XX como en el siglo pasado, hoy le toca el turno a Diego Velázquez, cuya biografía y principales características de su pintura es difícil resumir en tan solo tres minutos, ya que sus constantes cambios en su manera de trabajar, sus viajes y sus influencias son de lo más variado que podemos encontrar, siendo precedente de Francisco de Goya, del cual ya hemos realizado un vídeo y de otros muchos artistas tanto españoles como extranjeros, no tenemos más que pensar en la influencia que el artista sevillano tuvo en los pintores impresionistas a mediados y finales del siglo XIX.

Bueno, pues aquí tenemos el video de Velázquez, explicado de una forma fácil y rápida e intentando aunar las etapas de su vida artísticas y algunas características de su pintura.

El pintor José Gutiérrez Solana para niños

Este artista madrileño ocupa una posición extraña dentro del arte español de principios del siglo XX, ya que su pintura es muy complicada de encajar en el concepto artístico de las vanguardias que se desarrollan en esos años y ante las cuales Solana aparece como independiente a todo lo que ellas representan.

La tertulia del Café del Pombo

Se dice que sus imágenes conectan estilísticamente con las ideas de la generación de 1898, aunque en realidad no pertenecen a ella. Sus obras se encuentran más cercanas al expresionismo, con precedentes en las pinturas negras de Francisco de Goya, pero tampoco son expresionistas, sino que tienen un punto decadente que enlaza con el costumbrismo propio de algunos artistas españoles de finales del siglo XIX, quizás con alguna conexión con Ignacio Zuloaga.

Lo cierto es que la pintura de Solana tiene un estilo muy particular y peculiar, completamente diferente a otros artistas. Cuando sus profesores de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando le preguntaban que porqué pintaba de esa manera, él se limitaba a decir: "porque me da la gana". Su pintura no tiene nada que ver con lo que se está haciendo en Europa al mismo momento.

Para trazar una pequeña biografía de Gutiérrez Solana, debemos decir que nació en Madrid en 1886, sus padres eran primos hermanos y quedó obsesionado por la muerte de su hermana María Gloria en 1891, no era un niño que hiciera cosas muy normales, las máscaras le gustaron desde muy pequeño. El desastre colonial del 98 conduce a su padre a la muerte cuando tiene 14 años y consecuencia de ello, su madre, de nombre María Manuela, comienza con trastornos mentales, que terminan en un proceso que le conduce a la locura. Como vemos el ambiente puede influir tanto en su obra como en su forma de pintar. Asistió a la escuela de Bellas Artes de San Fernando y comienza a dar importancia a temas como la muerte, la máscara, el cuerpo frío, el carnaval, beatas, curas, trabajadores, espectadores, suburbios, interiores de cafés, el anonimato. Aficionado a la tertulia, tuvo gran amistad con Ramón Gómez de la Serna, el cual le dedicó uno de sus libros y al que veía semanalmente en el Café del Pombo de Madrid. De esa ciudad saldrá en pocas ocasiones, Paris, Valencia durante la guerra civil, hizo adhesión al régimen de Franco al concluir la guerra y falleció en la capital de España en 1945.

Es un pintor que sabe perfectamente captar el ambiente, su mundo es completamente sórdido, no le interesa el paisaje o la descripción urbana, pero si los tipos, los personajes que se mueven en un ambiente concreto, sin afán ninguno de crítica, sino solo para mostrar y presentar al espectador como actúa esa gente que se mueve en el ambiente madrileño de principios del siglo XX.

Muchas veces nos muestra imágenes de una España negra, escenas de Cristo, corridas de toros, procesiones recorriendo el pueblo, son imágenes de una España tradicional, donde la cultura se mezcla con el dolor y las lágrimas, con la muerte siempre rondando el ambiente.

Solana. La visita del Obispo

El sepulcro del infante Alfonso de Castilla en la Cartuja de Miraflores de Burgos

El príncipe Alfonso era hijo del rey Juan II de Castilla y de su segunda esposa Isabel de Portugal, fruto del primer matrimonio de Juan II con María de Aragón nació Enrique IV (el impotente) que sería el sucesor cuando falleció su padre. En este segundo matrimonio nacieron dos hijos, la primera de ella la infanta Isabel, será la sucesora de su hermanastro Enrique IV cuando este fallezca y será conocido como Isabel I de Castilla o Isabel la Católica. Es decir el príncipe Alfonso era hermano de Isabel la Católica y un año y medio mas pequeño que ella.

Alfonso tuvo una corta vida y bastante difícil, apartado de la corte tras el fallecimiento de su padre, se crió en Arévalo junto a su hermana y su madre, la cual sufrió un proceso de enajenación mental y fue utilizado por su hermanastro y por los nobles en sus luchas de poder durante el reinado de Enrique IV.

En 1465 los nobles se rebelaron contra el rey y le exigieron la entrega del príncipe Alfonso para proclamarlo rey en Ávila, los nobles estaban hartos de la influencia y los favores recibidos por Juan Pacheco, Maruqes de Villena y amigo de Enrique IV desde su infancia. Pero tras numerosos enfrentamientos y en un traslado de Segovia a Toledo, poco antes de llegar a Ávila, Alfonso se acostó después de cenar una trucha en pan y amaneció muerto al día siguiente, era el 5 de Julio de 1468. El príncipe tenía tan solo 15 años, no se puede saber pero quizás fue envenenado para que no molestara en estas luchas de poder.

Estuvo enterrado en Arévalo hasta que su hermana Isabel (que estuvo muy afectaba porque amaba profundamente a su hermano pequeño), ya reina, decidió construir para él una tumba y trasladar el cuerpo a La Cartuja de Miraflores, lugar donde estaban enterrados sus padres, Juan II e Isabel de Portugal. Su hermana encargó la talla del sepulcro al escultor Gil de Siloe.

Este escultor fue uno de los introductores en el país del estilo gótico flamígero o gótico florido (hay quien lo quiere llamar gótico isabelino en honor a la reina Isabel). Era de origen flamenco, pero vino a trabajar a España y aquí se quedó realizando grandes obras, por ejemplo en el mismo edificio suyo es el retablo de la Cartuja de Miraflores, una obra cargada de decoración y detalles iconográficos de gran belleza. Será Gil de Siloe padre de uno de los más grandes arquitectos españoles e introductores del Renacimiento clásico en nuestro país, nos referimos a Diego de Siloe.

Esta profusión decorativa se puede apreciar también en la escultura que adorna el sepulcro del infante Alfonso. Vamos a fijarnos en un par de detalles donde se aprecia el detallismo con el que trabaja este maestro que realizó la obra en alabastro (material que no todos los artistas españoles dominaban mucho más acostumbrados a trabajar en madera que en materiales duros).

En primer lugar me gustaría llamar la atención sobre los guantes y los pliegues y dobleces que se aprecian en esas manos juntas en oración que miran hacia el altar mayor de la iglesia. En segundo logar el pelo, la melena del infante, con un pelo liso y una melena donde se puede individualizar cada uno de los pelos del infante, es de un realismo y un detalle muy grande. Pero junto a esto podríamos destacar otros detalles, como los adornos del traje o bien la almohada sobre la que apoya las rodillas, los motivos vegetales o las formas arriñonadas que decoran el arco sobre el que se coloca la escultura. La profusión decorativa sera una de las principales características de este momento e influirá en el inicio del renacimiento en España en un estilo propio, personal de nuestro país que será el plateresco

Vídeo con la biografía y principales características del pintor Francisco de Goya

Dentro de la serie de vídeos que venimos realizando sobre los principales pintores españoles, hoy le toca el turno al pintor aragonés Francisco de Goya, una de las figuras claves para entender la transición entre tradición y modernidad dentro del devenir de la pintura de finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX.

Recordemos que Goya es un precedente de la pintura expresionista, sobre todo con las obras realizadas en la Quinta del Sordo, su casa que estaba situada a las afueras de Madrid. Allí el artista dió rienda suelta a su perturbada imaginación y compuso varias obras que conocemos como las "pinturas negras", donde nos muestra su lado más oscuro, deforme y contrastado sobre su visión del arte y del país donde le tocó nacer y vivir.

Ya en semanas anteriores hemos incluido vídeos de este tipo, cortos y concisos sobre este tipo de temas, por ejemplo la semana pasada tratamos el tema de Pablo Picasso para niños. Durante las próximas semanas continuaremos incluyendo estos vídeos con artistas tan conocidos como Velázquez o Kandinsky.

Principales características de la arquitectura Románica

El románico es un periodo extenso de la historia del arte, abarca desde el año 1000  hasta que comienza el siglo XIII, donde vemos los inicios del arte gótico. Es el primer estilo común a todos los países europeos, desde Portugal a Rusia las iglesias tienen una serie de características comunes a la hora de realizar la construcción de los diferentes tipos de templo, desde iglesias de pueblo a grandes catedrales.

Por eso se distinguen varios periodos dentro de este estilo en arquitectura. El primer románico o románico lombardo, que en España tiene su desarrollo sobre todo en Cataluña, el románico pleno y la construcción de las iglesias de peregrinación, por fin el románico de transición al gótico donde observamos algunas características que aluden a este nuevo estilo, los cimborrios del Duero, entre ellos la Catedral de Zamora, nos sirve como ejemplo.

Cada uno de ellos tiene sus propios matices, que a veces se reducen a simples elementos decorativos o bien al uso de arcos y bóvedas que son los que comienzan a cambiar. Por ello vamos a tratar de dar una serie de características generales de la arquitectura románica, aunque insistimos que cada época tiene sus pequeños matices.

La planta de la iglesia será basilical, con el crucero marcado en la planta. En ella serán importantes tanto el cimborrio como los ábsides de la cabecera.

La bóveda más usada será la bóveda de cañón para las naves centrales, las naves laterales suelen estar cubiertas con bóveda de arista. Utilizan arcos fajones para reforzar el tramo de la bóveda de cañón. Para asegurarse y reforzar el exterior encontramos contrafuertes. La cúpula central o el cimborrio suele estar apoyado sobre estructuras de trompas o pechinas.

El ábside se cubre con bóveda de cuarto de esfera.

El material mas usado es la piedra, puede ser que este labrada y tenga una forma perfecta (cuadrada o rectangular) o bien que no este trabajada y tenga forma irregular.

El elemento fundamental para sostener el peso de la bóvedas (que son de piedra) es el muro, ayudado como hemos dicho por la presencia de contrafuertes y arcos fajones. 

La columna será el principal elemento sustentante, adosada a la pared como si fuera una relación feudal de el mas débil con el más fuerte. 

Los autores son anónimos, pero no porque no quisieran que se supieran sus nombre, ni por modestia, sino porque con el paso del tiempo los papeles se han perdido y no han llegado hasta nosotros. Si se conservan en muchos casos marcas de cantero, algunas incluyen la firma del artista y otras el lugar de procedencia de la cantería.

El pintor Henri Matisse para niños

Cuando hablamos de Matisse inmediatamente viene a nuestra cabeza el estilo con el que mas asociamos su pintura, el fauvismo, pero conviene conocer un poco el desarrollo de su vida y la evolución de su estilo artístico para conocer un poco mejor las razones que le llevan a pintar de la manera que lo hace.

Su pintura no se parece en nada a su modo de vida, ya que la fuerza de sus cuadros contrasta con una vida llena de doméstica tranquilidad y una actitud que tiene conexiones con lo burgués. Eso si fue un maestro muy reconocido en su tiempo y no le faltaron exposiciones o ventas.

Si tenemos que tratar una pequeña biografía de Matisse diremos que su afición a la pintura viene de su juventud, cuando contaba 19 años, en el año 1888, su madre, para distraerlo de una convalecencia, le anima a usar lápices y pinceles y la vida de nuestro protagonista cambia por completo, tanto es así que deja sus estudios de abogado para apuntarse en una academia de pintura en la ciudad de París, donde adquiere sus primeras nociones de dibujo y sobre todo el uso de la técnica colorista de manos de Gustave Moreau, un excelente profesor según las crónicas.

La luz, el sol y el color son muy importantes en su obra y los descubre a finales del siglo XIX, tras una estancia en Belle-Ile donde el ya anciano Camille Pisarro le alecciona en el uso de estos elementos y su relación con la pintura. Pisarro ya había regalado consejos a cuatro de los grandes artistas de su tiempo Cezanne, Van Gogh, Seurat y Gaugin. Por sugerencia de Pisarro Matisse se abandona a sus instintos coloristas.

Su obra de 1904 Lujo, calma y voluptuosidad tiene una gran influencia puntillista, pero apreciamos otros detalles, como por ejemplo la luz de la Costa Azul o el propio título que transmite el sosiego interior que es tan común a este artista.

Henri Matisse. La Alegría de vivir

En 1905 abandona el puntillismo para abrazar una técnica mucho más eficaz a base de tonos puros, generadores de espacio y de luz, nos vamos acercando al fauvismo, sus colores se vuelven puros y atrevidos, "Donatello entre las fieras (Donatello chez les fauves), exclamará el crítico Louis Vauxcelles, por lo que fauves y fauvismo quedarán en la terminología para definir uno de los primeros pasos de las vanguardias del siglo XX, recordemos faltan dos años para que Picasso pinte las Señoritas de Aviñón y comience el cubismo.

Nosotros hemos dedicado un post para hablar de como explicar el fauvismo a los niños, solo diremos que su obra recibió muchas críticas, pero la liberación del color también supone la liberación de la pintura de cualquier conexión que esta pueda tener con el contenido. Desde entonces las condiciones para pintar serán solo el espacio y la estructura interna de la superficie pintada.

Hay que decir que el fauvismo no es un movimiento como tal, sino una influencia, una forma de componer que rompe esquemas en el arte de principios del siglo XX, su autor Matisse continúa su estilo viendo pasar ante si a multitud de vanguardias, desarrollando sus propios temas como un maestro muy reconocido: la mujer, las odaliscas, los interiores, las ventanas, el desnudo, la decoración escenográfica, son algunos de sus favoritos.

Si te interesa verlo en vídeo aquí lo tienes

 

Vídeo con las principales características y vida de Pablo Picasso

Dentro de la serie de vídeos que dedicamos a los grandes artistas y a las principales obras explicadas de una forma fácil e introduciendo algunas de las obras más conocidas del autor, hoy le toca el turno a Pablo Ruiz Picasso, uno de los pintores internacionalmente más conocidos gracias a que fue el inventor de uno de los principales movimientos artísticos de vanguardia a principios del siglo XX, nos referimos al cubismo.

Como sabéis hemos dedicado vídeos esta año a artistas que tienen grandes celebraciones, por ejemplo El Greco para niños, ya que celebramos el 400 aniversario de su fallecimiento y Toledo se ha convertido en centro de la vida cultural del país en este año 2014.

Ya sabéis, si queréis conocer un poco mejor la vida de los principales artistas, sus obras y las características de su pintura, todo ello acompañado de imágenes, no tenéis mas que pasaros por nuestro canal y buscar el que más os interese, poco a poco vamos ampliándolo para completar una buena colección de videos de historia del arte para los más pequeños.

¿Para que sirve una Feria de Arte?

Existen varios tipos de Feria dedicada al arte, de todas las épocas y estilos, desde antigüedades, obras clásicas o una de las más conocidas la Feria ARCO, dedicada al arte contemporáneo y que se celebra en Madrid a mediados del mes de Febrero.

La finalidad de la Feria de Arte es la venta de obras, pero se produce un cambio respecto al papel que juega una Galería de Arte dentro del sistema, porque coinciden en la finalidad. En la Galería tenemos la posibilidad de mantener una conversación de tipo cultural con el dueño, mientras que en la Feria se produce el mismo efecto que si asistiéramos a un Centro Comercial, donde se juntan diversos factores que conviven, entre ellos se encuentra el arte, la fiesta, el glamour, la moda...

Quizás una Feria no sea el mejor sitio para la contemplación de obras de arte (recordemos que hemos dicho que se necesita en muchas ocasiones silencio y recogimiento, una devoción casi similar a la que obtenemos entrando en una iglesia), pero si aparece como un sitio ideal para la venta.

Los coleccionistas y el público en general suelen comprar de forma impulsiva, muchos de esos coleccionistas son invitados por la dirección de la Feria o por algunas galerías. Ellos pueden ver las obras antes que el resto de los mortales y así acceder a los mejores trabajos. Hay entonces en las ferias distintos horarios para los VIP (very important person) que para los VOP (very ordinary person).

Si trabajas como galerista asistir a una Feria supone tiempo y dinero, este último se trata de recuperar y obtener beneficios durante los días del evento, recordemos que en la mayoría de los casos hay que pagar por el stand que tienes en la Feria y al mismo tiempo tienes que estar fuera de la Galería con lo que necesitas contratar una persona que la abra o que atienda al público mientras el dueño se encuentra fuera de la ciudad.

A veces se pierde dinero con la asistencia a una Feria, pero también es una cuestión de imagen, si tu competidor está en la Feria, tu también debes estar, aunque solo sea por orgullo o por vender a tus clientes que has estado allí, eso si nunca reconocerás que has tenido pérdidas porque eso da mala imagen a la galería y a ti como vendedor (flojo puede ser la palabra más utilizada en estos casos).

Como vemos las ventas son muy importantes, pero no hay que engañarse, una feria de arte también es un lugar de reunión de todos los integrantes del sistema del arte, allí intercambias ideas y opiniones comisarios de exposiciones, críticos, coleccionistas, redactores de revistas, galeristas, artistas, directores de museos y muchos más.

Hablábamos de la idea de "compra compulsiva" que se da en este tipo de eventos, se trata de pasear por los pasillos, observar una obra que nos gusta y realizar una "compra frenética" no siendo que al volver por el mismo pasillo encontramos esa misma obra ya vendida a otra persona, un ambiente de "última oportunidad" que podemos encontrar en este tipo de eventos.