La Catedral de Granada para niños

Granada proyecta su catedral muy tarde respecto a otras ciudades españolas, pero las peculiaridades de su historia y la presencia musulmana hasta el año 1492 hace que hasta después de esa fecha no se comenzara a proyectar el proyecto de la Catedral y otros edificios de la ciudad.

El primer proyecto de la catedral es de estilo gótico final y fue realizado por Enrique Egas, los reyes católicos habían puesto empeño en que se realizara rápidamente este proyecto para dejar constancia de la conquista,  aunque tras él las obras fueron retomadas por uno de los mejores arquitectos renacentistas que tenemos en España, se trata de Diego de Siloe, que había estudiado en Italia y que traía ideas nuevas a la arquitectura del momento.

De manera que Diego de Siloe convenció al rey Carlos V para cambiar el proyecto, ofreciendo un ambiente completamente distinto entre unas naves cubiertas con bóvedas estrelladas del gótico final y una cabecera totalmente renacentista y con forma de cripta circular cuyo destino sería servir de tumba al emperador Carlos V, rey que finalmente no fue enterrado allí, ya que su hijo Felipe II construyó el Monasterio de El Escorial para que sirviera como tumba de los reyes españoles de la dinastía Austria en adelante.

Diego de Siloe también participó en un proyecto similar en la ciudad de Úbeda, concretamente en la Iglesia del Salvador, con una estructura circular que sirve como lugar de reposo para el cuerpo del secretario de Carlos V, de nombre Francisco de los Cobos.

Recordemos además que en Granada y en un edificio contiguo a la Catedral de Granada, concretamente en su Capilla Real se encuentran las tumbas de los Reyes Católicos y de su hija Juana la Loca y su esposo Felipe el Hermoso. Todo ello nos da la medida de la importancia de la ciudad de Granada tras la conquista de la ciudad por los Reyes Católicos y por su nieto que pasó en la ciudad una temporada tras su matrimonio celebrado en Sevilla con Isabel de Portugal, madre del rey Felipe II.

Tras esta época constructiva, ya durante el barroco, el multiartista Alonso Cano se convertirá en arquitecto de la Catedral y gracias a él conservamos la fachada principal del edificio, una de las vistas exteriores mas conocidas del edificio.

Si queremos visitar la Catedral de Granda los precios son los siguientes, la entrada general cuesta 4 euros, los menores de 10 años y discapacitados tienen la entrada gratuita, los grupos y mayores de 65 años pagan 2,50 euros, los estudiantes granadinos tienen también la entrada gratuita.

Sepulcro de los Reyes Católicos

Los cinco pintores españoles más importantes del siglo XX

El siglo XX español es bastante prolijo en lo que arte se refiere, principalmente pictórico, ya que en su nómina incluye varios pintores que son reconocidos a nivel internacional como revolucionarios en sus composiciones e imprescindibles por sus aportaciones a la historia del arte.

Por ello y siguiendo la línea que habíamos planteado con los diez mejores pintores españoles de todos los tiempos vamos a continuar con esta línea con el post que os ofrecemos hoy en el cual hablamos exclusivamente del siglo XX.

Joan Miro

1. Pablo Picasso: lo bueno de Picasso es que es capaz de revolucionar la pintura del siglo XX con el inicio del cubismo en el año 1907, ya que su obra cubista será una referencia para la mayoría de artistas del momento por lo que tiene de novedoso. Picasso es capaz de ofrecer en pintura algo que la fotografía no puede ofrecer, por ello es reconocido como pintor.
2. Salvador Dalí: el genio ampurdanés nos sorprende en cada uno de sus cuadros gracias a una imaginación desbordante. Sin duda sus cuadros más interesantes son los realizados entre 1925 y 1929 donde se aprecian todos sus traumas infantiles y cuando tienen lugar sus relaciones con Federico Gracía Lorca y con Luis Buñuel. Dalí fue además capaz de jugar con su imagen para convertir su nombre y su figura en una autentica marca gracias a sus excentricidades y salidas de tono.
3. Joan Miró. El artista catalano-mallorquín también es un referente del surrelismo junto a Salvador Dalí, pero con un estilo y temática diferente en sus obras. Era el favorito de los pintores surrealistas. Fue capaz de crear un estilo cercano al comic donde se producían todo tipo de situaciones grotescas e imposibles que desatan en ocasiones la hilaridad de la persona que contempla sus cuadros. Quizás Miró sea el pintor mas cercano a los niños por su simplicidad a la hora de pintar.
4. Antonio Tapies: el artista barcelonés aparece como una referencia del informalismo en España. Sus obras tienen mucha influencia de Joan Miró sobre todo en sus incicios pero el artista es capaz de desbordar esta influencia para componer obras originales y diferentes llenas de símbolos y referentes, muchos de ellos con un sentido espiritual,  al tiempo que incorpora elementos al cuadro.
5. Manuel Millares: todo el mundo apuntaba a Millares como un genio pero su vida se vio truncada cuando el cancer se cruzó en su camino y falleció en el año 1972. El artista canario fue capaz de mostrar en el cuadro una cuarta dimensión con el "mas allá" rompiendo y mostrando lo que es posible encontrar más allá del lienzo o la arpillera, su material favorito que le sirvió para fabricar sus famosos homúnculos. Sin duda sus cuadros tienen muchísima fuerza contemplados en directo.

Hemos dejado fuera muchos artistas, Antonio Saura completaría el trío de artistas informalistas de la segunda mitad del siglo XX, Juan Muñoz es una referencia en la escultura de este momento, Antonio López y el desarrollo del hiperrealismo (y la lentitud a la hora del pintar a veces transformada en cachaza o vagancia como expresaba el también magnífico pintor José Ramón Amondaraín), Pablo Gargallo y como interpretar la escultura utilizando extraños materiales para la tradición española y ser capaz de mostrarnos un más allá en sus obras. Maruja Mallo como referente del surrealismo y una de las mejores artistas españolas del siglo XX.  y muchos más. Si conoces alguno que debería estar en esta lista puedes dejarnos un comentario.

Manuel Millares. Homúnculo

El pintor Francisco de Goya para niños

Goya aparece ante nosotros como una de las grandes personalidades del arte español de todos los tiempos, uno de los maestros esenciales para comprender la transición entre el barroco y las nuevas tendencias artísticas que surgirán a mediados del siglo XIX, a algunas de las cuales Goya se adelanta en el tiempo.

Si tenemos que hacer una biografía de Goya resumida podemos decir que nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, provincia de Zaragoza, por tanto nuestro maestro era aragonés. Su padre fue decorador con cierta fama en Zaragoza. En esa ciudad Goya ingresó como alumno en la escuela de José Luzan, un artista inclinado hacia la pintura religiosa.

Goya se traslada a Madrid para intentar formar parte de la escuela de Bellas Artes de San Fernando pero no tuvo suerte y perdió dos de los concursos a los cuales se presentó. Tras estos fracasos estuvo en Roma y regresó a Zarazoga para pintar los frescos de la Basílica del Pilar de Zaragoza. 

Su traslado a Madrid tiene que ver con su boda con Josefa Bayeu, cuyos hermanos tenían buenos contactos en la corte, lugar donde Goya comenzó a trabajar realizando cartones para tapices que se realizaban en la fábrica real. En ellos podemos apreciar su lado más lúdico con sus representaciones de majos y majas madrileños que disfrutan de su tiempo libre y también su lado más social con obras como El Albañil Herido. 

No será hasta 1780 cuando logra ser académico gracias a un cuadro bastante tradicional un Cristo Crucificado que le abrió las puertas que antes se le negaron.

Ya en esa época comienza a trabajar para diferentes nobles antes de ingresar como pintor real, que supone su época de madurez artística y también desilusión por la política y los dirigentes que en ese momento se encargan del país.

El año 1792 es interesante ya que Goya tiene una enfermedad que poco a poco le deja sordo, eso le va a convertir en una persona muy introvertida y poco comunicativa, eso si es una época donde buscó el entretenimiento en su trabajo y en aventuras amorosas, como la que se dice que tenía con la Duquesa de Alba.

Los sucesos en su vida y la política no ayudan a calmar esa desilusión, partidario de las ideas de la revolución francesa tiene que ver como esas ideas no se aplican en España y como los propios franceses invaden el país en el año 1808 y lo ocupan hasta 1812 con la connivencia del rey Carlos IV y la posterior contrarreforma de su hijo Fernando VII.

Ese es el momento en el que pinta sus obras mas avanzadas y destacadas, las pinturas negras realizadas en las paredes de su casa y que suponen un precedente de la pintura expresionista, sin duda uno de sus momentos más interesantes.

Cansado de España se marcha en el año 1824 a Burdeos donde permanecerá hasta su muerte en 1828.

Como obras principales de Goya podemos citar: La Gallina Ciega, La Maja Desnuda, La Familia de Carlos IV, Los fusilamientos del 3 de Mayo, El Aquelarre, Saturno devorando a sus hijos.

Si te apetece ver este post sobre el pintor Francisco de Goya en vídeo aquí lo tienes

El viejo guitarrista de Pablo Picasso para niños

Este cuadro es uno de los más representativos de la etapa azul de Pablo Picasso, que se desarrolla entre los años 1901 y 1904.

Como generador de la etapa podemos decir que Picasso se sintió muy influido por la muerte de un amigo suyo, poeta, que se llamaba Carlos Casagemas, el cual se suicidó tras un revés amoroso con una chica (en el que quizás Picasso tuvo influencia). La muerte de su amigo hace que cambie radicalmente su forma de pintar y nos introduzca en una etapa donde el color predominante es el azul, pero como vemos este color no aparece solo en el fondo o en la ropa del personaje, sino que las tonalidades de la piel también son azules, a veces más oscuras o más claras, pero el azul esta presente en todo el cuadro y en los personajes representados.

Hay un par de características más que podemos apreciar en esta etapa y que también se ven perfectamente en el cuadro. La primera de ellas es que los personajes que representa en esta etapa están bastante tristes, no es un momento alegre en su vida y ese pesimismo general que invade a Picasso podemos apreciarlo en obras como la que tenemos delante u otras como La Vida, una desgarradora historia sobre las escasas posibilidades de triunfo de un pintor sin futuro.

También en este momento Picasso siente una identificación con la gente más humilde, con los desarraigados de la sociedad, con los pobres (seguro que su ideología comunista y su juventud, tiene solo 20 años, son aspectos a tener en cuenta cuando hablamos de ello). Da impresión de que el personaje que tenemos representado no es un rico sino más bien un pobre hombre ciego que toca la guitarra en la calle por unas monedas. Para reafirmar esto no tenemos más que mirar su ropa y ver como en el hombro le falta parte de la misma, dando sensación de llevar una camisa vieja y raída.

Sin duda una de las obras mas representativas del pintor en este momento en el que se inicia, tras superar su etapa costumbrista, un camino que desembocará en el cubismo con su cuadro más conocido y primera obra cubista de la historia del arte, Las Señoritas de Aviñon, pintado en el año 1907.

El griego de Toledo la exposición de 2014

Si podemos destacar una exposición que se celebra en España durante del año 2014 esa es El Griego de Toledo, que tiene lugar en la capital imperial entre el 14 de Marzo y el 14 de Junio, esas son las fechas para este evento.

Vista y plano de la ciudad de Toledo

Hay que destacar que es la primera vez que se celebra una exposición del artista cretense en Toledo, ya que se habían celebrado otras, pero en otras ciudades excepto en su lugar de residencia durante la mayoría de su vida y ciudad donde se conservan la mayoría de sus cuadros más importantes.

Recordemos que El Greco no era una figura muy reivindicada por el ámbito artístico hasta que en el año 1902 se celebra una exposición en Madrid donde los críticos del momento y algunos pintores románticos comienzan a apreciar la calidad artística del pintor de origen griego, descubriendo novedades como el ambiente fantasmagórico de algunas de sus pinturas, los estiramientos, las deformidades, el color blanquecino de la piel de muchos de sus personajes, la división en dos o más escenas en algunas de sus obras y muchas más características de la pintura de El Greco.

Claro que la mayoría de las obras que tenemos en España corresponden a la etapa que el pintor tiene en nuestro país, con dos destinos principalmente, el Monasterio de el Escorial y la ciudad de Toledo, pero como hemos visto en el post El Greco para niños, el artista tiene una completa etapa de formación en su Creta natal para después pasar por la ciudad de Venecia y mas tarde por Roma. Este es el aspecto desconocido en el que incide la exposición, tener la posibilidad de apreciar las obras del artista realizadas en sus primeros años de formación en la isla de Creta y poder apreciar la influencia de los iconos orientales en su obra, por ejemplo en su magnífica dormición de la Virgen. Igualmente ocurre con su etapa veneciana y la influencia de grandes maestros como Tiziano, Tintoretto o Veronés o su paso por la ciudad eterna de Roma donde se siente muy impresionado por lo masivo de las figuras pintadas y esculpidas por Miguel Angel del que este año también celebramos aniversario.

Las obras en la exposición se presentan en diferentes sedes, la principal se encuentra en la Museo de Santa Cruz , también hay un núcleo importante de obras en la Catedral de Toledo, Hospital Tavera, Iglesia de Santo Tomé, Capilla de San José y Convento de Santo Domingo el Antiguo. 

El precio de la entrada a la exposición El Griego de Toledo es de 10 euros, siendo la entrada reducida de 5 euros para mayores de 65, desempleados, niños entre 2 y 12 años y estudiantes entre 18 y 25 años. La entrada es gratuita para personas con discapacidad.

La Casa Batlló del arquitecto Antonio Gaudí

La casa Batlló está construida en un momento de la vida de Antonio Gaudí en la que podemos apreciar todas las características del modernismo aplicadas en este edificio, una visión particular que hacen de este arquitecto un artista único y diferente a los de su época.

Nos referimos por ejemplo a la influencia que tiene Gaudí de los diferentes elementos de la naturaleza que va a integrar en sus edificios. Por ejemplo en este caso podemos apreciarlo en las ventanas del primer piso, que parecen confundirse con las ramas de los árboles que tiene al lado, aunque hay que afirma que esas formas estarían imitando huesos humanos, lo cual no nos parece descabellado. 

Al mismo tiempo el colorido de la fachada, que adquiere unas proporciones épicas con su iluminación nocturna tiene que ver con una cascada cuya agua estaría cayendo a través de esa magnífica fachada.

Existen otras características del movimiento modernista que podemos apreciar aquí, como por ejemplo el uso del hierro, que no lo utiliza Gaudí solo en la estructura del edificio sino en otros elementos como los balcones que adornan cada una de las viviendas del tercer piso. 

Como vemos Gaudí huye del uso de la línea recta, no solo en los balcones que acabamos de comentar sino también en el interior como podemos apreciar en la fotografía de la parte inferior, que nos muestra una de las habitaciones interiores del primer piso. Los modernistas pensaban que la curva era mucho más cómoda que la recta y la utilizaban para todo tipo de diseños, desde arquitectónico al mobiliario y menaje de hogar que utilizaban a diario. Esa sería la razón de tener unos balcones con formas curvadas o también un interior donde las curvas evitan las esquinas y por tanto los espacios muertos, se pierde algo de espacio, pero se gana en funcionalidad que es lo que este tipo de arquitectos estaban buscando.

Respecto a la fachada observamos una pequeña torre en la parte izquierda, completamente ajena a la arquitectura española y que suele aparecer en los remates de muchos edificios de Gaudí. Se trata de torres de tipo oriental que Gaudí había tenido la oportunidad de estudiar debido a su interés por el arte de Oriente Medio y que, como vemos, incluye en edificios como El Capricho de Comillas, La Casa Milla y otros más.

Por último debemos destacar el extraño tejado del edificio, con esa forma tan inclinada y ese extraño colorido que parece recordar según algunos la figura de un dragón recostado. Para ello debemos enlazar esa idea con el patrono de Barcelona, es decir San Jorge, cuya típica representación y símbolo nos presenta al Santo venciendo a una figura de Dragón. Gaudí, una persona muy religiosa y al mismo tiempo muy identificado con la ciudad de Barcelona, incluye este tipo de representación en el edificio por esa razón.

En alguna ocasión hemos podido escuchar que esa forma de remate también tiene semejanza con el gorro típico de los campesinos catalanes y ciertamente se parece, aunque para nosotros es más verosímil la primera teoría que acabamos de exponer.

En cuanto al interior nos llama mucho la atención el uso de las líneas curvas, como podemos apreciar no solamente en las paredes o puertas sino también en el techo que crean ese extraño tipo de bóveda con forma de abanico que trata de no abandonar el movimiento en ningún momento. Junto a ello el uso de la vidriera también es una característica del movimiento, quizás como una reminiscencia de la influencia neogótica, pero con una gran viveza y colorido, no solo en una foto nocturna como la que tenemos sino por el día con el juego y fusión de luces de colores. 

Una maravilla el diseño de esta casa. Nos muestra toda la dimensión y poder creativo de uno de los mejores arquitectos de finales del XIX y primera mitad del siglo XX

El pintor Bartolome Esteban Murillo para niños

Murillo puede sea el pintor más delicado de todo el barroco español. Era más joven que Velázquez o Zurbarán y los citamos porque al igual que estos maestros su formación tuvo lugar en Sevilla donde Murillo desarrolló su carrera artística con bastante éxito y múltiples encargos eclesiásticos.

Si por algo es conocido y llegó a hacerse famoso Bartolomé Esteban Murillo es por sus pinturas de la Virgen Inmaculada, una Virgen en pleno ascenso ayudada por varias figuras de angelitos, vestida con un traje blanco y un manto azul movidos por el viento y pisando la media luna en una tradición típica del catolicismo hispano. Varios ejemplos magníficos de este tipo de Virgen pueden contemplarse en el Museo de Bellas Arte de Sevilla

Pero Murillo no solo destaca por el mérito de su pintura religiosa, que es mucho, sino por la maestría que muestra en los últimos 20 años de su vida. Realizará varias escenas de tipo popular que nos muestran una nueva dimensión de un pintor que quiere salirse de su rol habitual para ofrecernos una visión nuevo de su quehacer pictórico. Nos referimos a pinturas como los Niños Comiendo Fruta o los Niños jugando a los Dados, Muchachos comiendo uvas; una manera de ver la realidad que elude lo trágico y busca el lado más amable de la realidad, iniciando un atisbo de crítica social que interpreta la vida callejera con una personalidad abierta, sin amargura ni dolor, pero denunciando al mismo tiempo ese tipo de situación.
Tengamos en cuenta la gran epidemia de peste negra que sufrió la ciudad de Sevilla en 1649 donde el 47% de la ciudad falleció, hablamos de una cifra de 60.000 muertos. Muchos niños quedaron huérfanos y en unas condiciones de vida que les conducía a sobrevivir de cualquier manera en la que fue una de las ciudades más populosas de Europa en esa época.

Podríamos citar como características de la pintura de Murillo su amabilidad en las escenas de tipo doméstico, la Sagrada Familia del Pajarito puede ser un buen ejemplo, la ternura familiar de comerciantes y banqueros, las escenas de tipo popular tan comunes en la pintura sevillana del siglo XVII, sus pilluelos callejeros jugando o comiendo. Es un gran pintor, sensible y refinado, sometido a la limitación de encargos eclesiales, sabe superar esa faceta para cultivar la pintura de género. Es junto a Velázquez el más moderno de los pintores de su siglo.

Sus obras se difundieron fuera de España siendo un artista español reconocido en Europa en su época, quizás el único junto a Diego Velázquez.

Y si lo prefieres en vídeo aquí lo tienes

 

Ganadores del I concurso de dibujo Arte para Niños

Durante el último mes ha habido plazo para entregar dibujos relacionados con el tema del Carnaval. Se trata del I consurso organizado por el blog arte para niños. Estamos muy contentos con el resultado y con la participación.

Os adjuntamos la lista de los ganadores, como ya comentamos el ganador recibirá en su domicilio 8 láminas fechadas en 1950 del grabador italiano Giovanni Battista Piranessi valoradas en 50 euros.

En las fotografías podéis ver los dibujos del ganador y del segundo premio en este I concurso y esperamos repetir el próximo año.
Ganador: Adrián López de 3 años ayudado por Cristina B.
Segundo Clasificado: Emma Morales
Tercer clasificado Carla Fabregat
Mención especial: Anna Pons
Gracias a todos por participar.

Carnaval. Carnaval Dibujo de Adrián López 3 años con ayuda de Cristina B

Ronda de Carnaval . Emma Morales 5 años

La figura del curator dentro del sistema de arte

El trabajo del curator dentro del sistema del arte consiste en organizar exposiciones, que pueden ser individuales o bien colectivas, las cuales suelen girar en torno a un tema concreto que ha sido tratado por varios artistas. Cuantos más recursos económicos requieran las exposiciones se supone que serán mejores, aunque no siempre se cumple esta premisa.

Estos eventos expositivos hacen que el curator se relacione con todos los integrantes del sistema del arte: artistas, galerístas, instituciones (en una doble vertiente, bien para pedir el préstamo de obra bien para intentar colocar allí alguna de sus exposiciones), políticos, esponsors, banqueros, ejecutivos.

Se supone que el curator es una persona con conocimientos de arte y también una persona que está atenta al nacimiento de nuevas tendencias y los nuevos valores del arte contemporáneo, aunque decimos que se supone porque no es imprescindible.

Un curator puede trabajar en un Museo o hacerlo por su cuenta de forma autónoma, aunque actualmente es cierto que todos los integrantes del mundo del arte se presentan como curators, los directores de museos comisarían exposiciones, los técnicos del mismo también lo hacen, los críticos de arte y periodistas se presentan como comisarios independientes (estas dos palabras resultan clave en el escenario del arte contemporáneo actual), los críticos de arte también ejercen como curators, hasta los galeristas que anuncian una exposición se presentan como comisarios de la misma, cuando hemos visto que la función de una galería de arte es diferente a esto.

Según afirmaba el malogrado Juan Antonio Ramírez el curator es una mezcla entre promotor cultural, seductor, jefecillo mafioso y conservador de museo. Aunque es cierto que para componer y ordenar una buena exposición hay que tener la cabeza bien amueblada, no solo para juntar obras sino para ofrecer un discurso conceptual del tema o del artista que estamos exponiendo. Esa labor de búsqueda y de contacto es la que debemos valorar en la figura de un comisario de exposiciones.

Los 10 mejores pintores españoles de todos los tiempos

Joaquín Sorolla. Chico en la playa

Nunca en este blog hemos hecho un ranking de los mejores pintores españoles y vamos a empezar con este post una serie que puede estar abierta al debate sobre los diferentes gustos que tenemos en las artes de todos los tiempos. Así podemos comenzar una serie donde se puedan incluir todas las épocas y estilos.

El arte español y concretamente la pintura ha dado grandes maestros conocidos a nivel mundial, artistas que se encuentran al mismo nivel que otros europeos y que destacan sobremanera, sobre todo si pensamos en la primera mitad del siglo XX donde la revolución de la pintura llega de mano española.

Vamos entonces con la lista de los mejores pintores españoles, siempre conviene aclarar que esta lista no está basada en ninguna encuesta, ni hecho científico, sino que se basa en apreciaciones personales, que, como hemos afirmado antes, podemos discutir.

1. Diego Velázquez: el maestro sevillano era un genio, su evolución pictórica es increíble, desde el claroscuro de sus comienzos a unos cuadros llenos de luz y profundidad infinita al final de su vida. Además es un precedente del impresionismo ya que no se conformaba con amoldarse exclusivamente al estilo de su época, sino que quería ir más allá. Se atrevió a hacer lo que nadie hacía, teniendo un dominio fotográfico de la técnica incluso con una pincelada muy suelta. El mejor, sin duda.
2. Francisco de Goya: al maestro zaragozano le ocurre algo similar a Velázquez, es un disconforme con su época y quiere ir más allá, algo que teniendo menor calidad que el sevillano, consigue. Sus pinturas negras son un precedente del expresionismo. No existe un retratista mejor para mostrar como es el personaje que está representando.
3. Pablo Picasso: el malagueño revoluciona la pintura del siglo XX con el cubismo ofreciendo algo que la fotografía no podía ofrecer sobre papel, diferentes puntos de vista de un mismo personaje u objeto. Pero no todo queda ahí sino que su constante evolución y experimentación le convierten en uno de los genios del siglo XX.
4. Salvador Dalí: el de Figueras era un autentico portento imaginativo, además de tener un perfecto dominio de la técnica pinctórica. Fue capaz de plantar sus sentimientos y traumas personales en una pintura ofreciendo un espectáculo que dejaba boquiabierto a todo aquel que lo podía contemplar. Será uno de los primeros artista marca gracias a su exhibicionismo y publicidad debido a sus extravgancias.
5. Joaquín Sorolla: quizás el mejor representante del impresionismo en España, no ha habido otro capaz de captar la luz como él lo hizo, sus pinturas son un compendio de sabiduría popular con una técnica impresionante.
6. El Greco: ya sabemos que el artista cretense no es español de nacimiento, pero si de adopción y se considera habitualmente como español. Su estilo es completamente distinto a cualquiera de su tiempo, sus influencias, orientales, venecianas, romanas y españolas configuran un artista distinto, un "rara avis" que llama la atención por su forma de pintar. El expresionismo le debe mucho a sus composiciones.
7. José de Ribera: el pintor xetabense sigue una evolución similar a la de Velázquez, del claroscuro al torrente de luz con una precisa técnica cercana a lo fotográfico. Es mas conocido por sus escenas de martirio, pero aún en ellas encontramos un magnífico pintor a la altura del sevillano, sin duda uno de los grandes del XVII, sin Velázquez en liza habría ocupado su lugar.
8. Pedro Berruguete: es difícil elegir un artista medieval para la lista, pero quizás sea Berruguete el que tenga una mejor técnica y una influencia italiana mayor a la hora de componer sus obras, adelantándose a lo que hacen otros artistas españoles de su época, hablamos de la segunda mitad del siglo XV.
9. Antonio Tapies: quizás el artista barcelonés pueda ser controvertido y causa de discusión a la hora de analizar su obra, pero es innegable su contribución al informalismo y su influencia en la pintura de la segunda mitad del siglo XX en España.
10. Nos debatimos entre varios artistas que vamos a indicar, por un lado Miró cuya contribución al surrealismo consideramos esencial, Antonio López cuyo dominio de la técnica es excelente aunque su producción es reducida por su tardanza en entregar los cuadros, Bartolomé Esteban Murillo al que consideramos eclipsado por otros maestros del siglo XVII, Eduardo Arroyo como representante de la pintura pop en España, José Ramón Amondarain como ejemplo contemporáneo por su visión personal de la pintura y muchos más que quedan en el tintero.

Pedro Berruguete. Anunciación