La Maja desnuda de Goya para niños

La imagen que podemos apreciar es una de las más importantes del arte español, entre otras cosas porque el desnudo estaba "prohibido" en la pintura española, es decir que los pintores no se atrevían a hacerlo normalmente, el único que se había adentrado en ese mundo había sido Velázquez, el cual, influenciado por la pintura italiana, terminó realizando el primer desnudo de la pintura española, nos referimos a La Venus del Espejo.

Goya tiene en Velázquez una referencia y trata de hacer una obra similar a la del genial sevillano, con una diferencia importante, la figura de Velázquez se encontraba de espaldas, mientras que la de Goya se encuentra de frente, mostrando todo su esplendor.

Es posible, siempre se ha especulado con ello aunque no hay confirmación, que esta mujer representada sea la Duquesa de Alba, con la que Goya tenía un romance en esta época y esa sería la razón de que pintara una versión de la misma mujer pero vestida. La historia es la siguiente, parece que la Duquesa de Alba estaba casada y su marido se enteró de que Goya había realizado un cuadro de su mujer desnuda y corrió a la casa del pintor para ver si era cierto y así vengar su honor de la manera que fuera. Goya fue avisado de que el marido venía para comprobar esto y en poco tiempo pintó un retrato de la misma mujer pero con ropa. Lo que podemos apreciar perfectamente es que esta segunda obra está pintada con mucha rapidez, se nota perfectamente en las pinceladas que Goya extiende de forma muy suelta por la cara o el vestido de la mujer, frente al detallismo del cuerpo desnudo de la primera pintura, donde se puede apreciar cada detalle del cuerpo de la mujer. Parece ser que el marido llegó al estudio de Goya y este le enseñó el cuadro de la maja vestida, con lo cual el hombre quedó tranquilo y regresó a su casa sin cometer ninguna locura.

La maja desnuda pasó a ser propiedad de Godoy y en Madrid se especulaba con sus existencia, enseñándola solo a los más allegados, posteriormente pasaron los dos cuadros a ser posesión del Museo del Prado, lugar donde pueden contemplarse, uno al lado del otro en este momento. Allí se puede apreciar perfectamente este contraste de detalle y rapidez que comentamos en las obras.

Los leones del la Alhambra son del siglo XIV

La fuente con figuras de león situadas en el centro del Patio de los Leones de la Alhambra de Granada han sufrido una restauración en los últimos años. 

Fruto de esa restauración se ha llegado a la conclusión de que esas figuras fueron realizadas en el siglo XIV, aunque se desconoce el escultor que talló las mimas.

Resulta un tanto extraño porque según los mandamientos del Corán los musulmanes no podían representar figuras humanas ni figuras animales, cuando lo hacían, en raras ocasiones, contrataban tanto pintores como escultores cristianos para que lo hicieran, de hecho en el mismo Patio de los Leones existen una representaciones pictóricas en uno de los lados menores pero más profusos en decoración de arquearías, de varios reyes que no se duda fueran hechas por artífices del norte de España. Lo cual nos puede llevar a pensar que lo mismo pudo suceder con la fuente de la que estamos hablando.

Lo que parece claro es que el escultor no debía ser demasiado bueno, ya que la talla de los leones es bastante tosca, tanto que en algún momento llegó a pensarse que había sido realizados en época visigoda y que esas esculturas fueron robadas durante la ocupación musulmana, que, como sabemos, comenzó en el año 711 cuando varios noble visigodos pidieron ayuda para recuperar el trono que habían perdido. Por tanto si se pensaba que podían ser del siglo VII y VIII no es que el escultor fue excesivamente bueno, mas si tenemos en cuenta que en el siglo XIV se realizan portadas y sepulcros con gran calidad artística en otras zonas de España.

Los leones habrían sido realizados en mármol de Macael, en la provincia de Almería todo el conjunto,tanto los doce leones (el simbolismo del número resulta claro en este caso) como la fuente de una misma piedra.

La Iglesia Mozárabe de Santa María de Lebeña

Planta de la Iglesia Mozárabe de Santa María de Lebeña en Cantabria

Las iglesias mozárabes pese a ser fruto de la coexistencia de árabes y cristianos, están todas en territorio cristiano y podemos contar muy pocos ejemplos de ellas. Nosotros habíamos hablado en este blog de uno de los ejemplos mejor conservados, la Iglesia de San Miguel de Escalada en León. En este caso la Iglesia de Santa María de Lebeña se encuentra en la provincia de Cantabria, concretamente en el valle de Liébana.

Este tipo de iglesias tienen características comunes con el arte visigodo, ya que al estar en territorio cristiano tratan de reafirmar su identidad. Pero su originalidad reside en la combinación de elementos diversos, hispanomusulmanes, paleocristianos, visigodos y cristianos.

Podemos datar la iglesia de Santa María de Lebeña en el año 924, cuando el Conde de Liébana y su esposa, Alfonso y Justa, fundaron la iglesia.

La planta es basilical y tiene conexiones con el arte asturiano. Se encuentra completamente abovedada, su cabecera es tripartita, es decir tiene res lados, en ella la capilla mayor es de forma rectangular y destaca cuando la observamos desde el exterior, los ábsides laterales son trapezoidales. Las tres bóvedas de la cabecera están cubiertas con bóvedas de medio cañón.

El cuerpo de la iglesia tiene nueve tramos, cubiertos con bóveda de medio cañón dispuestas a diferentes alturas.

Podemos observar otras características del arte mozárabe como el uso de arcos de herradura, más cerrados que en el arte visigodo, en algunos casos enmarcado por un alfiz al gusto musulmán  Utilizan pilares compuestos que llevan adosadas columnas de tipo corintio que incluye un pequeño collar con decoración de soga.

La influencia de Velázquez en artistas del siglo XX

Hay una obra del artista catalán que fue pintada en el año 1925 y representa a  Ana María Dalí contemplando un paisaje de la playa de Cadaqués que se puede observar a través de la ventana. Si seguimos la biografía de Dalí, en ese momento ya se ha trasladado a Madrid y en la Residencia de Estudiantes ha entrado en contacto con sus grandes amigos Federico García Lorca, Luis Buñuel o Pepín Bello. Pero también es cierto que Dalí no ha entrado en contacto con los surrealistas ni con las teorías de estos que harán volar su imaginación y sus pinceles a partir del año 1927, otorgándonos unas de las obras más interesantes y enigmáticas del siglo XX. La obra es muy poética y delicada y es una de las más conocidas del autor. Actualmente se encuentra en el Centro de Arte Reina Sofía.

Lo curioso del cuadro es que tiene grandes semejanzas con otros cuadros pintados por Diego Velázquez en su primera etapa Sevillana, nos referimos a obras como La Mulata o Cristo en casa de Marta y María, obras realizadas antes del año 1622, que sería la fecha aproximada en la que se traslada el artista sevillano a Madrid y cuando empieza a cambiar su forma de pintar.

Estas obras, al igual que la que estamos observando, tienen dos escenas, una en primer plano y otra escena completamente diferente en lo que la muchacha se encuentra observando a través de la ventana, en este caso un paisaje con el mar y una playa. Dos escenas en un mismo cuadro. Un cuadro dentro del cuadro que es lo mismo que hacía Velázquez.

En La Mulata o La Cena de Emaus observamos a una criada que se acerca a la cocina a buscar alguna cosa, mientras en la parte izquierda a través de una ventana se observa una escena completamente distinta donde se encuentra Jesús con sus discípulos comunicándoles quién es que ha resucitado.

Lo mismo observamos en Cristo en Casa de Marta y María, una criada se acerca a Marta que se encuentra en la cocina para avisarle que su hermana María no le ayuda nada sino que solo escucha lo que le dice Jesús, escena que podemos contemplar al fondo a la derecha en una ventana.

Como vemos dos escenas en una, un "cuadro dentro del cuadro", escenas como vemos que en las obras del pintor sevillano mantienen una conexión, aunque sea mínima, una técnica que como podemos contemplar Salvador Dalí repite en esta obra. 

La Mulata o La Cena de Emaus de Diego Velázquez

Cristo en casa de Marta y María. Diego Velázquez

¿Como explicar el expresionismo a los niños?

El expresionismo es una vanguardia artística que surge a principios del siglo XX y en la múltiples artistas van a verse influenciados por este movimiento. 

Surge como una reacción al impresionismo y sobre todo al ambiente positivo que intentaba transmitir con sus obras, teniendo una actitud más cercana al sentimiento interior del artista, a su propia expresión. Pese a que fueron, como decimos, muchos los artistas que participan del movimiento, su principal foco de creación y desarrollo será Alemania.

Si analizamos un cuadro expresionista y tenemos que explicarle a un niño cuales son las principales características, nosotros pensamos que existen tres que destacan sobre el resto.

Por un lado da la impresión de que los temas que trata el expresionismo siempre son tristes o trágicos, cuando miramos alguna de estas pinturas, como por ejemplo el conocido Grito de Much nos damos cuenta de que algo grave está sucediendo, aunque no sabemos exactamente que es lo que puede ser, quizás es una interpretación que el artista deja al espectador, pero ese personaje, en medio de un puente, con esa cara de pánico, no nos está indicando que suceda nada bueno. Francisco de Goya se le conoce como un precedente del movimiento, sobre todo por el tratamiento de sus pinturas negras, en algunas de sus obras, como por ejemplo El Perro Semihundido, nos ocurre lo mismo, una sensación de que algo muy malo le está ocurriendo al animal que parece atrapado en una zona llena de arena de la que da impresión que no se puede mover.

En segundo lugar la utilización del color, el expresionismo suele utilizar colores oscuros, muy pocas veces utiliza el color claro, el blanco por ejemplo solo aparece en contraste con el negro y en ocasiones solo se utiliza durante el expresionismo abstracto como observamos en las obras de Jackson Pollock. Si pensamos en las pinturas negras de Goya podemos apreciar esos grandes contrastes de color, negro, blanco, tonalidades marrones oscuras y el rojo que en el caso del pintor aragones siempre alude a la sangre, añadiendo al cuadro una fuerza sin igual. Curioso resulta la utilización del color gris en diferentes tonalidades en El Gernica de Picasso, a veces incluso con tonalidades azuladas, pero el maestro de Málaga consigue con ese color dar al cuadro la fuerza expresiva que necesita para transmitir todo el dolor provocado por la guerra.

En tercer lugar el expresionismo utiliza deformidades físicas para dotar de fuerza a sus cuadros, podemos observarlo perfectamente en la obra de Much que tenemos como ejemplo, las manos del personaje, la propia cara, la disposición del cuerpo está introduciendo estas deformaciones. Goya no es ajeno a este uso, en Saturno devorado a sus hijos podemos comprobar claramente estas deformaciones en el rostro y el cuero del padre que tiene a sus hijos en sus manos. La deformación ayuda a crear ese ambiente de misterio en el cual muchas veces se ven envueltos estos cuadros.

Suerralismo para niños

El surrealismo es un movimiento que abarca todas las artes y que tiene su principio en el año 1924 cuando André Bretón lanza un manifiesto que sirve para definirlo.

Quizás los ejemplos más conocidos son los pictóricos y para nosotros los artistas que nos son más familiares sean Salvador Dalí y Joan Miró que fueron los grandes representantes de este movimiento durante los años 20 del siglo pasado.

André Breton decía en el manifiesto surrealista que la autocensura impuesta principalmente por la sociedad limita la capacidad de creación del individuo, una persona que debe ser capaz de romper ataduras y dejar que la imaginación se mueva sin trabas de clase alguna. El creador está alienado por la sociedad y solo puede librase de esa carga a través de los irracional, de la locura, del sueño, de la oposición a lo establecido y dominado por las clases dirigentes.

Quizás esta definición nos ayude a comprender un poco mejor algunas de las obras de los artistas antes citados o si estamos buscando alguna manera de definir el arte de Salvador Dalí para niños.

Para definir de una manera fácil el surrealismo para niños podríamos decir que se basa en el mundo de los sueños, de la fantasía y que va más allá de la realidad.

Podemos plantear dos ejercicios para que los niños trabajen o intenten comprender el surrealismo:

1. Por un lado podemos indicar a cada niño que imagine un objeto, un animal, una persona o una cosa preferida y que lo transforme buscando lo más absurdo posible.
2. Por otra parte podemos crear una obra que se acerque al automatismo surrealista, partiendo de la idea de que se puede crear a partir de todo, una forma de crear que se nutre del inconsciente colectivo donde lo no racional es la base de la creación. La toma de decisiones debe ser inmediata, igual que ocurrió, por ejemplo, cuando Salvador Dalí y Luis Buñuel escribieron el guión de la película El Perro Andaluz, donde cada uno aportaba lo que en ese momento le venía a la mente, aunque no tuviera continuidad ni relación con lo que se había planteado anteriormente. No existen propósitos concretos en la creación, sino que se asumen todos los riesgos necesarios. Como decía el propio André Bretón "el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón fuera de cualquier preocupación estética o moral"

Las iglesias románicas porticadas

Iglesia de San Esteban Segovia

Al abrigo de la repoblación que se lleva a cabo a finales del siglo XI y principios del siglo XII en la zona de Castilla, cada una de las poblaciones en las cuales se entregaban tierras a sus pobladores, va a surgir una iglesia para atender el servicio religioso, muchas de estas iglesias de pueblos y ciudades fueron construidas en el siglo XII siguiendo características de la arquitectura románica, que vivió su comienzo en España por tierras catalanas pero que en su época de mayor esplendor sufrirá la influencia de las corrientes que vienen de Francia a través del Camino de Santiago.

Hay una característica común a estas iglesias y es la presencia de un pórtico en la lado sur, que sería el acceso principal  a la iglesia, ya que la puerta principal, situada en el lado oeste, solo quedaría abierta para ocasiones especiales.

El pórtico cumple diferentes funciones, se ha hablado en muchas ocasiones del carácter democrático de estas nuevas poblaciones que surgen en la Castilla posterior al año 1000, hablamos de Castilla porque este tipo de iglesias las encontramos principalmente en provincias como Segovia y Soria, encontrando también ejemplos en otras provincias castellanas como Burgos, Salamanca o incluso en la zona manchega de Guadalajara. Bien el pórtico podría utilizarse como lugar de reuniones de los componentes de la sociedad o bien como lugar para emitir juicios o cualquier acto cívico que tuviera lugar en el pueblo o la ciudad.

También es indudable que el pórtico es un lugar que sirve para protegerse de las inclemencias del tiempo, principalmente de la lluvia. Recordemos también que según la tradición, cuando marido y mujer llegan a la misa ellas entraban en la iglesia mientras los hombres esperaban en el pórtico hasta el comienzo de la misma, situándose las mujeres en la parte delantera y de la iglesia y los hombres (siempre menos) en la parte trasera de la misma.

El pórtico también cumple función como cementerio ya que hay mucha gente que se entierra allí si no podían hacerlo dentro de la iglesia en una zona cercana a la cabecera, siguiendo la máxima de que cuanto más cerca estaban de la cabecera de la iglesia, mas cerca estaban de Dios en el cielo.

Si el pórtico cuanta con capiteles muchos de ellos contarán historias del antiguo y del nuevo testamento, cumpliendo a su vez una labor catequética entre la población que acude o se refugia en ese lugar.

El techo de estos pórticos suele ser de madera, siendo la arquería de acceso de arcos de medio punto, en algunos casos suele haber una galería con dos o tres arcos en la zona occidental.

Iglesia románica en Soria

Arte para niños llega a los 300 fans en su página de Facebook

En el día de hoy la página de Facebook de Arte para Niños ha llegado a los 300 fans, desde que comenzamos con esta opción en Abril de 2012 siempre ha sido nuestra intención que la gente pudiera seguir las novedades del blog a través de esta red social y al mismo tiempo añadir diferentes informaciones, noticias y fotografías relacionadas con la historia del arte.

Si podemos decir que el 70% de nuestros seguidores en Facebook son mujeres cuyas edades principales están entre los 25 y los 45 años. España, Méjico, Colombia y Argentina son los países desde donde más nos siguen, siendo el quinto país de procedencia de visitas Estados Unidos.

Os animamos a todos a seguir las novedades y nuevos post del blog a través de la página de Facebook de Arte para niños. 

Gracias a todos los que ya nos seguís, esperamos seguir manteniendo el mismo nivel que hasta ahora.

Oportunismo y arte contemporáneo

Hace poco tiempo el artista español Toño Velasco presentaba una serie de retrato entre los que se encontraba uno de Luis Barcenas sacando la lengua, con intención de hacer burla a todo el mundo que lo estuviera contemplando. Sin duda el retrato está más de moda que nunca ya que el personaje actualmente está todos los días en los medios de comunicación debido a sus andanzas y presuntos robos y reparto de dinero negro en el partido con más apoyo actualmente en España.

Cuando observamos una obra de arte contemporáneo, en estos momentos de nueva figuración, queremos que la obra observada nos transmita un mensaje, una idea sobre la cual podamos reflexionar, algo que nos sirva para pensar sobre el hecho que el artista quiere que nos fijemos y actuemos en consecuencia tras nuestra reflexión.

Lo que ocurre es que una obra de arte debe ser trascendente, debe perdurar en el tiempo para jugar algún papel. Si una obra es descontextualizada de su entorno pierde la fuerza con la que inicialmente se hizo. En este momento el retrato que podemos contemplar podría ser reconocido por la mayoría de la gente de este país, pero imaginemos que lo mostramos en Portugal, aunque el título de la obra sea Luis Bárcenas, los portugueses no sabrán a que hace referencia a no ser que tenga al lado una somera explicación de los antecedentes y consecuencias de la obra que estamos observando.

Lo mismo sucederá cuando pase un poco de tiempo, bien es sabido que unas noticias se solapan con otras y en estos momentos se habla mucho de Luis Bárcenas, pero quizás dentro de un año no sea el tema de moda y quizás en ese momento sea Manuel Chaves o Juan Antonio Griñán los que estén todos los días en los medios de comunicación presuntamente implicados en cualquier cosa que podamos imaginar. 

Este cuadro mostrado cinco años después del momento en que fue pintado necesitará una somera explicación de los antecedentes y consecuencias que el mismo provoca.

Por eso hablamos de oportunismo, porque ahora está bien, está de moda y ha servido para que se hable de la obra y el artista, lo cual es muy bueno, pero la trascendencia de la obra se nos antoja mínima, por lo que si alguien la compra no pasará de ser una mera anécdota sin repercusión alguna en el devenir del arte contemporáneo, donde lo obvio generalmente aburre.

¿Que es un grutesco y cuando se utiliza en arquitectura?

Grutesco. Fachada Universidad Salamanca

El grutesco es básicamente un elemento decorativo, es decir no se utiliza como elemento constructivo. En España se asocia principalmente con un momento de la arquitectura que se denomina plateresco y se utiliza como elemento decorativo en los principales edificios de este momento que abarca unos pocos años de comienzos del siglo XVI, ya que que pese a la abundancia de construcciones de este momento, el plateresco se reduce a 20 años de actividad. Recordemos que el renacimiento en España tiene tres fases y que el plateresco corresponde con la primera, habría un segundo momento a mediados del siglo XVI, que a veces se confunde con el manierismo y, por fin, un tercer momento que se identifica con el clasicismo y el Monasterio de San Lorenzo del Escorial.

Parece que la decoración deriva del un descubrimiento que se hace a finales del siglo XV en Italia y que se identificaron con la Domus Aurea de Nerón. La decoración combina elementos vegetales, figuras humanas habitualmente desnudas, animales fantásticos y seres mitológicos. Una decoración que llena completamente el espacio creando un "horror vacui" que hace que contraste la zona decorada con la zona sin decorar.

El termino grutesco se ha utilizado también para designar columnas y pilastras cuyo fuste ha sido decorado con todos estos motivos antes señalados y que pueden apreciarse en los edificios platerescos que existen en algunas ciudades, por poner algún ejemplo en la Fachada de la Universidad de Salamanca, el Colegio Mayor de Santa Cruz de Valladolid o bien el inacabado a nivel decorativo Ayuntamiento de Sevilla magnífica obra construida por Diego de Riaño mientras trabajó en el ella hasta el año 1534.

Bien es cierto que este tipo de decoración puede encontrarse no solo en fachadas de los edificios sino en todo tipo de decoraciones, incluidas sillerías de coro de alguna de las catedrales más conocidas

Muchas de las decoraciones de estos grutescos circulaban por Europa en forma de dibujos en los cuales se fijaban los escultores para después reproducirlos en los edificios que construían, como ocurre en los que aparecen en la Fachada de la Universidad de Salamanca, inspirados en unos dibujos que provenían de Alemania.