El pintor Takashi Murakami para niños

Murakami es un artista contemporáneo de origen japonés que se mueve en una línea muy delgada que separa el arte, la cultura de consumo y el pop, en muchas ocasiones salpicados con golpes de manga, quizás extraño para nosotros pero un producto de consumo habitual por los jóvenes y mayores en su país de origen.

Es una de los artistas más famosos en la actualidad, tanto que tiene dos estudios con varios trabajadores a su cargo, uno en la ciudad de Asaka en Japón y otro en Long Islnad en Nueva York. Murakami no se ha dedicado solo a la pintura sino que, al igual que hizo Salvador Dalí durante su etapa en Estados Unidos, ha diseñados todo tipo de objetos y adornos que llevan su nombre, lo cual le ha proporcionado unos grandes beneficios. Bolsos, camisetas de diseño, alfombrillas de ratón, tazas, llaveros, fundas de iPhone. Todo vale si existe negocio de por medio.

Durante su infancia el manga y el anime formaban parte de la cultura popular justo después de la II guerra mundial. Tras la guerra la presencia americana introdujo personajes de Walt Disney, realizando una mezcla entre los clásicos japoneses y el pop occidental.

Para realizar sus pinturas, hechas por sus técnicos, utiliza todo tipo de técnicas de ordenador, con imágenes superpuestas que escanea y colorea con programas de ordenador que después serán trasladados al lienzo.

Uno de sus grandes iconos repetido hasta la saciedad es la figura de Mr DOB, un alter ego, una figura muy cercana a Mickey Mouse que pretende ser tan popular como él. Su cabeza esta formada por esas tres letras. Estas letras hacen alusión a una cuestión, porque? porque? en japonés.

Murakami también se ha adentrado en la escultura con grandes imágenes que hacen alusión al manga o al mundo de los videojuegos, donde se alude a la estética japonesa a la hora de representar a la mujer, uniforme de colegiala con grandes ojos y grandes pechos y una estética sexy, que en Japón alude a una mujer sumisa y recatada. 

En una lista aparecida recientemente se le considera como una de las 100 personas más influyentes del mundo.

Leonardo da Vinci para niños

Cuando hablamos de Leonardo, no nos referimos solo a su faceta como artista, ya que dominaba diversas artes mayores sino también a su faceta como científico e ingeniero, nos encontramos ante uno de los grandes inventores de la humanidad, algunos eran tan avanzados para sus diseños que se han hecho realidad en nuestro tiempo en vez de en el suyo.

Leonardo lleva el nombre de la ciudad donde nació, Vinci era una ciudad cercana a Florencia. Era hijo ilegítimo un padre rico y una campesina, aunque fue criado con los mismos privilegios que cualquiera de los otros niños. No llegó a participar de la herencia de su padre por esta razón, aunque la verdad es que no le hizo ninguna falta, ya que tuvo una vida desahogada.

Desde niño fue muy aficionado al dibujo, por lo que su padre viendo su talento le llevó al estudio del mejor pintor del momento en Florencia Andrea Verrochio donde entró como ayudante y con el que permaneció bastante tiempo colaborando, incluso después de su independencia cuando era ya un artista colegiado.

De todas maneras el número de obras que Leonardo realizó a lo largo de su vida no fue muy grande, ya que conservamos solo 10 pinturas del artista. Como otros muchos genios era una persona poco constante, empezando proyectos que a veces dejaba a medias y siempre con la cabeza en todas partes. Si resulta curioso que no llegará a triunfar en Roma donde tanto Rafael como Miguel Angel recibían gran cantidad de encargos, pasando las obras de Leonardo desapercibidas en la ciudad eterna. Sin embargo protegido por Ludovico Sforza tuvo mucho éxito en Milán donde participó en obras de arquitectura, al igual que en otras ciudades como Venecia o su ciudad de residencia, la magnífica Florencia.

Las constantes escaramuzas militares hicieron que el ducado de Milán cambiara de manos de manera constante, perteneciendo en diferentes ocasiones a la corona francesa. Esa es una de las causas de que el rey francés Francisco I invitara a Leonardo a territorio francés durante los últimos años de su vida, allí murió en el año 1519, concretamente en la ciudad de Amboise donde su cuerpo se encuentra enterrado.

Científico, inventor, dibujante, investigador, filósofo, poeta, diseñador urbano y además arquitecto, escultor y pintor. Un hombre completo del renacimiento. Algunos de sus cuadros son considerados como los mejores que ha pintado la humanidad, no tenemos más que pensar en La Gioconda o La Última Cena donde podemos contemplar algunos avances pictóricos revolucionarios a la hora de representar el paisaje y la perspectiva.

Tenemos la historia de Leonardo da Vinci en vídeo por si apetece verlo en este formato:

El cubismo en tres simples pasos

El cubismo es uno de los movimientos más revolucionarios de principios del siglo XX y lo asociamos principalmente a Pablo Picasso, aunque fue practicado de una u otra manera por la mayoría de artistas que trabajan en las primeras décadas del siglo XX, ya que el estilo aparece como una referencia para la mayoría de los artistas.

Debemos tener en cuenta en el nacimiento del cubismo el shock que para la mayoría de los artistas supone la irrupción de la fotografía durante la segunda mitad del siglo XIX, muchos retratistas abandonaron la pintura y se pasaron a la fotografía, mucho más perfecta en la ejecución de las obras. ¿Cual era el futuro de la pintura si la fotografía podía representar la realidad de una manera mucho más fiel? La respuesta a esta pintura resulta complicada, pero lo experimentos llevados a cabo por diferentes artistas darán como fruto el surgimientos de diferentes estilos que conocemos con el nombre de vanguardias.

Tres son las grandes características del cubismo, no es que sean nuevas, ya que algunas ya podíamos observarlas en el pasado, pero la mezcla de las mismas hace que el estilo se convierta en original y diferente de lo hecho hasta el momento.

El primer paso del cubismo es la eliminación de la tercera dimensión, es decir en el cuadro se elimina la profundidad y solo se aprecia en el cuadro el ancho y alto, pero da la impresión de que todos los objetos y personas se encuentran representados en el mismo plano.

El segundo paso del cubismo es la simpleza a la hora de representar los personajes u objetos representados en el cuadro. Picasso estaba influido por un par de exposiciones sobre arte africano que pudo observar y también por la nula complicación de la pintura románica a la hora de representar las figuras. Es decir con unas pocas lineas se compone una figura, todo muy simple, nada complicado.

El tercer paso del cubismo será la descomposición de las figuras u objetos para poder ser observados desde distintos puntos de vista. Si la fotografía solo nos ofrece un punto de vista que puede ser por ejemplo frontal, lateral, alto, bajo, en pintura tratan de hacer algo diferente representando diferentes partes del cuerpo de una persona desde distintos puntos de vista, que incluyen también mayor o menor grado de luz. Esta descomposición que empieza por cosas muy pequeñas, terminará invadiendo todo el cuadro hasta llegar a una representación de tan difícil interpretación que se convierte en abstracto.

Estas son algunas de las principales características del cubismo que pueden observarse en la mayoría de los cuadros de este estilo. Como vemos se trata de un movimiento que trata de reaccionar contra la irrupción de la fotografía, tratando de crear algo nuevo, diferente, algo no visto hasta ese momento sobre un lienzo.

Si te apetece ver un vídeo sobre este tema, aquí lo tienes:

 

El hijo de hombre una obra de Rene Magritte

Se trata de una de las obras más conocidas de la historia del arte, obra de este pintor de origen belga, uno de los más reconocidos artistas surrealistas, que desarrolla su carrera al mismo tiempo que otros artistas de este estilo, aunque con un punto de vista personal y original.

Así mientras artistas como Dalí se inclinaban más por los traumas infantiles y sus propias fantasías provocadas por muchos de sus miedos o Miró, se inclinaba por un tipo de pintura muy cercano al comic, las obras de Magritte nos remiten a un surrealismo más conceptual, como si tuviéramos que pararnos y analizar el cuadro con detenimiento, reflexionando ante aquello que se nos ofrece. Hay quien dice que la situación personal vivida en su casa, con una madre enferma mental que acabó suicidándose, tiene gran influencia en la forma de representar que tiene en sus cuadros.

El hijo del hombre representa una figura humana que aparece centrada sobre un paisaje bastante neutro que nos ofrece un muro, la imagen del mar o del océano y un grupo de nubes que simulan un banco de niebla que nos oculta la visión del cielo azul. La figura humana tiene una manzana colocada delante del rostro, de manera que es imposible apreciar quien se encuentra detrás de esa cara, aunque se apunta a que la obra se trata de un autorretrato del artista.

Hay numerosas teorías sobre el significado del cuadro, una de las más comunes dice que se trataría de una representación del Adán contemporáneo, de ahí que aparezca la manzana que se encontraba presente momentos antes de la expulsión del paraíso. Por eso la fruta simboliza las diferentes tentaciones que se nos ofrecen en la vida moderna, de las cuales como vemos el hombre todavía no ha disfrutado porque la manzana se encuentra intacta. Como decimos esto puede ser una teoría, aunque está sujeto a todo tipo de interpretaciones.

La obra fue pintada en el año 1964, poco tiempo antes del fallecimiento del artista, que se produjo en 1967.

Al ser una obra tan popular se han hecho numerosas versiones con todo tipo de personajes, en muchos casos parodias. Le ocurre algo parecido a La Gioconda de Leonardo hay versiones que resultan muy divertidas.

Si quieres saber un poco más sobre la vida y obra de Rene Magritte puedes consultar el enlace que te ofrecemos.

El intruso obra del Equipo Crónica

El Equipo Crónica tiene su origen en valencia, cuando tres artistas bajo la tutela de Tomas Llorens redactan un manifiesto con sus pretensiones y se lanzan a representar apropiaciones de cuadros famosos y artistas pop para criticar algunas de las situaciones que se producen en España bajo la dictadura. Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo formarán parte del grupo, aunque el trío pronto se convertirá en dúo ya que Toledo abandonó pronto este proyecto.

El cuadro representa la irrupción de forma abrupta de El Guerrero del Antifaz, espada en mano,  en la mítica obra de Picasso titulada Guernica. El Guerrero del Antifaz fue un héroe medieval, que había alcanzado una gran popularidad en el comic durante la época franquista, se trataba de un niño católico criado en territorio musulmán durante la edad media hispana que, al enterarse de su origen y ante la poca ayuda recibida, renegará de aquellos que le criaron para luchar contra los católicos en todo tipo de aventuras.

En el cuadro apreciamos como el Guerrero parece arrasar con todo aquello que se interpone en su camino como si estuviera protagonizando la masacre, además algunos de los símbolos que representa el personaje también se identifican con algunos utilizados por el bando nacional durante la guerra civil.

Además debemos tener en cuenta otra cosa, en el momento en que se pinta, el año 1971, Franco y su gobierno no quería saber nada de este cuadro, que tenía unas claras connotaciones políticas para ellos, aunque Picasso lo pintara como una alegoría de la paz. La relación entre Picasso y Franco fue inexistente, de hecho el artista malagueño regaló el cuadro al estado español pero solo con la condición de que Franco debía estar muerto, hasta ese momento la obra, que fue exhibida por primera vez en 1937 en la Exposición Universal del París, estuvo en Nueva York, hasta que fue reclamada por el gobierno español, ya durante la democracia para ser expuesta primero en el Museo del Prado y después en el Centro de Arte Reina Sofía.

Podéis encontrar más información sobre el Guernica de Picasso en este enlace.

El pintor informalista Antonio Saura para niños

Saura es uno de los grandes representantes del informalismo español. Un estilo que tiene su origen en la década de los cuarenta y sobre todo durante los años 50, cuando alcanzará su máxima expresión y encontramos a los autores más representativos de este movimiento como pueden ser Antonio Tapies, Manuel Millares, Josep Guinovart, Lucio Muñoz, Joan Hernadez Pijuan o el escultor Martín Chirino, por citar algunos de los más importantes, aunque no todos, por supuesto.

Conviene tener en cuenta cuales serían las características del informalismo que luego vamos a ver aplicadas en las obras de estos artistas, en primer lugar un poder emergente de la materia en extensión, es decir de la mancha. En segundo lugar el poder de la materia en profundidad y relieve, es decir crear texturas con la propia pintura. En tercer lugar modificar el espacio sobre el que se producen estas texturas, en algunos casos como el de millares creando agujeros atravesando los cuadros. Por último el uso de la abstracción  que técnicamente se expresa como la disolución absoluta o casi total de la imagen de cualquier orden, imitada o inventada, figurativa o geométrica conduciendo a establecer una relación especial entre textura y estructura.

En este ambiente debemos encuadrar las obras de Antonio Saura, un artista nacido en Huesca en el año 1930 y que falleció en el año 1998. No estudió Bellas Artes de forma específica y su afición por la pintura le llega tras una larga enfermedad en la que debe pasar grandes periodos en la cama cuando contaba con solo 14 años. Tras ello solo tendrá una gran inquietud por descubrir mas cosas relacionadas con la pintura, con viajes a París y otros lugares europeos que hacen transformar su pintura, desde un comienzo en el cual se aprecian algunas conexiones con el surrealismo a la presencia del informalismo, en el caso de Saura con grandes conexiones con el expresionismo abstracto y la pintura que Jackson Pollock está desarrollando en un momento similar en Estados Unidos.

Saura tendrá relación con todos los grandes artistas del informalismo español, junto a varios de ellos formará el grupo El Paso que estará activo entre 1957 y 1959, Millares, Pablo Serrano, Luis Feito o Rafael Canogar también formarán parte del grupo.

La pintura de Saura está asociada en muchas ocasiones a la creación de personajes conocidos pero que se alteran ante la extensión de manchas creando figuras monstruosas de un fuerte contraste expresionista. Ello es debido no solo a la forma de extender las manchas deformando la figura, sino también al uso de colores negro, blanco o gris que añaden, como decimos, gran expresión al cuadro. Algunas de sus obras remiten a grandes maestros o temas que repite hasta la saciedad como la Cricifixión.

Junto a ello también contamos con una amplia producción de obra gráfica, colaboró en la edición ilustrada de varios libros y también cuenta con diferentes series que sirven para acercar su obra a un público que quizás no puede hacerse con uno de sus cuadros. En estas series el colorido y la cercanía a Pollock se aprecian mucho más que en sus pinturas antes descritas.

Aquí tenéis el vídeo con la biografía y la obra de Antonio Saura por si os interesa

 

El arquitecto Santiago Calatrava para niños

El arquitecto que hoy nos ocupa es sinónimo de éxito ya que ha recibido varios premios y reconocimientos por muchas de sus obras realizadas, pero al mismo tiempo también es motivo de crítica y polémica, ya que ha sufrido diferentes demandas y quejas por muchas de sus obras realizadas. Así que podemos aprender un poco más sobre él y juzgar mejor sus obras. Eso si, nadie podrá negar, polémicas a parte, que tiene un estilo original que hace sus obras reconocibles y eso es motivo suficiente para tenerle en consideración, ya que muchos artistas lo persiguen y pocos lo alcanzan.

Santiago Calatrava tiene una biografía que se encuentra unida a las Bellas Artes en diferentes vertientes, ya que desde niño comenzó su formación como dibujante y pintor, a la Escuela de Bellas Artes asistía hasta que comenzó sus estudios de arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, allá por el año 1969, estos estudios se complementan con los que realizó fuera de España, concretamente en Zurich, dedicados a la ingeniería civil, en esta misma ciudad se doctoró con una tesis sobre la plegabilidad de las estructuras y será el lugar donde abrió el primero de sus estudios, que actualmente se completan con los que tiene en la ciudad de Nueva York y Doha.

Trabajó como docente como profesor auxiliar, pero desde principio de los años 80 comienza a recibir encargos, en principio pequeñas obras que poco a poco se van ampliando a grandes proyectos.

Su estilo tiene influencia de grandes estilos y maestros. Dicen que es un gran maestro en el uso del acero y el hormigón, elementos indispensables en las construcciones desde finales del siglo XIX y que han permitido la construcción de grandes edificios que cuentan con estructuras basadas en estos materiales. Gaudí aparece como una gran referencia en su obra, parece ser uno de sus artistas de referencia, sobre todo algunas de las formas que vemos en la Basílica de la Sagrada Familia, con esos pilares que se dividen y subdividen en varias ramas que no acuden a recoger el peso de forma vertical sino en muchos casos diagonal con diferentes inclinaciones, como también se observa en la Sala de las 100 columnas que Gaudí realizó en el Parque Güell de Barcelona. Por tanto en las obras de Gaudí encontramos una gran referencia, el uso de los arcos parabólicos nos reafirma en esta teoría.

Al igual que Gaudí, muchos de los edificios tienen una inspiración gótica, no es una simple imitación sino una base sobre la que partir y sobre la cual se construye un edificio que, pese a tener un ambiente gótico, desborda este estilo para convertirse en algo nuevo y original.

Los estudios de ingeniería civil también conectan a Calatrava con la arquitectura romana y algunos de los grandes edificios de ingeniería construidos por estos grandes maestros cuyas obras están vigentes en la actualidad pese a que fueron construidas hace 2000 años.

Como hemos dicho este artista no se ha librado de ciertas polémicas, por ejemplo hay gente que le acusa de una gran sobrecoste por encima del proyecto inicial como sucedió en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia o como ha sucedido en la estación de metro que se ha construido en la zona cero de Nueva York. A veces ha sido la utilización de materiales inadecuados como sucede en el Puente Zubizuri en Bilbao, una ciudad con mucha lluvia y donde las losetas en contacto con el agua han provocado un buen número de resbalones, en esta misma ciudad también hubo problemas con el aeropuerto. En Venecia, donde construyó un puente que unía las dos orillas hubo que rehacer el proyecto varias veces debido a que los materiales no eran adecuados y su peso hacía que las orillas se hundieran con el peso del puente, ello llevó a un gran desembolso de dinero por parte de la ciudad veneciana.

Al mismo tiempo hemos contabilizado más de 40 premios, entre ellos el Principe de Asturias de las Bellas Artes y 19 doctorados honoris causa por diferentes Universidades tanto españolas como extranjeras.