Las pinturas románicas de Santa María de Tahull

La iglesia románica de Santa María de Tahull se encuentra en el Vall de Boi, donde se concentran un grupo de iglesias que fueron edificadas en el primer románico, es decir entre los años 1000 y 1088. Se aprecian algunas características de este estilo en el exterior de la iglesia cuya cabecera está decorada con arquillos ciegos y bandas lombardas que pueden llegar a España por mar desde la zona de Como en Italia.

En su interior estas iglesias estaban pintadas, tanto en el ábside principal como en los muros laterales, en el románico no se concibe una iglesia sin pintura, también en ocasiones en el exterior para decorar pórticos, columnas o capiteles. En la mayoría de los casos estas pinturas se han perdido.

La técnica que utilizaban es la pintura al fresco, con ello tenían una limitación de tiempo para poder pintar, ya que debían preparar la pared con una mezcla de cal y arena fina y sobre ella aplicar unos colores acuosos que tardaban unas siete horas en secarse, por eso el artista debe ir a toda pastilla para realizar su trabajo.

En el abside de la iglesia de Santa María de Tahull (ahora conservado en el Museo de Arte de Cataluña) se representa una escena que conocemos como la Epifanía, es decir los reyes magos se disponen a entregar regalos al niño, le entregan oro como rey, incienso como Dios y mirra como hombre, cubriendo así todos los atributos de su figura. 

Resulta curioso que los tres reyes son de color blanco, recordemos que según la tradición y como podemos observar en muchas otras pinturas el rey Baltasar es de color negro, aquí incluso podemos identificar a cada rey con su nombre, ya que aparecen escritos junto a sus figuras en el ábside de la iglesia.

La Virgen sigue el modelo bizantino de Teotokos, es decir la figura de la madre es como un asiento donde el niño se recuesta y donde no existe ninguna comunicación entre la madre y el hijo, de hecho al niño se le ve como demasiado mayor para la edad que debe tener bendiciendo con su mano derecha y sosteniendo un rollo de papel en su mano izquierda. Ellos, tanto madre como hijo, aparecen dentro de una mandorla o forma parecida a una almendra. Esta situación de falta de comunicación cambiará en el gótico donde la actitud de la Virgen será mucho mas maternal recibiendo respuesta por parte de su hijo.

Todo con esos colores tan vivos que podemos observar en estas iglesias y que tienen influencias del este de Europa.

El pintor Jasper Johns para niños

Jasper Johns es junto con otros artistas uno de los iconos del arte norteamericano de la segunda mitad del siglo XX y uno de los que sufre una evolución más grande debido a la influencia de muchos artistas y estilos que conviven en esa época en la que Nueva York se convierte en el centro del arte contemporáneo.

El artista, todavía vivo, había nacido en Augusta, en el estado de Georgia, en el año 1930, pero para poder triunfar y llegar a ser algo en el arte del momento había que trasladarse a Nueva York y, debido a su talento, allí se dirigió animado por uno de sus profesores de arte que tuvo en la Universidad.de Carolina del Sur.

En la década de los cincuenta, al igual que otros muchos artistas estuvo influenciado por el expresionismo abstracto, uno de los artistas que más le influyo fue Robert Rauschember, convirtiéndose los dos en exponentes de este movimiento durante esa década. Conviene recordar que también es el momento de otro gran artista del expresionismo abstracto como Jackson Pollock.

Pero hay un hecho que va a cambiar su vida y es el la obra de Marcell Duchamp, el veterano artista y su ideal del readymade serán decisivos en su carrera. El readymade lo que hace es que convierte en arte cualquier objeto solo por el simple hecho de ser llevado a una exposición artística. Duchamp había comenzado con ello en 1917 cuando se atrevió a llevar un urinario a un museo bajo un pseudónimo para que no le descubrieran que había sido él, ya que formaba parte del jurado que debía elegir las obras, hay que decir que su provocación no fue aceptada y la obra se rechazó, pese a que las bases de la convocatoria decían que ninguna obra seria rechazada. Esto inauguraba la posibilidad de convertir en arte cualquier objeto encontrado y eso es los que Jasper Jonhs va a hacer con muchas de sus obras donde incorpora objetos del todo inverosímiles pero que se mezclan con la pintura y una concepción expresionista, mínimal o conceptual.

También tuvo influencia del arte y artistas pop, sobre todo en la década de los 60, colaboró con otros artistas del momento como Andy Warhol o Bruce Nauman. Quizás su obra pop más conocida sea una serie de banderas de los Estados Unidos que tuvieron muy buena acogida entre la crítica y también en museos. Al igual que Warhol también utilizó objetos de uso cotidiano para convertirlos en obras de arte, por ejemplo latas de cerveza.

Es uno de los artistas vivos más cotizados en las subastas de arte y sigue realizando trabajos y exposiciones actualmente, la última grande ha sido en el MOMA de Nueva York en el año 2014 donde el artistas incluía obra nueva que convivía con sus viejos trabajos.

¿Es rentable invertir en arte contemporáneo?

Siempre se ha extendido el falso mito que de comprar arte hay que verlo no solo como un objeto que pueda decorar la casa o formar parte de una colección, sino como una inversión que se revaloriza con el tiempo y que vale más cuanto más tiempo pasa, pro nos quedan ciertas dudas sobre ello que vamos a tratar de desarrollar en este post.

Hugo Alonso RecII

Invertir en lo que llamamos arte emergente puede salir bien o estrepitosamente mal, en primer lugar debemos definir el arte emergente como gente joven que comienza su carrera artística y cuyos precios pueden oscilar entre los 3000 y 5000 euros. Muchos de estos artistas emergente no superan la barrera de una primera exposición en una galería y si tienen una segunda será dos o tres años más tarde, de cada cinco artistas jóvenes que expone una galería solo uno tendrá una nueva exposición dos años mas tarde, con lo cual cuatro se quedan por el camino, si hemos invertido en alguno de ellos, tendrán que buscar una nueva galería y una nueva oportunidad para poder volver a exponer, nuestra obra por tanto no encontrara mercado en caso de que queramos sacarla a la venta.

Última subasta record de Picasso, mujeres de Argel

Otra cosa muy distinta es comprar una obra de uno de los grandes y ahora me refiero a aquellos cuyos nombres salen de forma recurrente en las subastas de arte porque han batido el record de venta, me refiero a nombres como Picasso, Monet, Van Gogh Gaugin, Giacometti y otros muchos artistas situados a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en ese caso si estamos haciendo una inversión mas que comprando una obra. Indudablemente esta opción no se encuentra al alcance de todo el mundo, que digo, ni siquiera de unos pocos.

Son muy pocos los artistas que pueden vivir exclusivamente del arte, en una de los últimos estudios, solo en España, el número no llegaba a 100, muchos llamados artistas tienen que compaginar su vocación con otra profesión, en muchos casos relacionada con la docencia o con el diseño. Claro que tenemos al artista "marca" ese que solo con su nombre es capaz de vender cualquier cosa que haga sea buena o mala, quizás el mejor ejemplo en la actualidad es el artista inglés Damien Hirst, conocido por meter tiburones y otros animales en formol y también por sus diferentes series sobre píldoras y mariposas, creadas en un taller como el que podía tener cualquier artista cargado de encargos en época barroca. El debate aquí es como calificar la obra frente al nombre del artista que abriría todas las puertas posibles y que por ahora se revaloriza. Aunque como decía algún crítico el mejor sedimento para conocer el verdadero juicio de una obra es el tiempo y ya veremos que pasa con Hirst dentro de 100 años, quizás no llegue a ser el nuevo Picasso, sino solo una gran operación de marketing.

Uno de los tiburones en formol de Damien Hirst, abanderado de los Young British Artist

Justo antes de la crisis muchos de los museos de arte contemporáneo invertían en arte y creaban unas colecciones que iban aumentando cada año jaleados por unas galerías que veían un negocio fácil, en vez de trabajar el coleccionista privado. ¿Que pasaría si alguno de estos museos trataran de poner esas obras en el mercado para hacer dinero? Pues en nuestra opinión la gran mayoría no saldrían de los almacenes, quizás algún artista con mucha demanda y poca producción y quiero pensar en la Etíope Julie Mehretu, por poner un ejemplo, pero pocos mas se me ocurren en una situación similar. La mayoría de estos artistas están vivos y se puede conseguir obra con facilidad, en muchos casos hasta por ebay.

Voy a dar un ejemplo real, conocí un constructor en una inauguración de la única exposición que en España se hizo de la artista Suling Wang, concretamente en la Galería Soledad Lorenzo, esta persona pago por el cuadro una cifra cercana a los 26.000 euros. ¿Que pasaría si por problemas económicos quisiera desprenderse de ella? Pues pensamos que tendría muchas dificultades, la galería ha cerrado con lo cual ya no se la puede comprar, la galería de esta artista está en Londres y aunque siempre tenderá a mantener el precio de la artista no pensamos que quiera recomprar este tipo de obra porque tiene material de sobra para ofrecer a sus clientes, es complicado llegar a otro coleccionista, el mercado del arte no funciona de esa manera, hay otros canales en los cuales se prefiere una obra nueva a una obra usada, por ultimo no pensamos que Suling Wang (con respeto) haya revolucionado o piense revolucionar la historia del arte contemporáneo, con lo cual esa inversión se encuentra en un ángulo muerto.

Julie Mehretu

Por todas estas razones pensamos que la inversión en arte es un falso mito para crear mercado pero que la realidad es que no existe el mercado cada vez que se quiera vender una de las obras que hemos adquirido en una feria o una galería de arte. Se trata de una inversión perdida o quizás no, si conseguimos que por lo menos sirva para decorar el salón de nuestra casa, siempre haciendo juego con el ambiente general.

Una de las obras de la artista Taiwanesa Suling Wang

La Cueva de Altamira para niños

Situada en la región de Cantabria la Cueva de Altamira siempre se ha calificado como la Capilla Sixtina del arte prehistórico debido a la calidad de las pinturas conservadas en su interior. Unas obras que fueron realizadas a lo largo de los años ya que por mucho tiempo el ser humano estuvo viviendo en ese lugar, desde el 35.000 al 13.000 antes de cristo, son varios miles de años en los cuales se hicieron tanto pinturas de diferentes animales como extraños símbolos mucho más difíciles de interpretar.

Las pinturas se encuentran a lo largo de toda la cueva y están pintadas en todos los lugares, tanto muros como techos en las diferentes salas de la cueva, quizás la mas conocida es el techo de una sala que se encuentra llena de bisontes, pero hay muchos otros lugares con pinturas dentro de la cueva.

Es muy posible que estas representaciones animales tengan un carácter icónico, el deseo de acceder a estos animales para unas comunidades que viven de la caza tienen mucho que ver con su representación.

Se utilizan dos colores, el carbón negro y un pigmento de color rojo, a veces solo el negro, a veces combinado como ocurre con los conocidos bisontes en los cuales se pintaba la forma en color negro y se rellenaba con el color rojo, incluyendo detalles en negro como el vientre o el pelo de la joroba, también se grababan algunas partes del cuerpo como los ojos, los cuernos o el pelo del cuello. Algunos bisontes adoptan la forma del relieve de la cueva adaptándose de forma perfecta al relieve de la cueva.

Pero no solamente se representan bisontes sino que también encontramos otros animales como caballos o ciervos.

Mas complicados son algunos símbolos de forma rectangular subdivididos en diferentes cuadrados de distintos tamaños que aparecen también en la cueva, se ha apuntado a símbolos cercanos a la fertilidad o bien a cuestiones de tipo religioso que nos son desconocidas. También podemos encontrar manos representadas en color rojo en positivo y en negativo que podemos asociar con firmas o hechos de los habitantes de la cueva.

La Cueva ha sufrido diferentes problemas de conservación y le afecta sobremanera la presencia humana y el aumento de temperatura que supone de respiración dentro de la misma, por esa razón la cueva se encuentra cerrada desde hace años. Actualmente se permite solamente una visita semanal de cinco personas y 37 minutos de duración con unas medidas muy estrictas en la forma de vestir e iluminación de la cueva, el día en que se celebra la visita es los viernes. Existe la posibilidad de visitar el Museo de Altamira que reproduce partes de la cueva de forma exacta.

¿Que es el automatismo y cuando se utiliza en pintura?

El automatismo, en su variante pictórica, esta asociado con las primeras décadas del siglo XX y más concretamente con el movimiento surrealista, con el que vivirá su máxima expresión, para ser utilizado después por otras tendencias como el expresionismo abstracto o el happening.

Partimos de la base de que en muchas ocasiones, a la hora de crear una composición pictórica, el artista se nutre de un modelo que le sirve de inspiración y del cual se dispone a realizar una copia, bien podemos estar hablando de un paisaje o también de una figura humana que ha sido colocada en una posición y con una actitud concreta.

Frente a esta técnica de composición encontramos el automatismo, del cual podemos decir que sería una representación de la parte inconsciente del artista, cuyo motivo de inspiración pude ser cualquier cosa, una mirada, un gesto, un sonido, algo que lleve al lienzo o al papel para expresar los sentimientos que ello le produce.

Pero lejos de asociar las imágenes con algo concreto al artista se le entrega la total libertad para crear aquello que le parece, sin ninguna limitación, dejando llevar la mano de manera inconsciente a lo largo del soporte para componer aquello que va saliendo con el simple movimiento de la misma.

Es algo parecido a lo que sucede cuando entregamos un lapicero a un niño de dos o tres años y le decimos que se ponga a pintar, quizás nos devuelva una hoja llena de líneas y tachones carentes totalmente de sentido y fruto del movimiento de la mano en distintas posiciones. Por eso el automatismo se encuentra muy unido a los niños, no solo al movimiento surrealista, ellos son los primeros creadores de este tipo de dibujo o pintura donde el inconsciente juega un papel tan importante.

André Breton, el padre del surrealismo, fue uno de los grandes defensores de esta corriente creativa, un espacio donde las decisiones deben tomarse de forma automática, sin tener ningún tipo de propósito concreto y donde el riesgo es un palabra que no existe, ya que no se asume ninguno a la hora de ejecutar la creación. La razón y le conocimiento no tienen nada que ver con este tipo de técnica, ya que lo irracional es lo que forma parte de la misma.

Esta forma de crear no la veremos solo en pintura o dibujo sino que afecta a otro tipo de creaciones como la literatura o la poesía.

Los arrepentimientos de Diego Velázquez

Velázquez es uno de los grandes genios de la pintura, quizás uno de los mas grandes que ha dado España a lo largo de los siglos. Su manera de pintar, sus obsesiones y alguno de los avances que provoca en la pintura de su tiempo le convierten en un aventajado respecto a otros artistas tanto de su mismo tiempo, como posteriores a él.

Pero nadie es perfecto y como humano Velázquez también cometía errores cuando pintaba. Cuando cometía un error, bien de proporción o de distancia en vez de dejarlo como estaba lo corregía borrando o tapando con pigmentos la parte que no le interesaba y pintando la nueva parte al lado. En un primer momento nadie se daba cuenta, entre otras cosas porque la pintura estaba muy reciente, pero con el paso de los años algunos de los pigmentos aplicados se han perdido y han salido a la luz estas correcciones que pueden apreciarse perfectamente.

Una de las ventajas de Velázquez respecto a otros artistas es que las obras que fueron pintadas por él no se vendieron ni se trasladaron a otros lugares sino que se encontraban en su propio lugar de residencia, con ello era mucho más fácil poder darse cuenta de estos pequeños errores y ponerse a trabajar sobre ellos.

Y es que ponerse a pintar no es tan fácil como parece. Hay que tener una perfecta idea de la proporción, tanto en personas, animales o en paisaje. Me viene a la cabeza imágenes del maestro sevillano de Velázquez, Francisco Pacheco, cuya idea de la proporción estaba completamente distorsionada, pintando por ejemplo objetos excesivamente pequeños para su distancia respecto al primer plano. Zurbarán también cometía este tipo de errores.

Vamos a ver algunos de estos ejemplos de los arrepentimientos de Velázquez: 

Como podemos apreciar tanto en el original como en el detalle, este caballo en su parte trasera da impresión de tener una pata de mas.

En este retrato de Felipe IV como cazador si nos fijamos tanto en el brazo como en la pierna se nota perfectamente que la posición del monarca ha sido corregida

La calabaza que aparece en la parte derecha del cuadro ha sido pintada de nueva, quizás la posición inicial de la primera no le convencía del todo.

En esta representación del bufón Diego de Acedo se nota que no tuvo otro sitio donde limpiar los pinceles después de utilizar el negro que en la parte trasera del cuadro, luego lo cubrió con un paisaje, pero, como hemos dicho, el desgaste de los pigmentos han hecho volver a aparecer estas manchas negras sobre el paisaje de montañas posterior.

¿Que es la pintura al óleo y sobre que soportes se utiliza?

Este tipo de pintura es quizás la más popular desde el siglo XVI en adelante y sigue utilizándose en la actualidad por la comodidad de su uso y las facilidades que otorga al artista a la hora de utilizarla.

Oleo sobre tabla realizado por Jan Van Eyck

La técnica consiste en mezclar una serie de pigmentos de diferentes colores con algún tipo de aceite, que suelen ser de origen vegetal. Durante la época barroca los artistas realizaban su propia mezcla y usaban para ello en su mayoría aceite de lino. Esta opción cambió a lo largo del siglo XIX, con la posibilidad de comprar la mezcla ya hecha en diferentes tubos de colores que ahorraban gran cantidad de trabajo a los artistas que debían conseguir los pigmentos, algunos complicados, el aceite (la más utilizada solía ser el aceite de linaza)  y luego realizar la mezcla correspondiente. La esencia de trementina servía como disolvente, con ello se conseguía una pincelada más fácil y llena de pasta.

Una de las ventajas del óleo frente al fresco es que tardaba más tiempo en secarse y por ello permitía que se pudieran realizar correcciones si se cometía algún error, por ejemplo en temas de proporción, que solía ser lo más común. Pensemos que con la pintura al fresco el artista disponía de un tiempo limitado para realizar la obra, unas siete horas, superado ese tiempo no se podía hacer ningún tipo de corrección porque la base absorbía la pintura y la fijaba de manera que hacía imposible la corrección.

El óleo en cambio secaba de forma mucho más lenta y permitía realizar correcciones manteniendo el color de una forma excelente, estas fueron razones para que algunos artistas comenzaran a usarlo en la edad media, pero como decimos no será hasta el renacimiento y sobre todo en el barroco cuando esta técnica se va a extender de forma masiva frente a la utilización del fresco, que se utiliza mucho más durante la edad media. Velázquez será uno de sus grandes defensores, la técnica le permite una forma de pintar más pausada y como podemos observar en sus obras existen "arrepentimientos" es decir correcciones realizadas una vez que la obra estaba concluida pero sobre la que el autor volvía para realizar algún cambio.

El óleo se puede utilizar sobre múltiples soportes, quizás los dos más conocidos sean la tabla y el lienzo. Para la primera debemos preparar la tabla para que reciba la pintura, fue muy popular entre los artistas flamencos, la desventaja es que la tabla está sujeta a las variaciones y extremos en la temperatura a lo largo de las estaciones y eso lleva a que en ocasiones se deteriore y surgan pequeñas grietas . El más popular sin duda es el óleo sobre lienzo, que es una tela entre cuyos materiales encontramos el lino, la arpillera o en ocasiones el algodón. Es muy ligero e incluso pintado se puede transportar de forma fácil y menos pesada que la madera, por eso se hizo más popular entre los artistas, sobre todo algunos que salían al aire libre para realizar obras de paisaje.

Las espigadoras de Millet es un óleo sobre lienzo