Los 5 mejores pintores del barroco español

Los siglos XVII y XVIII son quizás unos de los más conocidos de la pintura española, cuando en una época de crisis surgen los grandes maestros de la pintura que van a trabajar tanto en España como en el extranjero. Es bueno que los niños se familiaricen con algunos de esos pintores y sus principales obras y, sobre todo, la razón por la cual son conocidos a nivel mundial.

Bodegón de Juan Sánzhez Cotán

• Diego Velázquez: el artista sevillano está considerado como uno de los mejores pintores españoles de todos los tiempos. Su capacidad y dominio de la técnica es excelente, desde el realismo fotográfico de sus primeras obras a los experimentos cercanos al impresionismo que realiza tras su segundo viaje a Italia. Y esa obsesión por conseguir profundidad que le invade en la última época de su vida. Algunos como su yerno Juan Buatista Martínez del Mazo o el que fuera su esclavo Juan de Pareja intentarán continuar su estilo y, aunque son muy buenos artistas, no llegarán a la gran talla de su maestro.
• José de Ribera: el artista valenciano (nacido de Játiva) se formó muy joven en su región, pero también emigró muy pronto a Italia, ya que contaba con tan solo 20 años, donde se quedará tras un periplo en Roma, residiendo en Napoles, que por aquel entonces era territorio español. Ribera evoluciona desde el claroscuro a una iluminación general en sus obras y será muy conocido por sus pinturas en las que representa el martirio de diferentes santos y héroes mitológicos.

Bartolomé Esteban Murillo. Pícaro

• Bartolomé Esteban Murillo: el artista sevillano es un poco más joven que Velázquez, pero desarrollará su obra artística principalmente en la ciudad de Sevilla, donde se hizo famoso por su forma de representar la Inmaculada y la candidez de las figuras que pintaba. Junto a esos encargos religiosos observamos también obras de gran contenido social en las que denuncia de una forma muy delicada la vida de los jóvenes abandonados y pícaros de la época.
• Juan de Valdés Leal: el artista sevillano es muy conocido por sus temas relativos a la banalidad de la vida en la tierra y la universalización de la muerte, las vanitas así es como se llaman, pintura como In Ictu Oculi o Finis Gloriae Mundi, son sus obras más destcaadas, pero se conservan muchas más imágenes del pintor andaluz que nos dan una dimensión diferente de este artista del claroscuro barroco.
• Juan Sánchez Cotán: antes que citar a Zurbarán y si tenemos que elegir uno de los máximos representantes del bodegón en España nos quedamos con Sánchez Cotán. Zurbarán tiene pequeños problemas para resolver tanto el movimiento como la proporción de las figuras. El realismo de un tema tan representativo de la pintura española como es la naturaleza muerta, pensamos que queda perfectamente representado por este artista que nació cerca de Toledo en el año 1560.

La revolución de Marcel Duchamp al llevar un urinario al Museo

Nuestra historia comienza en el año 1917, cuando uno de los mas destacados dadaistas, Marcel Duchamp se le ocurre participar en una exposición donde se anunciaba que ninguna de las obras presentadas sería rechazada.

Así que Duchamp, el cual hemos estudiado en la principales características del dadaismo,  vió su oportunidad y no se le ocurrió otra cosa que presentar un urinario a la exposición firmado por R Mutt, un seudónimo para que no le descubrieran que alude al fabricante de la pieza. El artista formaba parte del comité de la exposición y quería observar la reacción de los presentes ante la obra.

Este hecho lo conocemos como un readymade, si tenemos que definir la palabra readymade podemos decir que consiste en descontextualizar cualquier objeto para convertirlo en una obra de arte, se trata de objetos de uso diario que no se consideran artísticos, pero que por el simple hecho de situarse en un museo pasan a serlo. La obra llevaba el título de La Fuente y no llegó a poder exhibirse porque la junta se opuso a ello, el original se ha perdido, aunque el artista realizó varias copias.

Este hecho, esta acción, mas que la obra de arte en si, se considera de gran importancia en el devenir artístico del siglo XX y cambia la percepción que artistas y público tenían de la belleza estética. A partir de este momento, cualquier cosa, cualquier objeto es susceptible de ser transformado en obra artística, solo por el simple hecho de que se expone en las salas de un museo. A ello se suma la idea de provocación, de reacción ante la obra de arte, de gran influencia durante el dadaismo y obras posteriores a los años 60, donde tras la revolución de 1968 se retoma la idea.

Todo ello nos lleva a cuestionarnos que es el arte y sobre todo si todo es válido en el arte contemporáneo, porque a veces da la impresión de que podemos justificar cualquier cosa, el museo lo sanciona y el crítico de arte lo valida, cuando en realidad la obra artística es algo más que un objeto de uso cotidiano expuesto con una excelente luz en una sala de un Centro de Arte. Aunque claro, como indica el profesor Castro Florez, vivimos en una época en la que tras escuchar las noticias que nos vende la televisión es complicado indignarse ante una obra de arte. La obra maestra, la belleza en el arte, se ha transformado como dice el filósofo Enrico Baj en algo sórdido, patético y completamente ridículo. Corremos, añade Castro Florez, sin movernos a ningún sitio, cuestinándonos a veces lo incuestionable y somos capaces de convertir en religión que Forrest Gump pise una mierda mientras esta corriendo. ¿Porque corres? le preguntan en la película. "Me apetecía" es la respuesta. Nos cuestionamos cualquier cosa y buscamos algo siniestro que ayude a mantener la tensión en la que vivimos debido al miedo a lo diferente.

Piero Manzoni. Mierda de artista 1961

Vivimos en usa sociedad consumista, ávida de novedades que duran un solo instante y son sustituidas por otras que tiene lugar en los siguientes 30 minutos, donde no sabemos si las propuestas estéticas tienen lugar (Fernando Torres Rodríguez en su libro Hacia la Madurez de la Modernidad afirma que en una sociedad como la nuestra donde las novedades intentan atraer al aficionado al arte contemporáneo para justificar grandes inversiones (grandes instalaciones) tiene cabida propuestas que desde la experimentación del siglo pasado apostaran por profundizar en ella desligándose de la inmediatez del comercio).

Quizás el arte en el mundo actual ha sido sustituido por el yo y la obra deja de tener importancia frente al nombre del artista y su valoración el mercado ("se ha producido una pérdida del arte como forma de ganarse la vida pasando a convertirse en una reivindicación del yo creador, del superyo" Fernando Torres Opus Cit). El artista consagrado es más importante que la obra que presenta, lo cual produce un arte desvirtuado y decadente, que se mueve solo por el consumo desaforado y un rebaño que valora más los nombres que las obras. Junto a ellos una crítica de arte que ha dejado de criticar para pasar a justificar cualquier cosa, atenazados bajo un cúmulo de intereses que les vincula con todos los estamentos del arte.

El informalismo explicado a los niños

El termino informalismo, deriva de la palabra informal, que fue utilizada para designar una pintura por primera vez en el año 1950 con una obra que resultaba diferente a cualquier forma de significado y que se sustentaba en la identidad material de los elementos plásticos que la componen. Los materiales eran los elementos fundamentales de la obra que generalmente era abstracta. Al artista lo que le interesa es explorar aquello que de expresivo tiene la materia.

Composición. Alberto Burri. 1953. Museo Guggenheim, New York

Poco después el estilo fue tomando forma y el informalismo basculaba entre obras en las cuales se insinuaba la figuración y todo aquello que era no figurativo, con una gran capacidad para incluir escrituras o símbolos y signos (puntos, líneas, círculos, cruces...) que no tenían ningún significado concreto.

Esta segunda acepción nos lleva a una extensión del informalismo a aquellas obras en las que la materia, los signos, lo gestual o la ausencia de una estructura prevalecen sobre cualquier otro rasgo de identidad de la obra. La obra no tiene una planificación fija, sino que se va construyendo desde que el pintor realiza la primera mancha "Pintor: mira tus paletas y trapos, las claves que estás buscando en ellos están" afirmaba Georges Mathieu y Jean Dubuffet en el año 1945.

El informalismo vivirá su gran momento desde el final de la segunda guerra mundial hasta bien avanzada la década de los años 60. Son muchos los movimientos que influyen en el origen informalista, quizás el más conocido sea el expresionismo abstracto en Estados Unidos, pero también la abtracción lírica en Europa o el tachismo. Todos ellos conviven y se influyen mutuamente.

El movimiento informalista tuvo mucha repercusión en España donde contó con algunos de los más conocidos pintores de la segunda mitad del siglo XX, quizás el más representativo de todos sea el pintor recientemente fallecido Antonio Tapies, el color, la materia, los grafismos y los símbolos ( a veces inspirados en la filosofía oriental)  forman parte inequívoca de sus obras, Manuel Millares es uno de nuestros favoritos, muy conocido por sus homúnculos (representaciones de figuras humanas encontradas en la excavación de una ciudad), falleció tempranamente, en el año 1973, utilizaba la arpillera (entre otros desechos y desperdicios) con coloraciones blancas y negras y la perforaba de manera que sus cuadros parecían adquirir una tercera dimensión a través de esos restos de saco. También Antonio Saura participó en muchas de sus obras de la estética informalista, quizás en este caso más cercana al tachismo y al expresionismo abstracto por la fuerza de las pinceladas que observamos en sus obras.

Antonio Saura Memoria y Recuerdo.

Acercándonos al arte Contemporáneo. Tracey Enim My Bed

My Bed es una de las obras más representativas de esta artista británica, que presentó esta obra en el año 1998 y se expuso por primera vez en el año 1999, formando parte de la lista de obras nominadas a los prestigiosos premios Turner, aunque no consiguió el premio.

Como podemos ver la obra representa la propia cama desordenada de la artista, una cama sin hacer con un montón de objetos, quizás residuos, basura en muchos casos, representados a su alrededor. Aparentemente la obra no nos dice mucho mas, pero si buscamos más información podemos encontrar que la obra está realizada después de un periodo de depresión de la artista, en la cual ella misma dice que estuvo tentada por el suicidio tras un desengaño amoroso. La propia cama tiene en sus sábanas restos de sus secrecciones y entre los objetos del suelo podemos encontrar algunas de las pastillas que utilizaba contra la depresión y también preservativos y su ropa íntima con restos de sangre, sus zapatillas y un montón mas de detritus. Tony Matelli presento algo más tarde una obra similar titulada Total Torpor de la que hablamos cuando dedicamos un post a lo desagradable en el arte actual.

Claro que lo que debemos preguntarnos es si esto es una obra de arte, el coleccionista el inversor Charles Saatchi debió pensar que si porque pagó por ella 150.000 libras y desde entonces ha revalorizado mucho su valor. Paul Virilio hablando de la valoración de ciertas obras dice que las obras ya no son cotizadas sino "deliradas" y que todo esto ya no tiene que ver con el arte sino con la lógica comercial en el sentido más banal del término.

Pienso que tenemos dos aspectos en los cuales debemos poner el punto de atención. Primero, como decía Duchamp, cualquier objeto es susceptible de convertirse en obra de arte, eso ya lo hizo él en 1917 cuando llevó un urinario a un Museo como obra artística bajo el nombre de La Fuente. Decía Nicolas Bourriaud que la forma de la obra contemporánea se extiende más allá de la forma material, es una amalgama, un principio aglutinante dinámico. En su estética relacional Bourriaud nos recuerda que la participación del espectador se ha vuelto una constante en la obra artística.

Pero la obra en si no está alejada de lo que podemos encontrar en algunas casas, donde la cama solamente se hace una vez cada quince días, justo en el momento en que deciden cambiarse las sábanas. Así que no es para nosotros una imagen tan extraña, tan alejada de la realidad.

Claro que por otro lado surge la idea de lo siniestro y esta llega con la cotidianidad de la artista (como expresa el profesor Fernando Castro Flórez acostumbrados a terribles noticias en los medios de comunicación lo terrible para nosotros no es algo extraño y por tanto hay que detallar las imágenes y en arte a veces llevarlas hasta el extremo), con lo que conocemos de su vida personal, todo ese cúmulo de desgracias que le llevan a que el caos se apodere de su vida y decida contar su historia a todo el mundo a través de uno de sus objetos más personales, en este caso su cama llena de secrecciones, de una vida desperdiciada porque ha perdido momentáneamente su sentido.

Esa estética del caos, del desorden (presente por otras parte en muchas casas actuales donde ropa sucia se mezcla con restos de polvo, basura, papeles sueltos, suelos sin fregar y cocinas a rebosar de platos que ni siquiera se han metido en el lavavajillas) , no se aleja mucho del concepto neobarroco que invade nuestra vida diaria, donde tendemos a buscar en lo cotidiano aquello que resulta diferente y por tanto angustioso para nosotros (Sigmun Freud decía que la esencia de los siniestro no se encuentra en lo desconocido sino en lo familiar que poco a poco se fue tornando extraño). Aquello que forma parte de la vida privada de los demás nos inquieta, mientras que para ellos resulta algo normal. Se trata de la inseguridad que produce lo desconocido. Solo cuando esos secretos salen a la luz causan admiración, a veces incluso sin reflexionar que nosotros mismos también tenemos leones debajo de nuestra cama, pero somos más pudorosos y formales porque al contrario que Tracy Enim decidimos no mostrarlos, son o serán un secreto para el resto de nuestras vidas.

Criticar un obra de arte contemporáneo resulta muy complicado después del espectáculo que cada día nos ofrece la televisión, por eso los críticos tienen dificultades para justificar y separar lo bueno de lo malo, cualquier obra comparada con alguno de los programas televisivos siempre saldrá perdiendo, por eso muchos artistas muestran un afán continuo por llamar la atención, con aspectos extremos que intenten producir una reacción, aunque solo sea de asco y desprecio.

El arte como excusa para la provocación

Vivimos en una época de demolición [1], del todo vale en el sentido estético y donde todo está permitido y justificado en aras de fines a veces un tanto extraños que nos impiden pensar con claridad. Ejercer la libertad de pensar exige silencio [2] y ese es un elemento más preciado que el oro en nuestra sociedad, tanto que cuando se consigue la nada, el silencio absoluto, emerge el miedo a lo siniestro, no escuchar nada es un símbolo de que algo malo está pasando o está a punto de suceder.

Pensaba últimamente en los recursos utilizados por la artista Miley Cyrus para seguir gozando de una fama obtenida gracias a uno de los principales elementos dedicados al no pesar, la televisión. Su público ha crecido con ella, ha consumido vorazmente sus productos, series, discos, merchandising variado, un consumo voraz y efímero, símbolo de nuestro tiempo. Cyrus fabrica o le fabrican una música desastrosa, que no llenaría ni una línea dentro de una futura historia del pop, pero en el mundo en el que nos movemos necesita destacar de alguna manera. ¿Como hacerlo? Ofreciendo aquello que clama por los más bajos instintos del ser humano masculino, mostrándose desnuda o semidesnuda con un único afán, que la estética del escándalo sea la que sirva para que se hable de su persona. El escándalo ha invadido nuestra sociedad, ha vencido al pensamiento y al razonamiento, los pechos de Miley, su lengua mas larga que la de Gene Simmons, guitarra de la mítica banda de rock Kiss, pueden generar y estirar una noticia mucho mas que cualquier descubrimiento positivo que facilite la comodidad y haga la vida un poco más fácil, no digo que sea necesario, sino simplemente más fácil.

Recurrir a los bajos instintos, al morbo por el simple hecho de serlo, me recuerda a las activistas de Femen que realmente nunca se lo que reclaman, pero las cuales me agrada ver con el pecho desnudo, porque como animal cualquier persona tiene sus instintos y en este caso los míos se inclinan hacia el sexo femenino. Solo me queda la duda de lo que las mujeres piensan sobre la utilización del instinto sexual para realizar no se que reclamaciones, porque hipnotizado por los pechos no me da tiempo a considerarlo.

No es la primera vez que se utiliza el escándalo para generar noticias, tenemos múltiples ejemplos de ello, no tenemos más que preguntar a Madonna o a Lady Gaga (y su estética del reciclaje contemporáneo[3]), pero resulta un tanto extraño que algunos de los artistas que últimamente presentan discos recurran a este tipo de bajezas para promocionarse en vez de utilizar lo que de artístico tiene el producto que deben vender. Aunque puede que el no arte o la carencia de contenido sea lo que les obliga a utilizar su cuerpo, en un ejercicio de libertad obligada y consentida, con el fin de vender más, como si aquellos que adquieran el nuevo cd de Miley Cyrus se hicieran con algo más que 40 minutos de canciones y unas páginas con fotos seguramente provocativas.

Estaba pensando que para presentar sus nuevos trabajos tanto Beyonce como Shakira y Rihanna (por favor estas últimas juntas en la misma cama y una le pone a la otra la mano en el trasero) se han caracterizado por este simulacro [4]en vez de por una realidad que se muestra enfangada por la falta de ideas y de calidad.
Quizás estos ejemplos se pueden aplicar al arte porque vivimos el mismo tiempo y las noticias son las que son, es mejor que te denuncie la Fundación Francisco Franco como le ocurrió al artista Eugenio Merino, por representar al dictador metido en una nevera, que analizar las razones por las cuales ese personaje (representado con un realismo cruel), era sacado y metido en la nevera a conveniencia de los políticos de turno

En toda esta falacia en la que nos movemos, ¿tu con que versión te quedas? ¿Prefieres escuchar o pasar a la acción?
Guy Debord decía que todos los elementos destinados a la distracción del ser humano, todo aquello que consideramos "espectáculo" está desviando nuestra atención para que no se reflexione sobre lo verdaderamente importante, sobre las cuestiones morales y éticas que afectan a cada uno de nosotros.
Mientras sigamos los debates televisivos que ya nos ayudan sobre aquello que debemos opinar, llenos de personajes que saben "de todo", que opinan sobre todo, que son especialistas en todo, que anulan nuestra capacidad de pensar, porque el tiempo corre a su favor. El tiempo que empleamos en ellos no lo dedicamos a cualquier otra labor que tenga que ver con el conocimiento de la estética o los valores importantes de la sociedad contemporánea[5]. Es un Matrix inducido para evitar el silencio[6], para anular el pensamiento, para girar en torno al morbo y a la crítica fundada en un conocimiento mínimo de la circunstancia.

Aprendamos a distinguir aquello que merece la pena, apartemos el "espectáculo" para dar paso al yo crítico, al que busca sus propias ideas y las expresa sin temor porque están basadas en los conocimientos adquiridos.

[1]El propio Theodor Adorno indica que los objetos que forman parte de un museo tienen connotaciones desagradables porque el espectador ya no tiene una relación vital con ellos y por tanto se encuentran en proceso de extinción.

[2]"Tiempo extraño este de una sociedad en la que el silencio se ha asociado a la muerte y donde entrar en un lugar vacío y no escuchar algún ruido hace cuestionarnos donde estamos y que estamos haciendo allí, invadidos por una sensación de desasosiego". Paul Virilio. El procedimiento Silencio. Buenos Aires. Paidos. 2001

[3]"Debemos diferenciar lo que es provocación en si y lo que es arte. En la proliferación de estilos plagiarios no aparece mas que un anhelo patético de notoriedad, una urgencia por conseguir a toda costa la fama, por precaria que sea, asumiendo una ironía que funciona como coartada". Fernando Castro Flórez. La Verdad pública, consideraciones críticas sobre el arte contemporáneo. Documenta Artes/UAM 2009.

[4]Utilizado en el sentido que lo hacía Braudillard, es decir una estrategia adoptada por el orden de producción capitalista para lograr su supervivencia a través del consumo ejemplificado en los objetos/signos que circulan en nuestra sociedad.

[5]"La televisión está embarcada en una consolidación del patetismo, acribillándonos con charlas sin sentido, gran alivio no tener nada que decir, el derecho a no decir nada. No es que exista un bloqueo en la comunicación sino un bloqueo en las declaraciones". Fernando Castro Flórez. Notas sobre el complot desactivado (artístico) contemporáneo. Dardo Magazine nº16 2/3 2001. Pag 25-42

[6]"El silencio, la falta de crítica, se puede convertir en consentidor de aquello que nos tiene silenciados sin opinión, como pueden ser los medios de comunicación. Guardamos silencio por miedo a meter la pata, por miedo a hacer el ridículo". Paul Virilio. El procedimiento Silencio. Opus Cit

El papel de los medios de comunicación dentro del sistema del arte

La gran cantidad de productos dedicados al consumo cultural que tanto abunda en nuestro tiempo hace necesario personajes y medios que nos hagan distinguir aquello que merece la pena de lo que es un simple espectáculo, en el sentido en que Guy Debord se refería a esta palabra, destinado a obtener unos números decentes o colas interminables a las puertas de las exposiciones realizadas. Nos referimos a críticos de arte que realizan ese papel a través de diferentes canales.

Hasta ahora dos han sido los medios  tradicionales para que la crítica se exprese, por un lado los libros y por otro las revistas especializadas en arte en general y en arte contemporáneo en particular. Debemos decir que estos medios están siendo reemplazados, debido en parte a la crisis económica y también de valores culturales, por los periódicos que ocupan un espacio intermedio entre la información y la valoración crítica.

Por tanto encontramos dos tipos de medios, aquellos que están dedicados a un público selecto interesado en el arte, que consume este tipo de producto, quizás porque se encuentra o desee encontrarse dentro del sistema del arte y, la prensa ordinaria que se ocupa de asuntos que tengan relevancia pública, como grandes exposiciones, subastas, inauguraciones en todo tipo de instituciones, adquisiciones millonarias. Una abundancia de información que no sabemos muy bien si se trata de noticias o de crítica, reduciéndose a veces la cobertura a copiar la nota de prensa facilitada por la institución sin un cuestionamiento mayor de las obras que podemos contemplar en ella, solo algunas veces está noticia viene acompañada por un comentario de un supuesto experto. 

A este respecto debemos decir que algunos periódicos mantienen, suponemos que de forma ruinosa para el periódico, suplementos culturales donde algunos llamados críticos, desgranan las bondades y justifican exposiciones intentando dotarlas de un contenido que tenga que ver con las demandas de la sociedad actual. El ABC cultural, el Cultural de El Mundo o Babelia en El País (en este último la sección de arte ha quedado reducida al mínimo debido al empuje de la literatura y las acciones que la empresa posee o poseía en Alfaguara).

Los periódicos por si solos son capaces, en muchas ocasiones, de crear tendencia y orientar al público sobre si debe o no debe acudir a una exposición. También es cierto que una buena publicidad en cualquiera de estos rotativos puede mover al público 100 veces mas que una noticia o una crítica, porque indudablemente vivimos en la era de la imagen y si esta es impactante nos atrae mucho más que leer un denso texto de 500 palabras donde se relacionan las obras con filósofos contemporáneos que nos hablan sobre la velocidad y el sentimiento trágico de la obra postmoderna. La publicidad encuadra, jerarquiza y orienta el gusto del público a la hora de elegir su producto de consumo, bien sea un reloj, el lanzamiento de una nueva película de estreno o una exposición o evento relacionado con el arte. Vargas Llosa lo expresa muy bien en su libro-ensayo titulado "La civilización del espectáculo".

Concurso de dibujo para niños El Greco 2014

Este año se cumple el 400 aniversario de la muerte de uno de los mas grandes pintores que ha disfrutado España a lo largo de su historia, nos referimos al cretense Domenikos Theotokopoulos, que así es como firmaba sus cuadros, aunque en España y en el universo artístico de le conoce como El Greco, debido a su lugar de procedencia.

Con este motivo se celebra bajo el título el Greco 2014 en Toledo, la ciudad donde residió gran parte de su vida, diferentes exposiciones, quizás la más conocido esta teniendo lugar ahora bajo el título "El Griego de Toledo", y actividades que permitan conocer un poco mejor la vida y la obra del artista cretense, como por ejemplo su gran afición a la lectura y su grandiosa colección de libros tanto de pintura como de arquitectura.

Dentro de estas actividades también existen eventos para los más pequeños y jóvenes, bajo el nombre de El Greco Junior, la Fundación El Greco 2014 ha organizado un concurso de dibujos, en el cual los niños pueden mandar su versión realizada por ellos de cualquiera de los cuadros de El Greco, que serán publicados en la web y participarán en el concurso.

Los requisitos son los siguientes:

Enviar el dibujo en formato .jpg .png o .tiff

Indicar de que cuadro d el Greco es la réplica que estás enviando

Indicar nombre, apellidos, edad y correo del autor

Se pueden enviar los dibujos hasta el 30 de Junio

El concurso de dibujo está abierto a niños y jóvenes con un máximo de edad de 15 años

También dentro de la página es posible elegir entre varias obras del autor y votar cual es la favorita para los más jóvenes. Por ahora va ganando El Caballero de la mano en el Pecho, aunque hay que decir que echamos de menos obras de calado como por ejemplo El Entierro del Señor de Orgaz.

De todas maneras felicidades por la iniciativa y por fomentar la creatividad de los más pequeños y jóvenes utilizando a este inmortal artista, en un año en que la visita a Toledo parece obligada.

La estética Neobarroca en la sociedad contemporánea

El profesor Omar Calabrese rechazaba para nuestro tiempo la etiqueta de "postmoderno" como aglutinador de todas las artes que se protegían bajo el paraguas de la palabra cultura y decía que habría que definir nuestra época con una etiqueta diferente, mas cercana a lo que en realidad estaba ocurriendo, se trata de la palabra Neobarroco. 

Para ello el profesor Calabrese argumentaba una serie de características que aplicadas a la sociedad contemporánea, nos llevaban a concluir que algunas características típicas del movimiento barroco se estaban viviendo en la actualidad, en muchas ocasiones sin darnos cuenta o sin darle importancia.

Uno de esos principios enumerados por el profesor Calabrese hablaba sobre el límite y el exceso. Una tendencia general a acercar los temas a un lugar que se encuentra entre lo correcto y lo que no lo es. Llegando a empatizar con situaciones desesperadas, extrañas, disfuncionales o lejanamente separadas de lo que la estética define como común.

Todo esto viene a cuento de la supuesta cantante de nombre Conchita (cuyo nombre verdadero parece ser Tom) que representó a Austria en el Festival de Eurovisión y que fue la ganadora del festival, no porque tuviera la mejor canción, sino porque su imagen y su estética hicieron que el público se sintiera identificado con una situación en la que una (supuesta) mujer podía presentarse delante del público con barba. Lo extraño, lo siniestro, lo anormal, la tensión llevada al límite conduce a esta mujer (un hombre disfrazado de mujer recordémoslo) a empatizar con el el público, deseoso de reconocer y aceptar el exceso[1] mucho antes que cualquier expresión artística o cultural.

Tenemos otros ejemplos similares, en el año 2009, una cantante inglesa, de nombre Susan Boyle, se presentó al concurso Britain´s Got Talent, su aspecto físico, mas bien hombruno, llamaba la atención de todo el mundo, los comentarios despectivos y la identificación del público comenzaban a fraguarse anticipando su fracaso. Hasta que empezó a cantar y todo la gente que había prejuzgado se dió cuenta que tenía la voz como un ángel. Todo ello amalgamado y deglutido fueron razones suficientes para ganar ese concurso. Quizás porque era una persona normal, de la calle o tal vez porque la situación de esa mujer se estaba llevando al límite[2] como indicaba el profesor Calabrese. Rápidamente en este tipo de casos la identificación se transforma en fiebre por conocer detalles de la vida publica o privada de la persona, que no aportan nada a nuestra vida, pero que sacian el ansia de morbo que inunda y enfanga nuestra sociedad. ¿Esta casada? ¿Cuando tuvo su primera relación? ¿Posaría desnuda para una revista? ¿Es su novio hombre o mujer?
¿Alguien puede explicarme que trascendencia tienen estas preguntas y sus posibles respuestas?

Al hilo del debate de Conchita Wurst y Eurovisión 2014 pensaba en una fotografía tomada por Erwin Olaf en el año 2001-2002 y que pertenece a la serie Paradise. Olaf es uno de los más destacados fotógrafos contemporáneos que sabe captar como nadie muchos de los defectos de nuestra sociedad. En esa fotografía están representados algunos de los excesos que se cometían en la discoteca Paradise de Amsterdam en aquellos años, donde las fiestas locas se llevaban al extremo, en una bacanal de sexo y situaciones límite. En una de las fotos que componen la serie,  observamos a una mujer barbuda columpiándose de forma sonriente, mientras mira de reojo como un enano muerde la pierna de una supuesta y desenfrenada gogo y un payaso, entre lo sonriente y lo siniestro, observa al espectador. Es el mundo al revés, hemos tensado el extremo de la cuerda hasta llevarlo casi a romperse, toda la situación está pendiente de un hilo y un fanatismo[3] siniestro de percibe en el ambiente.

Todo ello enlaza con la estética barroca y el ejemplo más claro lo tenemos en el cuadro La Mujer Barbuda de José de Ribera, una obra pintada en la década de los 30 del año 1600, donde el autor Xetabense está describiendo una enfermedad que algunas mujeres padecían después de dar a luz. El exceso de hormonas masculinas, producidas tras el parto, les llevaban a perder pelo en la cabeza mientras les salía en otras partes del cuerpo como la barba o el pecho. Claro que en esta obra la situación también se lleva al extremo, porque si la observamos detenidamente nos daremos cuenta que el papel de la mujer está claramente representado por un hombre. Es decir Ribera, ha pintado un hombre[4] (las manos le delatan) al cual le ha añadido un pecho (forzado casi en una posición imposible) con el que amamanta a un niño. Todo ello para que tengamos la idea de que es una mujer. Es una idea similar a la de Conchita Wurst para ganar el Festival, se trata de un hombre, disfrazado con un traje de mujer, para intentar dar el pego y realizar un simulacro de lo que en realidad no es, una realidad superada por la propia realidad[5]. Se trata de una teatralización en toda regla, una actuación cargada de contenido simbólico que hace centrar toda la atención en aquello que se supone supérfulo frente a lo que en realidad (se supone que) tiene importancia.

El Neobarroco está entre nosotros, teatralidad, fingimiento, detalle, límite, caos, destrucción, laberinto, complejidad, distorsión, perversión, ritmo, repetición; reflexionemos sobre algunas de estas características que apuntaba el profesor Calabrese y nos daremos cuenta de que estamos mucho más cerca de ellas de lo que pensamos.

[1]"El exceso, en tanto que desbordamiento de un límite y de un confín, puede ser más desestabilizador. Toda sociedad tacha de excesivo lo que no puede o no quiere obasorver. En cambio en épocas barrrocas em el interior de los sistemas surgen fuerzas centrífugas que se proyectan fuera del sistema. Nuestra cultura vive fenómenos de exceso endógenos que son cada vez más numerosos y que se dan a todos los niveles". Omar Calabrese. La era Neobarroca. en Barrocos y Neobarrocos. El infierno de lo Bello. Salamanca 2005

[2]Nos encontramos en una situación difícil de definir, en un contraste que no sabemos calificar. Se trata de una lucha entre el concepto estético y el concepto artístico o cultural que es difícil de vencer o siquiera inclinarse hacia uno de los lados.

[3]Apliquemos esta tendencia a personas ligadas excesivamente al fenómeno fan en todas sus vertientes, deportivas, musicales, aligadas al coleccionismo, obsesionadas con una famoso, etc. "Creo que es posible definir al fanático como una persona excesivamente narcisista, en realidad alguien muy próximo a la psicosis depresiva, una persona que está completamente desconectada del mundo exterior. El fanático ha convertido su causa en un ídolo, encontrando en ello una razón para vivir". Erich Fromm. La Condición Humana Actual. Paidos 2009

[4]Walter Benjamin decía que en el cine occidental mantiene un argumento ilusorio que solo lleva a especulaciones inequívocas. La realidad se despoja de si misma para dar como resultado algo completamente artificial. Walter Benajmin. La obra de arte en la época de la revolución mecánica. Casimiro libros. Madrid. 2010
[5]Segun Mario Perniola Baudrillard se opone a Guy Debord, es decir, ya no vivimos en la sociedad del espectáculo, sino que este se ha sustituido por la hiperrealidad, el espectáculo se sustituye por lo obsceno, una realidad que supera la experiencia de la realidad. Lo real absorve, confunde los términos y potencia lo que quiere expresar y lo contrario. Mario Perniola. El futuro de una ilusión: acción artista, comunicación patafísica. Revista Archipielago nº79. Pag 39-51

Talleres infantiles para el verano 2014 en la Fundación Carlos de Amberes de Madrid

Bajo el nombre Misterios en el Museo y durante los meses de verano 2014 se desarrollarán talleres infantiles en esta institución que estarán llenos de intriga y misterios para los más pequeños.

Por tercer año consecutivo el colectivo dedicado a proyectos culturales para todas las edades Arte en Mente, con la colaboración de Mutua Madrileña y la Fundación Carlos de Amberes de Madrid organizan talleres infantiles donde la diversión y la cultura se dan cita en un recorrido que cubrirá los principales Museos y obras de arte de todo el mundo.

A lo largo de siete semanas en las vacaciones escolares estivales del año 2014 (del 23 de Junio al 1 de Agosto y del 1 al 5 de Septiembre) en horario de 10 a 14 horas (con posibilidad de servicio de guardería entre las 8 y las 10 y entre las 14 y las 16 horas para las familias que lo necesiten por su horario laboral), rastreamos pistas por todo el globo para descubrir siete misterios relacionados con el mundo del arte en siete talleres semanales diferentes. Durante la semana los participantes, niños entre 5 y 13 años, simultanearán el taller de artes plásticas con el taller de teatro para, el último día, realizar una representación que habrán preparado ellos mismos íntegramente: desde los escenarios, vestuario, hasta el guión y la puesta en escena

Además, los talleres se completarán con dos actividades especiales: una salida a un museo relacionado con la temática semanal y la visita de un arqueólogo o un restaurador, según la semana, que nos enseñará más sobre los secretos de las obras de arte.

Los talleres versarán sobre los siguientes temas:

La maldición de la momia de Tutankhamon. 23-27 de Junio

¿Porqué no rie la Gioconda? 30 Junio-4 Julio

El robo de un Picasso. 7-11 Julio

El misterio de la máscara africana. 14-18 Julio

La tabla flamenca robada...14veces! 21-25 Julio

La Piedra del Sol brilla más que nunca 28 Julio 1 Agosto

El misterio del tesoro hundido en el mar. 1-5 Septiembre

Podéis encontrar más información y la forma de inscripción en los enlaces facilitados, tanto de Arte en Mente como de la Fundación Carlos de Amberes.

Marc Chagall para niños

Chagall es uno de los pintores más representativos de las vanguardias artísticas anteriores a la Primera Guerra Mundial. Su vida es bastante larga, ya que vivió 98 años, lo que hace que su producción artística sea muy amplia.

Si tenemos que acercarnos a la biografía resumida de Marc Chagall para niños debemos decir que era de origen bieloruso y se asentará en una edad temprana en la ciudad de San Petesburgo, será un momento junto con un viaje a Paris en 1914 de contacto con las vanguardias que le influyen en su forma de pintar. Colaboró con la revolución rusa, fue nombrado comisario de arte, aunque pronto se trasladó a Moscú y después a Paris en 1923. En Francia permanece hasta la ocupación Nazi, momento en el cual se traslada a Estados Unidos, donde permanece hasta mediados de los año 60, cuando vuelve a Francia para realizar varios encargos de tipo público.Esta enterrado en la ciudad francesa de Niza.

Al igual que podemos calificar a otros artistas dentro de un estilo, por ejemplo podemos decir que Picasso es un pintor cubista o Dalí es un pintor surrealista, es más difícil calificar la obra de Chagall, igual que muchos artistas de principios del siglo XX tuvo influencia del cubismo, aunque podemos decir que es el fauvismo el movimiento que más influye en su forma de pintar, sobre todo a la hora de aplicar el color y distribuirlo a lo largo de sus cuadros.

Chagall es un pintor que gusta mucho a los niños y conecta muy bien con ellos porque muchas de sus obras están basadas en recuerdos infantiles, el estilo de Chagall incluye obras que transmiten felicidad y optimismo, en ello influye los vivos colores que utiliza para decorar estas obras, un mundo en el que el colorido es muy importante, se trata de un arte basado en el amor y en las tradiciones y costumbres tanto rusas como judías aprendidas en su niñez.

Arte para niños nominado a mejor web de arte 2014

La casa de subastas online Setdart ha organizado un concurso para elegir al mejor blog de arte del año 2014, entre los 50 elegidos se encuentra el blog Arte para Niños. Si quieres participar en el concurso y votar por nuestro blog, solo tienes que pinchar en la banner que tenemos en la parte inferior, acceder a  la lista de nominados y añadir el blog Arte para Niños a cualuquiera de las tres redes sociales que se proponen, Facebook, Twitter o Google +. Así de simple y de fácil, vamos a ver si conseguimos si no ser los mejores por lo menos un buen puñado de votos de nuestros seguidores.

Jesús despojado de sus vestiduras. Iconografía

No suele este ser un tema muy representado en la iconografía tradicional sino momentos antes o después del mismo, ya que encontramos a veces a Jesucristo todavía con ropa o ya crucificado mientras los soldados romanos se juegan su vestido a los dados.

Imagen de Jesús Despojado. Salamanca

Así lo apreciamos por ejemplo en El Expolio de El Greco donde se representa justo el momento antes de que le quiten las vestiduras a Jesús, cuyo manto de color rojo carmín destaca sobre el resto de ropas que llevan los personajes incluidos en el cuadro, donde encontramos desde gente que le insulta a personas que están preparando la cruz, las Tres Marías o como es costumbre en El Greco incluir personajes de la época acompañando a Jesús en el momento de la escena.

Mucho más popular en la iconografía barroca era la representación del Ecce Homo frente a este tipo de imagen que mantiene el pecho descubierto y todavía mantiene la túnica en los brazos y en los pies. Lo bustos de Ecce Homo, junto con los de la Dolorosa, se hicieron famosos para conventos de clausura y fueron realizados en el siglo XVIII por el escultor Malagueño Pedro de Mena.

La imagen que tenemos en la fotografía tiene influencia de Pedro de Mena, en la delicadeza corporal de la figura, en la manera ordenada que la sangre cae por el pecho de la figura y en la boca entreabierta y la ondulación de las cejas que le otorga esa mirada tan especial, perdida, como si aceptara su destino, igual que hacía El Greco con algunos de sus personajes como por ejemplo en la obra Cristo abrazando la Cruz.

Mantiene como podemos apreciar la cuerda que han utilizado para tirar de El mientras transportaba la cruz y porta en su cabeza una gruesa corona de espinas, que recuerda otra tan grande como la que utilizó Juan de Mesa para la escultura de Jesús del Gran Poder que desfila en la Madrugada del Jueves Santo por las calles de Sevilla.

Al despojar a Cristo de su ropa se le despoja de su dignidad, para crucificarlo desnudo con lo que ello supone de desprecio y vergüenza para el condenado. La imagen del despojado, más representada en Andalucía, cuya hermandad desfila en Sevilla desde la década de los treinta tiene su réplica salmantina desde el año 2012, una bellísima imagen que nos muestra la vigencia de la iconografía barroca en la actualidad.

La Dama de Elche para niños

Nos encontramos ante la más famosas de las esculturas ibéricas que se conservan en España, pero no la única, ya que tenemos ejemplos similares en otras Damas como la de Baza o la de Ibiza. Una escultura que se puede contemplar en el Museo Arqueológico Nacional, situado en la Calle Serrano número 13 de Madrid

La razón de su nombre tiene que ver con el lugar donde fue descubierta, en una zona cercana a la ciudad de Elche, allá por el año 1897, mientras se realizaba el desmonte de una ladera por unos obreros.

La presencia de un pueblo tan importante y de influencias orientales como Tartessos en la zona sur de España tiene lugar entre el siglo VII y el siglo V antes de cristo, pero tal como aparecieron los Tartessos desaparecen, dando lugar hasta la ocupación cartaginesa y después romana la presencia de tribus que denominamos Iberos, la cultura ibérica, son pueblos que conocen la escritura, la organización social y económica en el trabajo y que se muestran herederos de los Tartessos. Es en esa época cuando debemos situar la realización de la Dama de Elche, entre los siglo V y IV antes de cristo.

La escultura es de una gran belleza, representa una mujer que curiosamente tiene un gran hueco en la parte posterior, que posiblemente se utilizaría para introducir diferentes elementos que servían para acompañar a la persona fallecida dentro de la tumba en la que la estatua fue depositada. Joyas, objetos sagrados o cenizas pueden ser los elementos que podían colocarse en ese hueco.

Una de las cosas más curiosas es que la escultura no nos ha llegado con la pintura original, pero originalmente estaría pintada, como ocurre con otras muchas representaciones escultóricas. Es posible observar restos de esta pintura en algunas partes de la misma, como zonas del vestido lo los labios. Debió de ser imponente poder observar la escultura con su pintura original, tal como por ejemplo podemos hacer con la Dama de Baza.

La escultura esta decorada con las joyas típicas de los íberos. Esas típicas ruedas cerca de las  orejas, de las cuales cuelgan unas pequeñas cadenas: Junto a ello unos preciosos collares que decoran el pecho de la obra, tallados con una filigrana muy detallista. Son de influencia oriental, ya que encontramos joyas similares en zonas de la Grecia asiática, hoy Turquía y en Etruria, zona de origen de lo que será la ciudad de roma. Todo ello nos índica que estos pueblos mantenían un constante contacto e influencia con otras zonas del mediterráneo donde los productos y minerales españoles servían de excusa para los intercambios culturales con estas zonas. Estas influencias de tipo oriental afectan al modo de vida de las familias íberas y ocupan también ámbitos religiosos, no es extraño encontrar esculturas de dioses y diosas orientales en estas épocas.

La muerte de Aquiles. Mitología e Iconografía

La historia de Europa Occidental está salpicada de historias fantásticas que han dado origen a numerosas ciudades que son la cuna de nuestra civilización. Son narraciones que de una manera u otra se encuentran en el subconsciente colectivo de manera que queremos o no siempre hemos oído hablar de estos héroes épicos que vivieron muchos años antes, concretamente para hablar de Aquiles y la Guerra de Troya debemos remontarnos a 2000 años aproximadamente antes de cristo (dependiendo del hisoriador algunos sitúan la fecha en el año 1200 a.c.)

Aquiles, guerrero legendario e incomparable con cualquiera de su época, participa en la Guerra de Troya de lado de los Aqueos, que habían organizado una expedición de castigo contra la ciudad como consecuencia del rapto que uno de los príncipes de Troya, de nombre Paris, había organizado para llevarse a Helena, esposa del rey de Esparta.

El asedio de la ciudad duró diez años y en la batalla final Aquiles tuvo una participación muy activa, siendo prácticamente imparable. Corría el rumor de que Aquiles era inmortal, su madre Tetis era de estirpe divina, su padre fue Nereo, dios del mar, ella pudo ser cortejada por otros dioses pero renunció a ello para entregarse a Peleo, rey de Fitia de Tesalea. Tetis sabía que su hijo se convertiría en un gran héroe, pero también era consciente de que no llegaría a alcanzar la madurez, para evitarlo bañó a su hijo en la laguna Estigia que conducía al Averno y de esta manera que su hijo fuera inmortal, pero al sumergirlo la parte que sujetaban sus manos, es decir el talón del niño, se convirtió en su única parte vulnerable, ya que no había tenido contacto con el agua y continuó siendo mortal.

No pensemos que la conquista de Troya fue cosa de unos días ni tuvo facilidades. Aquiles tuvo la oportunidad de mostrar su valor y sus dotes como guerrero, ya que los troyanos le temían cada vez que aparecía montado en su cuadriga.

No será hasta el final de la batalla cuando Aquiles pierda la vida a manos de Paris y después de matar a su hermano Hector como venganza por la muerte de uno de los mejores guerreros de Aquiles que se había vestido con su armadura para infundir miedo y respeto, el nombre de este guerrero era Patroclo. Pero Paris que era muy diestro con el arco fue capaz de herir y dar muerte a Aquiles atrvesándole el talón de su pie con una fecha que cuenta la leyenda, estaba dirigida por Apolo.

Como sabemos el final de la guerra de Troya tuvo lugar desde dentro, cuando los Aqueos fueron capaces de introducir un gran caballo realizado con madera como ofrenda a la ciudad y que en realidad era el envoltorio donde se escondían un buen puñado de soldados enemigos que abrieron las puertas de la ciudad y comenzaron el incendio y destrucción de la ciudad de Troya.

Entre los personajes que huyen de esta devastación se encuentra Eneas, que asentado en Italia, será el padre de los fundadores de Roma, Romulo y Remo, dando origen al más grande imperio que haya tenido lugar en la antigüedad clásica.

El caballo dentro de la ciudad de Troya