La influencia de Velázquez sobre los pintores impresionistas

Velázquez no es solo un buen pintor, que domina la técnica y sabe representar los objetos y personas con suficiente realismo, sino que también es un artista que sabe adelantarse a lo que se hacía en su época, anunciando otros estilos artísticos que llegarán muchos años más tarde como ocurre con el impresionismo. Algo parecido le sucederá a Francisco de Goya que saliiéndose de la norma de sus coetáneos será capaz de anunciar con sus obras y concretamente con sus pinturas negras lo que después veremos en muchos cuadros expresionistas.

Velázquez realizó varios retratos de bufones durante su estancia en la corte, dotando a algunos de ellos de una dignidad que les había sido arrebatada debido a su condición física o mental. Él nos los muestra realizando actividades que nada tienen que ver son su función de divertimento cortesano sino, en ocasiones, enfrascados en tareas intelectuales que incluyen la lectura u otras actividades.

Pero en el caso que nos ocupa y que nos interesa está representado uno de estos bufones Pablo de Valladolid, el cual realmente parece estar posando para el pintor. Pero en esta obra no es importante el retrato, ni la forma de vestir, ni la actividad que realiza, ya que lo verdaderamente importante es la referencia espacial que tenemos en el cuadro, porque esta no existe, si nos fijamos no existe una línea que nos indique donde termina el suelo y donde comienza la pared, dando la sensación de que el pintor ha eliminado la tercera dimensión absteniéndose de representar la profundidad. Consciente de ello el propio Velázquez va a incluir en la obra la sombra de las piernas del bufón, que nos servirá como referencia espacial, para hacernos una idea de la que figura no esta flotando en el aire.

Algo parecido le sucede a Manet 200 años más tarde, cuando realiza su pintura que representa un flautista. Manet siempre estuvo muy atraído por la pintura española y concretamente por Velázquez y cuando realiza esta obra es bien seguro que tiene presente la realizada por el genio sevillano, ya que conocía la misma y las características técnicas y recursos que emplea son los mismos, ausencia de profundidad y referencia espacial y una ligera sombra en los pies que es la que nos ayuda a situarnos y crear una pequeña colocación de la figura del muchacho en el espacio.

Así que como ya hemos dicho mas de una ocasión, Velázquez no es solo buen pintor sino que es un artista que con esta obra o con los paisajes de la Villa Medici, sabe adelantarse a los pintores de su época para ir más allá, 200 años más allá.

La pintura de Willem de Kooning para niños

Willem de Kooning es uno de los máximos representantes de expresionismo abstracto junto a otros artistas como Jackson Pollock, Mark Rothko, aunque el artista experimentó con otras técnicas y movimientos, pese a ser reconocido por ser uno de los más activos del "action painting".

Tuvo una vida bastante larga, nació en Rotterdam en 1904 y murió en 1992, aunque es cierto que los últimos años de su vida le fue diagnosticado alzheimer y existe mucha duda sobre las realización de sus últimas pinturas, al igual que ocurrió con Dalí, es posible que se aprovecharan del artista con la finalidad de poder vender con solo su firma o bien con obras inacabadas.

Willem de Kooning desde muy joven emigró a Estados Unidos, con 26 años, allí pasará el resto de su vida, muy unido como otros artistas del movimiento a la ciudad de Nueva York, verdadero centro del arte desde la segunda guerra mundial hasta nuestros días, en sustitución de París, la ciudad que había aglutinado la mayoría de los movimientos de vanguardia de la primera mitad del siglo XX.

Las obras más relevantes y conocidas del artista debemos situarlas en la década de los cuarenta, utilizaba colores intensos y líneas muy elegantes, que poco a poco van a convertir sus cuadros abstractos en figurativos, dándose cita en el mismo lienzo figuras y abstracciones, obras a medio camino entre lo reconocible u lo abstracto que hicieron al artista famoso en parte gracias a la ambigüedad que presentaban sus obras, bien realizadas en blanco y negro en momentos de crisis económica o realizadas en color, tras su primera exposición con éxito en una galería de Nueva York en el año 1948.

Tras este tipo de obras que se prolongarán a lo largo de los años 50 su obsesión por la mujer se convierte en casi el único tema de su pintura, una mujer exagerada, trazada con violencia, deformada por fuertes brochazos, un momento figurativo, mientras el resto de sus compañeros continuaban con la abstracción. Posteriores incursiones en la escultura marcaron sus años posteriores hasta que su enfermedad y sus problemas con el alcohol le impidieron trabajar con normalidad.

El impresionismo explicado a los niños

Cuando hablamos del impresionismo nos estamos refiriendo al primero de los movimientos de vanguardia que surgen a mediados del siglo XIX y que supone una reacción a la pintura tradicional.

Una de las primeras características del impresionismo es que los pintores se liberan de sus ataduras con los encargos que recibían, normalmente de nobles o miembros de la iglesia católica y comienzan a realizarlos cuadros que realmente quieren hacer. Pensemos que hasta ese momento serán muy pocos los pintores que se habían liberado del "encargo" para poder realizar aquellas obras que deseaban, pensemos en Velázquez y los Paisajes de la Villa Medici o bien en Goya cuando realiza en las paredes de su casa las Pinturas Negras. El pintor pasa a ser una persona que depende de si mismo para sobrevivir y no de aquello que le piden que haga para otras personas o instituciones.

Una de las obsesiones de los pintores impresionistas en este momento será la representación del paisaje, pero no solo la vista de un espacio natural sino también urbano o arquitectónico y como la luz influye en ese paisaje a diferentes horas del día. No es extraño encontrar las mismas representaciones de un edificio, como hizo Monet con la catedral de Ruan, a diferentes  horas del día de manera que se pueden observar los cambios que la luz ejerce sobre esas representaciones, así que no era extraño encontrar un pintor que se acercaba a una zona concreta a representar el mismo paisaje a la misma hora del día para poder captar la misma luz que ilumina esa zona.

Otro tema relativo al impresionismo es la forma de pintar, de ahí su nombre porque son impresiones, si nos acercamos al cuadro nos daremos cuenta de que prácticamente son manchas lo que compone el cuadro, pero si nos alejamos unos pasos podremos observar como esas manchas van adquiriendo forma para convertirse en aquello que el pintor desea transmitir. Pinceles poco gruesos y pequeños toques sobre el lienzo serán los que componen la obra. Partes aparentemente inconexas dan lugar a un todo que es unitario, pequeñas pinceladas que que ayudan a percibir un todo que si tiene una estructura concreta.

Laocoonte de El Greco para niños

Laocoonte es una de las obras más enigmáticas y personales de El Greco, entre otras razones porque no es un tema religioso y el autor, cuya mayoría de composiciones había sido religiosas, se adentra en el universo mitológico, para representar uno de los temas más controvertidos en cuanto a su interpretación.

Hay un detalle curioso y muy extraño a la pintura española y es la utilización del desnudo, los pintores españoles, a diferencia de los italianos, no prepresentaban figuras desnudas, pero aquí contemplamos como todas las figuras se encuentran sin ropa. Recordemos que El Greco estudió en Italia y eso le hace estar en contacto con un tipo de pintura diferente de la española, su estancia, primero en Venecia y después en Roma, donde tuvo oportunidad de estudiar y admirar la obra de Miguel Angel, le hacen conocedor de este tipo de técnica.

También resulta curisoso el colorido de los personajes cuya piel representa con esta tonalidad blanquecina, poco a poco en la obra del greco según va pasando el tiempo sus personajes pierden el color de la crane para ser representados cada vez más en este color un tanto extraño y alejado del realismo.

El tema como hemos indicado es complicado, debemos centrar la escena durante el asedió de la ciudad de Troya, cuando Laocoonte era sacerdote del templo de Apolo. Laocoonte estaba en contra de la aceptación del caballo que los aqueos habían preparado para Troya y no paraba de hacer advertencias del peligro que podía suponer aceptarlo, llegando a arrojar una lanza sobre el caballo, aunque al final el rey Priamo fue convencido para aceptar el regalo que después sería la perdición de la ciudad. Mientras Laocoonte se dedicaba a sacrificar un toro a Poseidon y lo Troyanos decidían sobre la aceptación del regalo, dos serpientes marinas atacarona los hijos mellizos de Laocoonte enroscandose alrededor de sus cuerpos. Laocoonte intentó salvarlos pero también fue atacado por las serpientes. Virgilio nos muestra que las serpientes fueron un castigo divino por no querer aceptar el caballo. Los troyanos, de hecho, interpretaron el gesto como una señal de que el caballo era un objeto divino y dejaron entrar el gran objeto en la ciudad, con las terribles consecuencias ya señaladas.

La manera que El Greco tiene de representarlo se adapat perfectamente al contexto manierista en el que se mueve el pintor, diagonales y cuerpos en tremenda tensión, como el hijo que observamos en primer plano, o bien la figura tumbada en el suelo con la cabeza hacia delante, nos enseñan el momento histórico-artístico que se está viviendo.

Como detalle curioso debemos decir que la ciudad del fondo debería ser Troya, pero que El Greco, con todo su desparpajo nos muestra una panorámica de la ciudad de Toledo, donde podemos obervar puertas de sus murallas y otros importantes edificios de la ciudad.

¿Qué es una bóveda de cañón?

Interior Catedral Santiago Compostela

Una de las bóvedas más usadas por la arquitectura románica y también en época romana fue la bóveda de cañón. Así que dentro de la serie que dedicamos a elementos arquitectónicos donde ya hemos visto que es una bóveda de arista y qué es una bóveda de crucería hoy dedicamos nuestro tiempo a este nuevo elemento.

Como vemos la bóveda de cañón fue usada por los romanos en muchos de sus edificios, posiblemente ellos la tomaron de los etruscos y continuaron el estilo en sus construcciones, en época románica se fijarán en este tipo de cubrimiento para la mayoría de la iglesias y catedrales que se van a construir.

Básicamente una bóveda de cañón es aquella que surge de la prolongación de un arco de medio punto a los largo de la nave, por tanto la forma de una bóveda de cañón, al igual que el arco será semicircular.

Para construirla empleaban grandes estructuras de madera con la misma forma que iban rellenando con sillares, que apoyaban directamente sobre los muros, una vez que la estructura estaba finalizada, se retiraba la cimbra de madera y el peso de unas piedras sobre otras y de todas directamente sobre el muro hace que la estructura se sujete perfectamente.

Una de las desventajas que tiene este tipo de bóveda es que al estar llena de sillares el peso que tiene que soportar el muro es excesivamente grande, por eso en ocasiones, como podemos observar sobre todo en iglesias románicas de peregrinación, se reforzaba la bóveda con unos arcos de medio punto que apoyan en columnas adosadas a un pilar que reciben el nombre de arcos fajones, es fácil observarlos por ejemplo en la Catedral de Santiago de Compostela.

Pese a la belleza de estas bóvedas fueron sustituidas rápidamente en época gótica por las bóvedas de crucería, que permitían una elevación mayor del edificio y sobre todo una mejor distribución del peso que descansaba en contrafuertes y arbotantes que lo distribuían de forma triangular. En época románica es normal encontrar contrafuertes exteriores adosados a los muros de las iglesias, solo tenemos que pensar en la gran cantidad de presión que los muros deben de soportar debido a este tipo de bóveda.

La Feria de ARCO 2014 busca su lugar en el sistema del arte

Un año más la feria más importante dentro del contexto del arte contemporáneo tiene su cita en Madrid. Las fechas indicadas para el año 2014 son desde el 19 de Febrero al 23 de este mismo mes, que ya son momentos tradicionales en la celebración de este tipo de eventos desde hace varios años.

En esta ocasión el país invitado será Finlandia, un territorio muy extenso, pero con pocos habitantes debido a los rigores de un clima que no da tregua ni siquiera durante los meses de verano haciendo muy difíciles las condiciones de vida en el país nórdico. Pese a ello tiene una comunidad artística muy activa, que ha sabido apoyarse en la excelente proyección internacional de FRAME, el organismo que se encargaba de la difusión del arte contemporáneo en el extranjero. Una institución que realizó un excelente trabajo bajo la dirección de Marketta Seppälä, la cual tuvo un activo interés por la difusión de todo tipo de artistas.

Recordemos que en el DA2 de Salamanca, cuando era un Centro de Arte Contemporáneo y no una sala de exposiciones o lo que sea ahora, se realizó en el año 2010 una exposición que incluía a los más granados artistas de Finlandia bajo el título de Arctic Hysteria, con autores como Adel Abidin, Reijo Kela, Tea Mäkipää, Mika Ronkainen, Markus Cooper, Stiina Saaristo, Mika Taanila y muchos más. Se puede ver el folleto de esta exposición en el enlace que adjuntamos.

En cuanto a la Feria de ARCO 2014 tenemos una opinión parecida a la del año pasado, la mayoría de las galerías no cuidaron el coleccionismo privado en época de bonanza económica y se echaron en manos del coleccionismo institucional, que les dió la espalda a la primera oportunidad que vinieron mal dadas. De manera que la mayoría de las galerías que vivían de Juntas, Diputaciones y Ayuntamientos han tenido que cerrar o empezar de cero.

Los dos últimos años la feria ha sido un fracaso de ventas, los que acuden están porque hay que estar o por el orgullo que le supone decir que van, pero la gran mayoría tienen un saldo negativo, aunque eso la feria jamás lo va a reconocer porque eso sería reconocer su propio fracaso.

Quizás este pueda ser un año de inflexión, aunque no tenemos mucha confianza, ya que los signos de recuperación solo se ven en la televisión y en la euforia de unos políticos que continúan con el mismo tren de vida que antes de la crisis. Pero en la España real, en el día a día, no se nota ninguna mejora y en el mundo del arte, como en otras profesiones, el drama del paro se ha cebado de forma excesiva y muy cruel. Quizás haya gente que pueda interesarse por obras pequeñas y no excesivamente caras, puede ser el momento del resurgir de la pintura, del vídeo barato y del abandono de los grandes proyectos e instalaciones. Veamos si ese pesimismo generalizado se torna en optimismo cuando esta feria concluya. La respuesta no la encontraremos en la nota de prensa oficial sino en el diálogo con algunas de las galerías que han asistido a la feria.
Hace unos días hemos conocido que se produce una bajada del IVA para la transacción de objetos artísticos que baja desde el 21% al 10%, sin duda es una buena noticia y puede hacer que haya mayor gente que se anime a comprar alguna obra. Pongamos un ejemplo, si queremos comprar un trabajo que cuesta 3000 euros ya no tendremos que pagar 630 de IVA sino que tendremos que pagar 300, el margen es considerable y es posible que anime a los coleccionistas, que de esta manera tendrán mejor acceso a las obras de arte y los galeristas un margen mayor para rentabilizar su negocio. Nuestro deseo es que a la Feria le vaya bien y esta es una excelente noticia que debería aplicarse a otros ámbitos de la cultura y del día a día de una sociedad extenuada con los impuestos que debe pagar.

Vídeo con las principales características del movimiento cubista

Dentro de la serie de vídeos que venimos realizando sobre la vanguardias históricos y a los cuales hemos dedicado uno al expresionismo y otro al surrealismo, hoy le toca el turno a uno de los primeros movimientos que forman parte de la vanguardia, ya que en el año 1907 Pablo Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón,. cuadro que da el pistoletazo de salida del movimiento y pintura que por su concepción revoluciona el arte del siglo XX y la perspectiva que hasta ese momento se tenía del mismo.

Os dejamos con el vídeo y algunos de sus ejemplos más significativos, continuaremos en semanas posteriores con otros vídeos dedicados a las vanguardias.

¿Como explicar el dadaismo a los niños?

Poster de la matinee dada realizado en 1923

No existe duda de que uno de los movimientos de vanguardia más interesantes que surgen en la primera mitad del siglo XX es el dadaismo. Desde este blog dedicamos una serie entera a estos movimientos vanguardia donde ya hemos hablado del surrealismo para niños o el expresionismo para niños.

El dadaismo surgiría entre 1916 y 1922 en Suiza, concretamente en Zurich, sus grandes impulsores serán Hugo Ball y Tristan Tzara. Como todos los movimientos artísticos que surgen en este momento trata de rebelarse contra la estética artística anterior y también contra el resto de movimientos de vanguardia, a los que acusaban de ser sucedaneos de los anteriores sin aportar nada nuevo. Ese espíritu rebelde y nuevo podemos apreciarlo en cada uno de los movimientos que hemos estudiado hasta ahora.

No se sabe muy bien de donde viene el origen de la palabra dadaismo y hay diferentes teorías, el arte puede ser algo simple, por eso hay gente que apunta que dada son las dos primeras palabras que un niño pronuncia y de ahí puede venir el nombre del movimiento. Otros indican que son palabras encontradas al azar en el diccionario.

Una de las novedades que incluye el dada el cuestionamiento del arte, ¿que es el arte?, ¿a que consideramos arte?, ¿cualquier objeto es susceptible de convertirse en objeto artístico?. Parece claro que algunos llevaron esta teoría hacia el extremo, ya que Marcel Duchamp fue el primero que en el año 1919 se atrevió a exponer un urinario como objeto artístico, obra que se convirtió en un referente del ready made.

El uso de todo tipo de materiales también forma parte de las obras dadaistas, algunos de ellos materiales reciclados que se incorporan a la obra de arte. Son muy conocidos los collages realizados con periodicos viejos y quizás son algunas de las obras más representativas del movimiento. Esos collages servirán de base a otros artistas posteriormente para realizar sus trabajos, pensemos en la estética punk y algunas obras realizadas por el artista Jamie Reid en las portadas de los discos de los Sex Pistols o en otros trabajos posteriores de este artista inglés.

La provocación es el espíritu del dadaismo, no existen reglas fijas a la hora de componer. Toda esa provocación ha sido recogida en gran parte por el arte contemporáneo, uno no debe quedarse indiferente cuando contempla una obra de arte sino que al verla le debe provocar una reacción de algún tipo, incluso de absoluto rechazo, porque quizás eso era lo que pretendía. La indiferencia es la enemiga del arte y sobre todo del arte contemporáneo.

Jamie Reid. Pretty Vacant Sex Pistols