El pintor neofigurativo Lucian Freud para niños

Se trata de uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Su forma de pintar es claramente reconocible, fue capaz de crear un estilo propio que le hace inconfundible con otros artistas. Es cierto que tuvo diferentes influencias a lo largo de su vida, aunque hay dos que podemos destacar, una sería el surrealismo, con el cual empezó su carrera pictórica. Por otro lado la amistad que mantuvo con Francis Bacon pensamos que también le influye a la hora de realizar sus obras.

Lucian Freud era de origen alemán, de hecho había nacido en Berlín. Como consecuencia de la segunda guerra mundial sus padres se trasladaron a Londres, en Inglaterra pasará el resto de su vida, estudiando y después como artista, aunque no muy prolífico. Era nieto del padre del psicoanálisis, Sigmun Freud, que tanta influencia tuvo en los artistas surrealistas durante la primera mitad del siglo XX.

Este artista es muy conocido por sus retratos, ya que podemos decir que se especializó en este tema, aunque también encontramos algunas obras suyas en las que representa plantas o animales. De estos últimos encontramos varias referencias a los caballos, uno de sus animales favoritos. Pero los retratos que hacía no eran por encargo sino que él mismo elegía a quien quería representar, normalmente gente que se encontraba a su alrededor o alguno de sus amigos. No es un artista del que contemos con gran cantidad de obras, gran parte de ello es debido a que el artista necesita tener una relación personal con aquello que está representando, sea un objeto o una persona. Quizás por esa razón o por su estilo tan personal, algunas de sus obras han sido muy valoradas en las subastas, alcanzando precio millonarios por alguno de sus retratos.

Podemos considerarle como un representante de la nueva figuración inglesa. Quizás una de las características de su obra sea el uso del color, el contraste expresionista que a veces nos ofrecen las zonas de luz y las zonas de sombra en el cuerpo de una persona o en su cara. Utilizaba la técnica del impasto que consiste en aplicar la capa de pintura de manera que el volumen de la pincelada y su forma son visibles, con ello se crea un efecto tridimensional con zonas que destaca junto a la pincelada de color que el autor aplica. Junto a ello los colores que utiliza son neutros.

En cuanto a las obras muchas de ellas son un perfecto estudio psicológico del personaje y nos permite apreciar su estado de ánimo o incluso penetrar en su alma. Junto a ello un realismo en ocasiones descarnado también forma parte de su obra.

Falleció en Lóndres no hace tanto tiempo, fue en 2011 cuando contaba con 89 años.

Lecciones de arte con Wassily Kandinsky

De Kandinsky sabemos que es el primer artista que realizó un cuadro abstracto, concretamente una acuarela que fue realizada en el año 1912. Pero para llegar hasta ella pasó, como otros muchos pintores que trabajaban a principios del siglo XX, por diferentes etapas. Pero Kandinsky no es solo un pintor sino también un estudioso de la pintura, sobre todo del color y la reacción que produce en la persona que lo observa.

Las propiedades del color. Frente al contraste entre el blanco y el negro, Kandinsky apuesta por una vida llena de color, convencido de que el uso del color tiene propiedades que ayudan a la psicología del ser humano y le influyen de manera positiva. Por un lado cuando se observa el color, por otro lado en el efecto que este al ser observado y que tocan el alma humana.

Es importante tomarse su tiempo. Las pausas son importantes, no conviene realizar una obra toda del tirón, sino que es bueno parar de vez en cuando, reflexionar sobre lo que se está haciendo, observarlo y darse cuenta de los errores cometidos o bien del camino que debe seguirse de ahora en adelante. Es algo que no solo puede aplicarse a la pintura sino también a la vida cotidiana.

Nunca quedarse parado. Como todo buen artista el estilo que cada uno tiene debe buscar una evolución. La vida de un artista es la de una permanente búsqueda, va pasando por diferentes estilos hasta que encuentra su propia originalidad, aquello que le hace diferente y reconocible por cualquiera que observe alguna de sus obras.

Armonía en el contraste. El color o la distribución del color puede crear contrastes mas o menos acusados pero que también sirven para excitar el alma del observador. Es uno de los aspectos que el artista estudió con mucho interés. Recordemos que para él no eran importantes los objetos que aparecían en el cuadro sino los colores que formaban parte del mismo.

Reflejo del mundo interior. Cada una de sus obras refleja en parte su deseo interior donde se dan cita cada uno de los apartados anteriores. Cada una de sus ideas aparecen reflejadas en sus obras. Una de las grandes pretensiones de Kandinsky cuando se observan sus obras es que sean capaces de transmitir alguna o varias emociones. Una reacción que tenga que ver con una reflexión interior y que no tiene que ser igual en cada uno de los espectadores. 

Frente al tipo de reacción que espera el arte contemporáneo y que gira en torno a una idea que en muchos casos el espectador debe completar o que invita a la reflexión, las obras de Kandinsky se centran en la emoción que despierta en cada uno de nosotros la observación de sus obras. Emociones como la alegría, esperanza, deseo y muchas otras mas.

El muralista Diego Rivera para niños

Hay dos hechos que marcan la vida de este pintor y que son algo recurrente en su forma de trabajo. Los dos son dignos de tener en cuenta. Primero es que este artista es un muralista, pinta las paredes de diferentes edificios, bien en el exterior o interior. Sus obras son difíciles de mover o de vender. Eso le diferencia de otros artistas cuyos cuadros por efecto del azar o de una subasta pueden cambiar de manos de forma bastante fácil.

En segundo lugar otro hecho que marca su vida es su pertenencia al Partido Comunista, en Mexico, que es el lugar donde se afilió. Pero sus ideas políticas se ven reflejadas en sus murales. Allí vemos no solo personajes sino una identificación con los más humildes y los que más sufren en la sociedad.

Su formación no tiene lugar solo en Mexico, aunque será el primer sitio donde desarrolla su pintura. Es un artista que se verá influido por diferentes movimientos durante una estancia en Europa, coincidiendo con la revolución rusa de 1917. Al igual que otros muchos artistas tendrá un primer contacto con el cubismo, aunque no será este el movimiento que más le influya. Lo abandonó por el postimpresionismo, un cambo bastante extraño sin duda. Pero interesado por el arte figurativo viajará hasta Italia donde estaba muy interesado en conocer de cerca la pintura del renacimiento, sin duda uno de los mejores momentos de la historia del arte de la antigüedad, además en Italia, cuna de los grandes maestros que tanto influyeron en Europa y que hacen estar al país en un escalón superior al resto en ese momento.

De vuelta a Mexico trabajará en distintos proyectos, algunos de ellos serán en Estados Unidos, ciudades como San Francisco o Nueva York fueron sus destinos. Estas obras, pese a su fama, no están exentas de polémica, ya que los temas representados muestran como hemos dicho su ideología y decir comunista en Estados Unidos es como mentar al diablo. Así que alguno de ellos, como el que realizó en el rockerfeller center fue destruido, por incluir en el último momento una imagen de Lenin.

Un personaje para el que pidió el asilo en Mexico y con el que convivió en su casa hasta que acabaron distanciándose. Quizás este por medio su turbulenta relación con la también pintora Frida Kahlo en la que se vió encuelto el líder de la revolución rusa.

Diego Rivera, que había nacido como un niño bastante débil en el año 1886 falleció en la ciudad de Mexico en 1957, dejando un legado importante de obras que no solo son buenas por su calidad artística, sino porque invitan a una reflexión sobre el comportamiento de la sociedad para con los más humildes (que debemos decir que siempre pagan el pato de todo a lo largo de la historia y ahora).

El aura de la fotografía para Walter Benjamin

Repasando alguno de los textos escritos por Walter Benjamin y publicados en 1931 en tres números de una revista alemana bajo el título Breve Historia de la Fotografía, nos damos cuenta de que para él existían fotografías que tenían aura y otras en las que este aura ya no aparece. El aura sería un campo energético que rodea o personas u objetos, un halo invisible para la mayoría de seres humanos.

Uno de los pescadores de New Haven por David Octaviu Hill

¿Hubo pues un momento en que la fotografía tenía aura? Para Walter Benjamin si, será sobre todo con el los primeros pasos de esta disciplina cuando se consiga ese aura. Es muy posible que sea debido a la cantidad de tiempo de exposición necesaria para tomar la foto. Pensemos que para captar la luz suficiente eran necesarios varios minutos de exposición antes de finalizar el proceso. Por eso da impresión de que algunas fotografías parecen algo quemadas debido a ello.

Pero Benjamin no alude al aura solo porque las fotos parezcan sobre expuestas a la luz sino también porque están hechas para perdurar. Es decir en un primer momento las fotografías son únicas, irrepetibles, han sido realizadas con una finalidad concreta que van a cumplir. Los retratos realizados por David Octavius Hill para pintar la primera Asamblea de la Iglesia Escocesa tienen como finalidad poder individualizar a cada uno de los 500 personajes que aparecían en ese evento y así poder pintarlo. Cuando el mismo artista retrata a los pescadores y familiares en New Haven ocurre lo mismo, esas fotos tienen mucho de artístico, ya que intentan transmitir un estado de animo.

Una calle de París por Eugene Atget

En el momento en que la foto se ha tomado con la finalidad de crear una copia, pierde todo aquello que tiene de artístico y según Benjamin el aura desaparece, son para él "fotos vacías de seres humanos" porque su finalidad es ser reproducidas en un periódico o revista y contamos con decenas o miles de copias que han sido vistas por el mismo número de personas. Los periódicos al principio no contaban con imágenes pero poco a poco las imágenes fueron sustituyendo a la palabra y transmitiendo un mensaje que desvirtúa la finalidad artística de la fotografía. Todo se viene abajo cuando se establezca el concepto de actualidad y fotografía.

Artísticas son las obras de Eugene Atget en París, un fotógrafo capaz de salir del ambiente del retrato y mostrar la ciudad, buscando aquello que estaba perdido, las partes más escondidas. Sus obras tienen un aire romántico.

Artísticas resultan las obras de Auguste Sander porque hay en ellas un discurso conceptual en el que la sociedad está divida por clases y grupos que va clasificando según un criterio propio.

Resulta curioso intentar reflexionar sobre estas palabras de Walter Benjamin en nuestra sociedad actual, cuando la fotografía lo ha invadido todo. En un momento en el que no somos nada sin la reproducción. Actualmente somos capaces de ver y asumir un número de imágenes tremendo a lo largo de un mismo día. ¿Cuantas imágenes vemos en un solo día en revistas, periódicos, anuncios, redes sociales? Pueden ser 1.500, 2000 imágenes diarias. La fotografía perdió sus esencia para Walter Bejamin en la década de los 30, si viviera ahora mismo quizás se habría vuelto loco con el uso indiscriminado y la democratización de la fotografía en los teléfonos móviles, sin aura, sin relación con lo artístico, simplemente como un hecho documental del "yo estuve allí" incluso del selfie efímero en busca de algunos likes.

Uno de los retratos de Auguste Sander