domingo, 25 de febrero de 2018

Cuadros de Murillo hechos fotografía

La ciudad de Sevilla tuvo una actividad artística muy importante durante el siglo XVII, algunos de los mejores maestros tanto en escultura como en pintura, nacieron o se formaron en Sevilla. Con Diego Velázquez como referencia, un número importante de buenos maestros coinciden en la misma época, hablamos de figuras tan importantes como Francisco de Zurbarán en pintura o Juan Martínez Montañés en escultura, por citar solo un par de ellos.


Bartolomé Esteban Murillo es otro de estos maestros del cual este 2018 se celebra el año murillo, ya que coincide esta fecha con la de su nacimiento. Para ello la ciudad de Sevilla ha programado diferentes exposiciones en torno a la figura del artista y diferentes eventos a lo largo de todo el año. Se trata de la gran apuesta cultural y turística de la ciudad para el año 2018.
Una de las exposiciones más interesantes es la que lleva por título Murillo Fotógrafo donde José Antonio Lamadrid y Laura León han recreado de forma contemporánea algunos de los más famosos cuadros de Murillo. Han querido estos fotógrafos de que sus obras no fueran una simple recreación sino que cada una de ellas fuera capaz de transmitir un mensaje con alguno de los problemas que aquejan a nuestra sociedad y a los que, en muchas ocasiones, damos la espalda, aunque indudablemente están ahí y no se pueden negar.


Murillo es muy conocido por las pinturas en las que representa a la Virgen Inmaculada, ese será su modelo más extendido. Realizó muchas versiones de esta representación que tiene varias características de la escuela Andaluza. Pero Murillo también es conocido por el componente social que tienen sus obras. No existe otro pintor igual para plasmar la delicadeza del rostro de sus personajes, sobre todo de los niños. Pero al mismo tiempo le toco vivir un tiempo difícil en la ciudad de Sevilla, plagada de niños de la calle que se dedicaban al pillaje y coincidiendo con una epidemia de peste que diezmo la ciudad en más de 50%.
Enlazando con esta idea los fotógrafos tratan de introducir este mensaje que haga mover la conciencia de las personas que contemplan la obra. Por ejemplo sus famosos niños jugando a los dados  es representado por unos niños que no se despegan de la consola o el videojuego, de los cuales en muchos casos parecen depender para pasar su tiempo.


Otro caso es su obra de Santa Ana enseñando a leer a la Virgen, que aquí se representa como una abuela que está cuidando de su nieta. No es extraño en nuestra sociedad contemplar como muchos abuelos participan en la educación de sus nietos, acompañándoles al colegio, recogiéndoles o llevándolos a diferentes actividades, mientras sus padres se encuentran trabajando.
Otra de las obras del Murillo que se encuentra en la Catedral de Sevilla es la que representa a las Santas Justa y Rufina sujetando la giralda durante el terremoto del siglo XV, pue la reinterpretación nos lleva a una mujer católica y otra musulmana sujetando la torre y hablando de la difícil convivencia entre las dos culturas, debido entre otras cosas al recelo por los atentados y los episodios de xenofobia que pueden sufrir estas mujeres solo por tener una cultura diferente.
Se abordan otros muchos temas, como los tratamientos de fertilidad, la identidad sexual, el papel de la mujer como madre trabajadora, los obstáculos que encuentran los artistas para abrirse camino o el consumismo en la sociedad contemporánea.
Las obras están muy bien realizadas y si viajáis a Sevilla o vais a visitar Sevilla en el 2018 esta es una de las exposiciones que nadie se debe perder. 


domingo, 18 de febrero de 2018

Paul Signac puntillismo para niños

Este pintor era de origen francés, nació en el año 1863 y comenzó pintando obras impresionistas, aunque cambió su forma de pintar a partir del año 1884, cuando conoció a George Seurat y se pasó a la pintura puntillista, que no abandonó hasta el final de su vida. Debemos decir que su vocación como pintor le llegó desde el año 1880 tras ver una exposición de Manet, cuatro años después se produciría el cambio hacia el puntillismo.


Debemos decir que su familia tenía suficiente dinero para que él pudiera dedicarse de lleno a la pintura, sin problema para depender exclusivamente de la pintura. Este es un dato que ayuda mucho para poder dedicarte a lo que te gusta y ejercer tu estilo con plena libertad creativa. Es uno de los fundadores del Salón de los Independientes donde participó junto a otros pintores impresionistas y puntillistas de la época. Es curioso que frente a su acomodado origen ideológicamente era un anarquista, al igual que otros muchos artistas del momento. Aunque hay que decir que envió cheques para el desarrollo del movimiento y también regalo algunos cuadros para el periódico "Los Nuevos Tiempos". Podemos decir que algunas de esas ideas se plasman en sus obras, ya que para él la armonía era muy importante. La armonía no solo debería aparecer en sus cuadros sino que estaba convencido de que debía trasladarse a la sociedad, pero él no contribuía con una lucha activa sino a través de la armonía de sus obras. Conectando con estas ideas estaba convencido de la libertad artística creativa y para ello el anarquismo era (para él) el mejor movimiento que podía garantizar esta actitud.


La mayoría de sus obra tiene que ver con paisajes, concretamente con escenas en las que el paisaje marino está presente. Se nota perfectamente, al igual que otros pintores de esta época, que tiene un gran interés por la distribución de la luz y por la forma de aplicar el color en sus obras. Estas representaciones representan algunas de sus grandes aficiones, fue un gran amante del mar y la navegación.
Además de dedicarse a la pintura también escribió algunos libros. En ellos hablaba de sus ideas estéticas y sobre todo de la técnica puntillista. En todas ellas la luminosidad juega un papel muy importante. Los colores no deben mezclarse en la paleta sino que colocados unos junto a otros en el lienzo nuestra mente hará que se fundan ofreciendo una mezcla que no existe en la realidad sino que se crea por una ilusión óptica mientras observamos la obra.
Tras la muerte de Seurat se traslado al sur de Francia y viajó por otros puertos de la zona mediterránea. Allí se dedicó a pintar escenas marinas. Podemos observar que en los últimos años de su vida también pintó algunos bodegones y retratos.
Es muy curioso observar las diferentes combinaciones de colores que se observan en el reflejo que nos ofrece el agua en muchas de sus composiciones. Falleció en el año 1935.


domingo, 11 de febrero de 2018

Algunas de las últimas tendencias artísticas

Hal Foster es uno de los grandes pensadores de nuestro tiempo, sus trabajos relacionados con el arte y con la estética están muy considerados. Sus libros marcan la pauta no solo del arte sino de la relación de éste con la sociedad. Su último libro publicado se llama Malos Nuevos Tiempos y ha sido publicado por la editorial Akal. En este libro hace un repaso a algunas de las últimas tendencias del arte contemporáneo que queremos resumir en este post.

Grand Pop Paul McCarthy

En primer lugar habla de como algunos artistas se decantaron por el arte abyecto en la década de los 80 y la década de los 90, quizás como una manera de oponerse al fin de los movimientos que vanguardia que se producen en esa época con los últimos coletazos del minimalismo y el inicio de la posmodernidad. Señala Foster que la sociedad se fundó con una oposición a lo anal que se ha mantenido a lo largo de los siglos y que estos artistas tratan de sacar a la luz. Hablamos de las obras de Mike Kelley, Paul McCarthy o John Miller.
En segundo lugar tenemos a los artistas archivistas, Thomas Hirschhorn puede ser un ejemplo de ellos. Podemos compararlo con esos altares improvisados que surgen en las diferentes ciudades después que se produce un atentado, allí se atesoran objetos y mensajes de todo tipo acompañados de velas y flores o bien quioscos que incluyen todo tipo de información sobre un tema deseado. Según palabras del propio artista, se trata de conectar aquello que no se puede conectar.


Tenemos otros artistas que se dedican al tema del archivo, por ejemplo Tacita Dean, sus obras reflejan objetos que fueron creados con una visión futurista pero que fracasaron en su intento y fueron abandonados, se trata en muchos casos de un pasado heterogéneo e incompleto. 
Joaquim Koester presenta historias desconocidas que sucedieron hace tiempo y que sirven como elemento de reflexión para el espectador, aspectos que pudieron suceder y que desconocemos. 
Un tercer aspecto estaría conectado con la instalación a modo de diorama de diferentes objetos, conecta con la idea de los dadaistas que en 1916 querían poner el arte y la cultura al servicio del espectáculo y presentarlo al público como un programa de variedades. Rober Gober puede ser uno de los artistas que nos sirva como ejemplo de esta corriente.
Un cuarto aspecto tiene que ver con lo precario, lo que trata de denunciar una situación social en la cual el gobierno no quiere implicarse. Foster indica que lo lastimero es uno de los símbolos de lo precario. Es como esos cartones que exhiben algunos pobres en la calle que informan de una situación triste cargada de faltas de ortografía y de sinceridad. La precariedad y la emergencia se encuentran unidas. Thomas Hirschhorn ha trabajado también este tema.
Por último afirma el autor que se ha producido una vuelta a lo performativo. La performance como proceso que sirve para activar al espectador.


Por si tienes interés en ver en vídeo algunas de las obras y los artistas de los que hablamos en este post sobre últimas tendencias artísticas

domingo, 4 de febrero de 2018

El fotógrafo Man Ray para niños

Estamos ante uno de los grandes genios de la fotografía del siglo XX, uno de los referentes artísticos de las primeras décadas del siglo XX, momento en el cual colaboró con algunos de los movimientos de vanguardia del momento, principalmente con el dadaismo y con el surrealismo.



Man Ray no era europeo, aunque será en este continente donde va a conseguir el éxito. Pero Enmmanuel Radnitzky nació en Filadelfia en el año 1890. Su interés por el arte tiene mucho que ver con el traslado durante su juventud a Nueva York donde entró en contacto con artistas de vanguardia como Marcel Duchamp, acudía a diferentes exposiciones y participaba en tertulias.
Su interés por la fotografía llega de forma casual. En principio compró una cámara fotográfica para documentar obras artísticas.
Empezó a ser conocido por realizar algunas fotografías sin la intervención de la cámara, se trata de composiciones abstractas, muy estudiadas y trabajadas, fruto de situar objetos en contacto con papel sensible a la luz que posteriormente era revelado. Este tipo de obras se conocen con el nombre de Rayogramas. Fueron realizadas en París, donde el artista se trasladó para estar en contacto con las nuevas tendencias del arte en ese momento. 


Recordemos que París es el centro del arte en la primera mitad del siglo XX, casi todos los movimientos de vanguardia tienen que pasar por esta ciudad para ser conocidos. Esta situación durará hasta la segunda guerra mundial, momento en el cual el centro del arte pasará a la ciudad de Nueva York.
Pero hablando de Man Ray si por algo es conocido es por la realización de retratos. Pero no se trata de simples poses de grandes figuras famosas en la Europa del momento. La mayoría de sus retratos son de mujeres, bellas, fatales en muchos casos. En ellas trata de mostrar algo más que su simple belleza sino que dota a sus fotografías de un discurso conceptual, tenemos algo más en lo que fijarnos o en lo que pensar cuando observamos alguna de estas obras
En "El violín de Ingrés" nos muestra no solo el cuerpo de una mujer sino que juega con las curvas de ese cuerpo para que se adapten a la forma del instrumento musical que trata de representar. Incluso con esas letras F añadidas posteriormente.
Detrás de cada una de sus imágenes hay un concepto, no se trata solo de representar sino de crear.
Ray falleció en París en el año 1970.