¿Qué es la pintura matérica?

Para centrar una fecha en la cual se practica este estilo debemos situarnos después de la segunda guerra mundial y dentro de las corrientes que surgen tanto en Estados Unidos como en Europa, estamos hablando del expresionismo abstracto y también de la corriente informalista. Dentro de esta última corriente deberíamos situar la pintura matérica, la cual tiene sus máximos representantes en países europeos como Francia, Italia o España.

Lo que define la pintura matérica, la misma palabra lo dice es la materia, elementos ajenos al cuadro tradicional que son incluidos en el mismo como si fuera un collage. Estamos hablando de la arena, la arpillera, restos de ropa, materiales de hierro desechados, madera, objetos de vidrio ya rotos. No solo se añaden estos materiales al cuadro sino que también se destruye el lienzo, realizando cortes y perforaciones que añaden dinamismo y nos ayudan a apreciar una tercera dimensión más allá del cuadro.

Jean Dubuffet puede ser un buen ejemplo de todo esto que estamos hablando, gracias a él hablamos del Art Brut o Arte Bruto, se trata de un tipo de arte realizado por personas no profesionales y en muchos casos que tienen problemas mentales, se encuentran en situación de privación de libertad o son niños. Se trata de un arte que no se atiene a normas concretas ni estándares ligados a las Escuelas de Bellas Artes, un estilo donde lo más importante es la libertad creativa sin importar el resultado estético final. Para ello se inspiraba en los dibujos realizados por los colectivos antes citados para crear sus diferentes series. Muchas de sus obras utilizaban materiales de desecho como el alquitrán, la paja, la arena. En ellos el cuadro se encontraba dañado o perforado, pero al mismo tiempo con una amalgama de texturas que le otorgaba a la obra un cierto relieve.

No es la primera vez que se incorporan materiales a la obra, recordemos que Picasso y otros seguidores del cubismo sintético habían incorporado materiales a la obra, en muchos casos creando un collage bien con papeles de periódico u otros tipos de papel o incluyendo objetos reales como hace Picasso en su Naturaleza muerta con silla de rejilla.

Pero no será el único movimiento ya que los dadaistas ya usaron también estos y otros materiales en sus obras. Los artistas matéricos partirán de estas ideas para recuperarlas e incluirlas en sus obras. 

En España uno de los artistas más destacados fue Manuel Millares cuya obra se vió truncada por su pronto fallecimiento. Algunas de sus obras reúnen todas las características de las que estamos hablando, como el uso de la arpillera en diferentes colores y los cortes o perforaciones en los cuadros que, como hemos dicho, dan dan un relieve y una idea de tridimensional a unas obras que son completamente abstractas, aunque traten de representar homúnculos o desechos humanos.

Ignacio Zuloaga para niños

Zuloaga es un pintor que vive la transición entre los siglos XIX y XX en España, aunque parece ajeno a lo que sucede en Euorpa durante los primeros años del siglo XX, cuando numeroso estilos que conocemos como movimientos de vanguardia, traten de revolucionar el arte y darle un nuevo sentido con estilos como el cubismo, el fauvismo, el futurismo o la pintura abstracta.

Si tenemos que definir el estilo en el que trabaja Zuloaga diremos que es un pintor con fuerte influencia del realismo y del costumbrismo. Este último estilo tuvo mucha repercusión en muchos pintores españoles y el propio Pablo Picasso lo practicó en sus obras de juventud. Pero si Picasso fue capaz de evolucionar buscando nuevas metas para la pintura, Zuloaga parece un pintor mas estancado en la representación de personajes populares, a veces bastante rudos, en sus obras.

Frente a los pintores alegres que trabajan en la misma época. Es decir frente a la corriente luminista representada por Sorolla, máximo representante español del impresionismo, Zuloaga se acerca más a una visión adusta y un tanto trágica de los personajes que representa, normalmente con tonalidades oscuras, quizás influido por una corriente trágica representada por artistas como José de Ribera y sus martirios o Francisco de Goya y sus desastres de la guerra y pinturas negras. Todo ello sin olvidar a otro maestro que trabaja en la misma época y que también transmite esta visión trágica, acorde con las ideas de la generación del 98, en muchos de sus trabajos, estamos hablando de José Gutierrez Solana.

Zuloaga era de origen vasco, provenía de una familia de artesanos, aunque pasó gran parte de su vida en Castilla y León, concretamente en Segovia y también en la villa de Pedraza donde poseía un castillo. Su formación la realizó tanto en España como en el extranjero, ya que viajó para formarse tanto a París como a Roma.

El realismo bastante crudo es una de las referencias de su obra, sobre todo en la representación de Castilla, donde lo dramático adquiere un papel principal en su obra. 

Al igual que Goya fue un gran aficionado a los toros e incluso trató de ser torero como el genio aragonés pero sin mucho éxito, así que también podemos observar este tipo de temática en alguno de sus trabajos, con la misma crudeza, en muchos casos, que en la mayoría de su obra.

El urbanismo tampoco es ajeno a su trabajo, ya que en sus diferentes retratos o representaciones populares, los edificios forman parte del paisaje, integrándose con la obra. Se trata de múltiples edificios que existían en los distintos pueblos del España.

El realismo crudo de su obra no hace que los personajes pierdan su dignidad pese a su condición de pobreza.

Zuloaga falleció en el año 1945.

La pintura prerrafaelista explicada a los niños

La fundación de este grupo se produce a mediados del siglo XIX, concretamente en 1848, en la ciudad de Londres y no es un movimiento dedicado exclusivamente a la pintura, ya que tenemos otras representaciones que abarcan la poesía o la crítica literaria. Este grupo como tal duró apenas cinco años, pero su influencia se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y en la Inglaterra del siglo XX.

John Everett Millais. Cristo en casa de sus padres

Lo que pretenden los prerrafaelistas es rechazar el academicismo que imperaba en la enseñanza inglesa en ese momento, ya que sus representantes solo se dedicaban a perpetuar el movimiento manieirista que se había producido tras pintores como Miguel Angel y Rafael con composiciones idealizadas y cargadas en muchos casos de decoración, alejadas por tanto del realismo y con un uso del colorido muy llamativo y abigarrado.

Por tanto lo que los prerrafaelistas quieren es un retorno al realismo cargado de detalles y también un uso del color que recuerde a las figuras anteriores a Rafael y Miguel Angel, buscando su inspiración en artistas del Quattrochento y del Trechento italiano, así como otros artistas flamencos de inicios del renacimiento.

William Holman. El pastor distraido

Tampoco descartan la inspiración medieval en muchas de sus obras, basando los temas en numerosas leyendas de esa época y también en temas relativos a la mitología clásica. El realismo y la visión romántica de la naturaleza también les sirven como fuente de inspiración.

Una cosa interesante es que ellos creen en la liberación del artista y en la libertad creativa para poder representar lo que mejor le parezca sin depender de un encargo. Esta corriente que tiene su germen a mediados del siglo XIX se acabará imponiendo por la adhesión de artistas de diferentes movimientos.

La naturaleza será uno de los elementos más importantes, en muchos casos llegando a compararse con la fotografía por el nivel de detalle con el que era representada. Ese hiperrealismo es una de las señas de identidad del movimiento. Junto a ello la presencia del color, que debía ser exactamente igual que el representado al natural.

Dante Gabiel Rossetti. Beata Beatrix

¿Qué es la pintura expandida?

En los años de la posmodernidad se ha tratado de definir el estilo de los múltiples artistas y disciplinas que se practican en la actualidad y que podemos calificar como arte, entre ellas aparece el término "pintura expandida", un término el de expandido que fue utilizado por primera vez por Rosalind Krauss para designar los derroteros que estaba tomando la escultura durante la década de los 60 del siglo pasado. Recordemos que ese es el momento de la escultura minimalista y lo que Krauss se cuestiona son los límites que tiene esta disciplina y cuales son las obras a las que podemos llamar escultura y cuales no.

Con la llegada del nuevo milenio este término, en principio solo aplicado a la escultura, saltó también a la disciplina de la pintura de una manera similar, ¿donde se encuentran los límites entre lo que definimos como una pintura y aquello que ya no es pintura sino otra disciplina? Por ejemplo un artista que practica este tipo de pintura es Fabian Marcaccio que recibió un prestigioso premio de escultura por una obra que partía de una base pictórica. Es decir su obra ¿era pintura o escultura? o bien como decía el profesor Omar Calabrese en su libro titulado Barrocos y Neobarrocos "un no se qué y un que se yo". El propio Fabian Marcaccio cuando habla de su obra la define como "una clase de pintura que incluye material fotográfico, pintura digital, técnicas escultóricas y todo aquello que la obra necesite".

Como vemos resulta complicado definir lo que es una pintura expandida, podríamos decir que el artista parte de una base pictórica pero los límites del marco no significan nada para él porque los desborda para incluir en su obra otras partes del edificio donde trabaja, adaptándose en muchos casos al lugar donde trabaja. Franz Ackermann, considerado uno de los mejores pintores contemporáneos, pinta las paredes del muro blanco, al tiempo que incluye sus propias pinturas que muestra combinadas con diferentes instalaciones que hacen referencia a temas de actualidad invitando al espectador a reflexionar sobre ellos.

Es decir el interés de estos pintores, muchos de ellos volviendo la vista hacia las obras de Robert Rauschenberg, tratan de repensar el concepto espacial de manera que no sea solo un simple contenedor sino contenido de la obra en sí. El espacio se convierte en un escenario donde suceden cosas, no solo sirve como un lugar para colgar las obras sino que participa activamente de ellas aportando contenido bien en forma de pintura, escultura o instalación. El artista se va alejando de la idea de pintar para introducir otros materiales o formas de actuar que ya no tienen que ver con la pintura sino con otros procesos.

Hay ejemplos de pintura expandida tanto en artistas extranjeros como Sery C., Katarina Grosse, Paul Morrison o españoles como Daniel Verbis, Angela de la Cruz o Arancha Goyeneche.